Шостакович о западных журналистах.
"Чаще всего глупые вопросы задают мне, когда я выезжаю заграницу. Это одна из главных причин, по которой я не люблю ездить. Может быть, главная. Любой наглый приставала может сказать тебе все, что взбредет в голову. И спросить обо всем. Еще вчера он не слышал твоей фамилии, этот идиот. Сегодня, поскольку ему надо зарабатывать, он кое-как произносит твою фамилию. Но чем ты занимаешься, не знает совершенно. И не интересует это его.
Журналисты - это, конечно, не весь народ. Но покажи мне, какая у тебя в руках газета, и я скажу, что у тебя в мозгах. Типичный западный журналист - человек неграмотный, нахальный и глубоко циничный. Ему нужно сегодня немного заработать, а на остальное - глубоко наплевать. Каждый из таких наглецов хочет, чтоб я "смело" ответил на его дурацкие вопросы. И они очень обижаются, эти господа, когда слышат не то, что им хотелось бы. А почему я должен им отвечать? Кто они такие? Почему я должен ставить под удар свою жизнь? И это - для удовлетворения праздного любопытства человека, которому на меня наплевать? Он вчера обо мне ничего не слышал, а завтра забудет мое имя. Какое право он имеет на мою откровенность? На мое доверие? Я ничего о нем не знаю. И я ведь не пристаю к нему с вопросами, правда? Хотя он-то мог бы ответить на любой мой вопрос без всякого риска для своей персоны.
Все это возмутительно и оскорбительно. Самое главное - такие оскорбления стали делом обыденным. И никто не задумывается, как все это нелепо. Обо мне судят на основе того, что я сказал или не сказал мистеру Смиту или Джонсу. Разве это не нелепость? Газетные статьи должны служить оценке их авторов. Пускай по ним судят о мистере Смите и Джонсе. А у меня есть музыка. И довольно много музыки. Обо мне пусть судят по моей музыке. Я не намерен её комментировать.
Я не намерен рассказывать, как, где и при каких обстоятельствах меня окатил "потный вал вдохновения". Пусть поэты делятся с доверчивой публикой подобными воспоминаниями. Все равно все врут. А я и не поэт к тому же."
Понять музыку
"Чаще всего глупые вопросы задают мне, когда я выезжаю заграницу. Это одна из главных причин, по которой я не люблю ездить. Может быть, главная. Любой наглый приставала может сказать тебе все, что взбредет в голову. И спросить обо всем. Еще вчера он не слышал твоей фамилии, этот идиот. Сегодня, поскольку ему надо зарабатывать, он кое-как произносит твою фамилию. Но чем ты занимаешься, не знает совершенно. И не интересует это его.
Журналисты - это, конечно, не весь народ. Но покажи мне, какая у тебя в руках газета, и я скажу, что у тебя в мозгах. Типичный западный журналист - человек неграмотный, нахальный и глубоко циничный. Ему нужно сегодня немного заработать, а на остальное - глубоко наплевать. Каждый из таких наглецов хочет, чтоб я "смело" ответил на его дурацкие вопросы. И они очень обижаются, эти господа, когда слышат не то, что им хотелось бы. А почему я должен им отвечать? Кто они такие? Почему я должен ставить под удар свою жизнь? И это - для удовлетворения праздного любопытства человека, которому на меня наплевать? Он вчера обо мне ничего не слышал, а завтра забудет мое имя. Какое право он имеет на мою откровенность? На мое доверие? Я ничего о нем не знаю. И я ведь не пристаю к нему с вопросами, правда? Хотя он-то мог бы ответить на любой мой вопрос без всякого риска для своей персоны.
Все это возмутительно и оскорбительно. Самое главное - такие оскорбления стали делом обыденным. И никто не задумывается, как все это нелепо. Обо мне судят на основе того, что я сказал или не сказал мистеру Смиту или Джонсу. Разве это не нелепость? Газетные статьи должны служить оценке их авторов. Пускай по ним судят о мистере Смите и Джонсе. А у меня есть музыка. И довольно много музыки. Обо мне пусть судят по моей музыке. Я не намерен её комментировать.
Я не намерен рассказывать, как, где и при каких обстоятельствах меня окатил "потный вал вдохновения". Пусть поэты делятся с доверчивой публикой подобными воспоминаниями. Все равно все врут. А я и не поэт к тому же."
Понять музыку
Какая музыка звучала в доме Баха?
В 1725 году Иоганн Себастьян Бах, на тот момент ему было 40 лет, подарил своей второй жене? Анне Магдалене Бах, на её 24-й день рождения, красивый, дорогой альбом (для записи музыки) с золотыми инициалами A M B. Для чего?
В доме известного композитора, в любом случае, будет много музыки. Впрочем, неизвестного тоже. А теперь представим, насколько много музыки было в доме композитора, практически все дети которого так или иначе занимались музыкой. А сколько детей было у Баха? 20!
Представляете? Конечно же, не все из них пережили младенческий возраст, такие были времена. Но всё же! Со всеми своими детьми Бах занимался музыкой. Трое из них при жизни были гораздо более известными, чем их отец.
Теперь вспомним, что было с печатным нотным набором в то время? Можно сказать так, он существовал, но был развит в крайне слабой форме.
Собрав все вышеизложенные факты вместе, мы сможем, примерно, представить причину появления «Нотной тетради Анны Магдалены Бах». Это был домашний музыкальный сборник семьи Баха. Кстати, там не так много музыки самого Иоганна Себастьяна. В тетради есть сочинения как сыновей Баха, так и других композиторов того времени. Ещё стоит сказать, что эта "музыкальная" тетрадь не была единственной. Однако, она точно стала самой известной.
По каким-то сочинениям дети Баха учились клавиру (общее название клавишных музыкальных инструментов), под какие-то сочинения, танцевальных жанров, занимались с преподавателем хореографии, а какая-то музыка предназначалась для вокальных занятий самой Анны Магдалены. В общем, всё, что нужно – здесь, под рукой, в нотной тетради.
Постепенного усложнения пьес в сборнике не наблюдается (от простого к сложному – одно из правил И. С. Баха в обучении музыке). Сразу же после сложной пьесы может идти очень простая.
Какой вывод мы можем сделать из этого?
«Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах» - не какое-то обучающее пособие от самого И. С. Баха. Да, есть уклон в эту сторону, но сама тетрадь всё-таки больше похожа на сборник пьес, которые время от времени пригождались всей семье.
В наше время многие пианисты начинают свой путь именно с этого сборника. Либо с тех пьес, которые понравятся, либо с тех, что подберёт преподаватель. Ну а для того, чтобы просто ощутить, прочувствовать атмосферу дома Иоганна Себастьяна Баха – играть эту музыку необязательно, её можно просто послушать, что я вам и предлагаю сделать.
Кстати, интересно было бы поставить эту музыку фоном, а самому пойти делать разные домашние дела. Как будто один из сыновей Баха сидит, играет, пока вы занимаетесь чем-то своим. В общем, обязательно слушайте, это будет полезно, как минимум, для общего развития.
Понять музыку
В 1725 году Иоганн Себастьян Бах, на тот момент ему было 40 лет, подарил своей второй жене? Анне Магдалене Бах, на её 24-й день рождения, красивый, дорогой альбом (для записи музыки) с золотыми инициалами A M B. Для чего?
В доме известного композитора, в любом случае, будет много музыки. Впрочем, неизвестного тоже. А теперь представим, насколько много музыки было в доме композитора, практически все дети которого так или иначе занимались музыкой. А сколько детей было у Баха? 20!
Представляете? Конечно же, не все из них пережили младенческий возраст, такие были времена. Но всё же! Со всеми своими детьми Бах занимался музыкой. Трое из них при жизни были гораздо более известными, чем их отец.
Теперь вспомним, что было с печатным нотным набором в то время? Можно сказать так, он существовал, но был развит в крайне слабой форме.
Собрав все вышеизложенные факты вместе, мы сможем, примерно, представить причину появления «Нотной тетради Анны Магдалены Бах». Это был домашний музыкальный сборник семьи Баха. Кстати, там не так много музыки самого Иоганна Себастьяна. В тетради есть сочинения как сыновей Баха, так и других композиторов того времени. Ещё стоит сказать, что эта "музыкальная" тетрадь не была единственной. Однако, она точно стала самой известной.
По каким-то сочинениям дети Баха учились клавиру (общее название клавишных музыкальных инструментов), под какие-то сочинения, танцевальных жанров, занимались с преподавателем хореографии, а какая-то музыка предназначалась для вокальных занятий самой Анны Магдалены. В общем, всё, что нужно – здесь, под рукой, в нотной тетради.
Постепенного усложнения пьес в сборнике не наблюдается (от простого к сложному – одно из правил И. С. Баха в обучении музыке). Сразу же после сложной пьесы может идти очень простая.
Какой вывод мы можем сделать из этого?
«Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах» - не какое-то обучающее пособие от самого И. С. Баха. Да, есть уклон в эту сторону, но сама тетрадь всё-таки больше похожа на сборник пьес, которые время от времени пригождались всей семье.
В наше время многие пианисты начинают свой путь именно с этого сборника. Либо с тех пьес, которые понравятся, либо с тех, что подберёт преподаватель. Ну а для того, чтобы просто ощутить, прочувствовать атмосферу дома Иоганна Себастьяна Баха – играть эту музыку необязательно, её можно просто послушать, что я вам и предлагаю сделать.
Кстати, интересно было бы поставить эту музыку фоном, а самому пойти делать разные домашние дела. Как будто один из сыновей Баха сидит, играет, пока вы занимаетесь чем-то своим. В общем, обязательно слушайте, это будет полезно, как минимум, для общего развития.
Понять музыку
YouTube
J.S. Bach: Notenbuchlein für Anna Magdalena Bach
Download & Streams: https://brilliant-classics.lnk.to/BachNotenbuchlein
Physical Purchase: https://www.brilliantclassics.com/articles/j/js-bach-notenbuchlein-fuer-anna-magdalena-bach/
Brilliant Classics’ Spotify: https://brilliant-classics.lnk.to/Spotify…
Physical Purchase: https://www.brilliantclassics.com/articles/j/js-bach-notenbuchlein-fuer-anna-magdalena-bach/
Brilliant Classics’ Spotify: https://brilliant-classics.lnk.to/Spotify…
Игра прямыми пальцами.
#искусствофортепиано
Практически все пианисты играют согнутыми пальцами. Кисть в таком положении напоминает купол. Как будто в руки взяли по яблоку, затем яблоки аккуратно вынули, сохранив при этом форму кисти. Пальцы оказались согнутыми в определённом положении, теперь можно перенести руки на фортепиано и сыграть что-нибудь интересное.
Это абсолютно классическое положение пальцев, которому учат всех пианистов на самом первом занятии. Не без причины, конечно. У такого положения много преимуществ: пальцы сразу же выстраиваются в практически ровную линию и, соответственно, нажимают клавиши, примерно, в одних и тех же местах. Для чего это нужно?
Разные пальцы, нажимая с одинаковой силой, будут извлекать звук, примерно, одинаковой громкости. Не будет резких скачков, например, до (тихий звук) – ре (громкий) – ми (средней громкости) – фа (почти не слышно). Это, конечно, утрированный пример, но чем профессиональнее становится пианист, тем лучше он слышит градации оттенков громкости и следит за ними. Помимо этого, такое положение позволяет лучше контролировать движения каждого пальца. Это происходит благодаря физиологическим особенностям наших рук.
Однако для многих такое положение пальцев навсегда остаётся единственным в их профессиональном арсенале приёмов.
Совершенно незаслуженно всегда обходится стороной игра прямыми пальцами. А ведь Горовиц (для тех, кто вдруг не знает – величайший пианист XX века) играл именно так. Игра прямыми пальцами была основным его приёмом (примерно 90% от всего времени за роялем). Если хотите посмотреть, как он это делал – вот вам видео. Помимо Горовица, эти приёмом пользовался также Гленн Гульд (для тех, кто вдруг не знает - величайший пианист XX века). Не так часто, не так постоянно, я бы сказал, но пользовался.
Почему-то в сознании пианистов такое положение пальцев воспринимается как какое-то исключение, им совершенно недоступное. Кто-то пробует так поиграть, однако, через пару минут всё же вспоминает, как «правильно» ставить пальцы и прекращает «играться».
А ведь это - полноценный приём игры. Легато, сыгранное прямыми пальцами, будет гораздо более нежным, мягким, плавным, чем легато, сыгранное согнутыми пальцами. Но об этом – завтра.
А пока что давайте послушаем (и посмотрим на руки!) Владимира Самойловича Горовица, играющего двенадцатый (Op. 8) этюд Скрябина.
Понять музыку
#искусствофортепиано
Практически все пианисты играют согнутыми пальцами. Кисть в таком положении напоминает купол. Как будто в руки взяли по яблоку, затем яблоки аккуратно вынули, сохранив при этом форму кисти. Пальцы оказались согнутыми в определённом положении, теперь можно перенести руки на фортепиано и сыграть что-нибудь интересное.
Это абсолютно классическое положение пальцев, которому учат всех пианистов на самом первом занятии. Не без причины, конечно. У такого положения много преимуществ: пальцы сразу же выстраиваются в практически ровную линию и, соответственно, нажимают клавиши, примерно, в одних и тех же местах. Для чего это нужно?
Разные пальцы, нажимая с одинаковой силой, будут извлекать звук, примерно, одинаковой громкости. Не будет резких скачков, например, до (тихий звук) – ре (громкий) – ми (средней громкости) – фа (почти не слышно). Это, конечно, утрированный пример, но чем профессиональнее становится пианист, тем лучше он слышит градации оттенков громкости и следит за ними. Помимо этого, такое положение позволяет лучше контролировать движения каждого пальца. Это происходит благодаря физиологическим особенностям наших рук.
Однако для многих такое положение пальцев навсегда остаётся единственным в их профессиональном арсенале приёмов.
Совершенно незаслуженно всегда обходится стороной игра прямыми пальцами. А ведь Горовиц (для тех, кто вдруг не знает – величайший пианист XX века) играл именно так. Игра прямыми пальцами была основным его приёмом (примерно 90% от всего времени за роялем). Если хотите посмотреть, как он это делал – вот вам видео. Помимо Горовица, эти приёмом пользовался также Гленн Гульд (для тех, кто вдруг не знает - величайший пианист XX века). Не так часто, не так постоянно, я бы сказал, но пользовался.
Почему-то в сознании пианистов такое положение пальцев воспринимается как какое-то исключение, им совершенно недоступное. Кто-то пробует так поиграть, однако, через пару минут всё же вспоминает, как «правильно» ставить пальцы и прекращает «играться».
А ведь это - полноценный приём игры. Легато, сыгранное прямыми пальцами, будет гораздо более нежным, мягким, плавным, чем легато, сыгранное согнутыми пальцами. Но об этом – завтра.
А пока что давайте послушаем (и посмотрим на руки!) Владимира Самойловича Горовица, играющего двенадцатый (Op. 8) этюд Скрябина.
Понять музыку
YouTube
Horowitz Plays Scriabin Etude Op 8 No 12
Мы не договорили.
#искусствофортепиано
Мы не договорили про технику игры прямыми пальцами. Какими же преимуществами она обладает?
Начнём с того, что площадь соприкосновения пальца с клавишей оказывается гораздо большей, чем при игре согнутыми пальцами. Соответственно, контроль над звуком возрастает. Нажатие происходит самой чувствительной частью подушечки пальца. Благодаря этому становятся возможны более тонкие динамические оттенки.
Когда вы играете согнутыми пальцами, сам процесс прикосновения не позволяет вам извлечь, если можно так выразиться, по-настоящему мягкий, нежный, но при этом глубокий звук. Не позволяет делать очень плавные переходы между звуками в legato. Именно поэтому, кстати, в среде профессиональных пианистов существует такое правило: чем более плавным и связным ты хочешь сделать legato – тем более прямыми должны быть твои пальцы.
Конечно же, возможны и какие-то промежуточные, между ровными и согнутыми пальцами, варианты, имеющие свои звуковые особенности. Однако, это уже инструменты из арсенала пианистов очень высокого класса.
Также, при игре прямыми пальцами, задействуется меньшее количество мышц. Соответственно, каждое нажатие требует меньше усилий, чем обычно. Пальцы меньше устают во время длительных занятий. Преимуществ у такой техники действительно много, однако есть и недостатки.
В быстром темпе такое положение пальцев не позволяет добиться максимально возможной скорости. Если речь идёт о чёрной клавише – то да, самый быстрый способ взять её – прямой палец. Но если мы говорим о белой клавише, то здесь согнутый палец справится гораздо быстрее. Какой напрашивается вывод? Можно совмещать разные приёмы, профессиональные пианисты так и делают, в зависимости от ситуации и задачи.
И вообще, давайте вспомним, что изначально я рассказывал вам об игре прямыми пальцами как об одном из возможных приёмов вообще. Ему очень редко учат, считая, что существует лишь один единственно правильный способ – игра согнутыми пальцами. Но это далеко не так.
В каждой конкретной ситуации пианист должен иметь возможность выбрать, а может даже и совместить несколько приёмов для того, чтобы добиться нужного ему звука. На этом у меня всё.
Понять музыку
#искусствофортепиано
Мы не договорили про технику игры прямыми пальцами. Какими же преимуществами она обладает?
Начнём с того, что площадь соприкосновения пальца с клавишей оказывается гораздо большей, чем при игре согнутыми пальцами. Соответственно, контроль над звуком возрастает. Нажатие происходит самой чувствительной частью подушечки пальца. Благодаря этому становятся возможны более тонкие динамические оттенки.
Когда вы играете согнутыми пальцами, сам процесс прикосновения не позволяет вам извлечь, если можно так выразиться, по-настоящему мягкий, нежный, но при этом глубокий звук. Не позволяет делать очень плавные переходы между звуками в legato. Именно поэтому, кстати, в среде профессиональных пианистов существует такое правило: чем более плавным и связным ты хочешь сделать legato – тем более прямыми должны быть твои пальцы.
Конечно же, возможны и какие-то промежуточные, между ровными и согнутыми пальцами, варианты, имеющие свои звуковые особенности. Однако, это уже инструменты из арсенала пианистов очень высокого класса.
Также, при игре прямыми пальцами, задействуется меньшее количество мышц. Соответственно, каждое нажатие требует меньше усилий, чем обычно. Пальцы меньше устают во время длительных занятий. Преимуществ у такой техники действительно много, однако есть и недостатки.
В быстром темпе такое положение пальцев не позволяет добиться максимально возможной скорости. Если речь идёт о чёрной клавише – то да, самый быстрый способ взять её – прямой палец. Но если мы говорим о белой клавише, то здесь согнутый палец справится гораздо быстрее. Какой напрашивается вывод? Можно совмещать разные приёмы, профессиональные пианисты так и делают, в зависимости от ситуации и задачи.
И вообще, давайте вспомним, что изначально я рассказывал вам об игре прямыми пальцами как об одном из возможных приёмов вообще. Ему очень редко учат, считая, что существует лишь один единственно правильный способ – игра согнутыми пальцами. Но это далеко не так.
В каждой конкретной ситуации пианист должен иметь возможность выбрать, а может даже и совместить несколько приёмов для того, чтобы добиться нужного ему звука. На этом у меня всё.
Понять музыку
Пятая симфония Карла Черни.
Да! Вы не ослышались! Почему-то Черни дошёл до нашего времени только как автор тех самых этюдов, которые играют все пианисты. Почему?
Для начала стоит сказать, что Карл Черни – автор шести симфоний, 24 месс, двенадцати фортепианных сонат, не считая тех, что написаны для игры в 4 руки, большого количества симфонических сочинений вообще, концертов для фортепиано с оркестром и, конечно же, разножанровой фортепианной музыки. Всего более 1000 опусов! Почему же этюды? Как так получилось?
Наиболее адекватная причина – близость стиля музыки, можно сказать, некое подражание своему учителю – Людвигу вану Бетховену. Кстати, Черни начал обучаться у него игре на фортепиано в возрасте 9 лет. Их занятия длились три года. И в возрасте 14 лет, Бетховен написал ему рекомендательное письмо. Процитирую: «для своего четырнадцатилетнего возраста он достиг в игре на фортепиано совершенно исключительных, превосходящих ожидания успехов и что как в этом отношении, так и принимая во внимание его поразительную память, он достоин всевозможной поддержки, тем более что его родители образовали подающего надежды сына на собственные средства».
Ну, допустим, что стиль Черни был действительно немного похожим на стиль Бетховена. Но при этом нельзя сказать, что ничего нового он своей музыкой не сказал. Любой композитор, тем более с таким багажом сочинений, всегда привносит что-то новое в историю академической музыки. У меня есть ещё одно предположение по этому поводу.
Знаете, иногда так бывает, человек сначала был кем-то одним, например, музыкантом, а потом вдруг стал кем-то другим, политиком, например. Однако, общество всё равно продолжает видеть в нём музыканта, но никак не политика, как бы далеко он в этом не продвинулся, как бы не поменял свои убеждения. В обществе создаётся некий ярлык, который очень сложно поменять.
Карл Черни был концертирующим пианистом, очень ярким преподавателем и прекрасным композитором. Он воспитал целую плеяду, целое поколение великих пианистов, среди которых был и Ференц Лист. При этом количество педагогической литературы, в том числе в виде упражнений и этюдов, просто удивляет. Более 800 произведений, многие из которых до сих пор используются в педагогической практике. В середине XIX века Карл Черни считался одним из крупнейших преподавателей игры на фортепиано.
В общем, есть предположение, что всё европейское общество, да и не только европейское, видело в нём величайшего педагога, немного подзабыв при этом о его композиторском даровании.
А мы с вами так делать не будем! И сегодня послушаем пятую симфонию Карла Черни, эта ссылка отправит вас на прослушивание третьей, наиболее доступной для восприятия, части. Если понравится – обязательно слушайте полностью. Карл Черни – личность гораздо большего масштаба, чем мы с вами себе представляем.
Понять музыку
Да! Вы не ослышались! Почему-то Черни дошёл до нашего времени только как автор тех самых этюдов, которые играют все пианисты. Почему?
Для начала стоит сказать, что Карл Черни – автор шести симфоний, 24 месс, двенадцати фортепианных сонат, не считая тех, что написаны для игры в 4 руки, большого количества симфонических сочинений вообще, концертов для фортепиано с оркестром и, конечно же, разножанровой фортепианной музыки. Всего более 1000 опусов! Почему же этюды? Как так получилось?
Наиболее адекватная причина – близость стиля музыки, можно сказать, некое подражание своему учителю – Людвигу вану Бетховену. Кстати, Черни начал обучаться у него игре на фортепиано в возрасте 9 лет. Их занятия длились три года. И в возрасте 14 лет, Бетховен написал ему рекомендательное письмо. Процитирую: «для своего четырнадцатилетнего возраста он достиг в игре на фортепиано совершенно исключительных, превосходящих ожидания успехов и что как в этом отношении, так и принимая во внимание его поразительную память, он достоин всевозможной поддержки, тем более что его родители образовали подающего надежды сына на собственные средства».
Ну, допустим, что стиль Черни был действительно немного похожим на стиль Бетховена. Но при этом нельзя сказать, что ничего нового он своей музыкой не сказал. Любой композитор, тем более с таким багажом сочинений, всегда привносит что-то новое в историю академической музыки. У меня есть ещё одно предположение по этому поводу.
Знаете, иногда так бывает, человек сначала был кем-то одним, например, музыкантом, а потом вдруг стал кем-то другим, политиком, например. Однако, общество всё равно продолжает видеть в нём музыканта, но никак не политика, как бы далеко он в этом не продвинулся, как бы не поменял свои убеждения. В обществе создаётся некий ярлык, который очень сложно поменять.
Карл Черни был концертирующим пианистом, очень ярким преподавателем и прекрасным композитором. Он воспитал целую плеяду, целое поколение великих пианистов, среди которых был и Ференц Лист. При этом количество педагогической литературы, в том числе в виде упражнений и этюдов, просто удивляет. Более 800 произведений, многие из которых до сих пор используются в педагогической практике. В середине XIX века Карл Черни считался одним из крупнейших преподавателей игры на фортепиано.
В общем, есть предположение, что всё европейское общество, да и не только европейское, видело в нём величайшего педагога, немного подзабыв при этом о его композиторском даровании.
А мы с вами так делать не будем! И сегодня послушаем пятую симфонию Карла Черни, эта ссылка отправит вас на прослушивание третьей, наиболее доступной для восприятия, части. Если понравится – обязательно слушайте полностью. Карл Черни – личность гораздо большего масштаба, чем мы с вами себе представляем.
Понять музыку
Только что вышло интервью с Полиной Осетинской.
Что интересно, интервьюер – юрист, а само интервью – юридическое. То есть подразумевалось обсуждение разных юридических вопросов, связанных с музыкой.
Но, как мне кажется, всё переросло в просто интересную беседу о жизни, во время которой Полина постепенно раскрывается перед нами с самых разных сторон.
В общем, советую к просмотру!
Понять музыку
Что интересно, интервьюер – юрист, а само интервью – юридическое. То есть подразумевалось обсуждение разных юридических вопросов, связанных с музыкой.
Но, как мне кажется, всё переросло в просто интересную беседу о жизни, во время которой Полина постепенно раскрывается перед нами с самых разных сторон.
В общем, советую к просмотру!
Понять музыку
YouTube
Полина Осетинская о конкуренции, харассменте и воспитании детей // Часть 1
В гостях у адвокатов знаменитая российская пианистка, Полина Осетинская. В первой части интервью говорим о цене успеха, конкуренции в среде классических музыкантов и харассменте. Также Полина поделилась, как обстоят дела с воспитанием троих детей.
На случай…
На случай…
Audio
Стиль Моцарта.
Только что нашёл запись своего сочинения-упражнения, в котором я старался повторить композиторский стиль Моцарта.
Совершенно о нём забыл. И в итоге оказался очень приятно удивлён. Как же ловко мне удалось выполнить это упражнение!
Понять музыку
Только что нашёл запись своего сочинения-упражнения, в котором я старался повторить композиторский стиль Моцарта.
Совершенно о нём забыл. И в итоге оказался очень приятно удивлён. Как же ловко мне удалось выполнить это упражнение!
Понять музыку
Кое-что неожиданное о гимне России.
Уверен, все знают, что такое хор. Если вдруг нет – вот вам секретные данные из Википедии: «музыкальный ансамбль, состоящий из певцов (хористов, артистов хора); совместное звучание человеческих голосов».
Если хор исполняет произведение без инструментального сопровождения (без фортепиано, например), то, чтобы настроиться на тональность, перед исполнением либо руководитель хора, либо запевала (певец, начинающий пение, подхватываемое хором) дают всему хору тон. Обычно руководитель пропевает устойчивое трезвучие, настраивая весь хор на нужную тональность.
Если сопровождение есть (оркестр, фортепиано, фонограмма), то музыка обычно начинается с какого-то вступления, которое само по себе настраивает хор на нужную тональность. Но иногда вступления нет. Именно в этом случае на инструменте берётся аккорд, тоническое трезвучие, дающее тональность всем участникам.
Теперь к гимну. Чаще всего, его поют хором. Вспомните, есть ли вступление у нашего гимна?
На самом деле, нет! Если мы, конечно, говорим о каком-то полноценном вступлении.
Наш с вами гимн начинается с одного единственного вступительного аккорда (до мажор), благодаря которому каждый в зале тут же понимает, с какого звука вот-вот начнётся знакомая мелодия.
Понять музыку
Уверен, все знают, что такое хор. Если вдруг нет – вот вам секретные данные из Википедии: «музыкальный ансамбль, состоящий из певцов (хористов, артистов хора); совместное звучание человеческих голосов».
Если хор исполняет произведение без инструментального сопровождения (без фортепиано, например), то, чтобы настроиться на тональность, перед исполнением либо руководитель хора, либо запевала (певец, начинающий пение, подхватываемое хором) дают всему хору тон. Обычно руководитель пропевает устойчивое трезвучие, настраивая весь хор на нужную тональность.
Если сопровождение есть (оркестр, фортепиано, фонограмма), то музыка обычно начинается с какого-то вступления, которое само по себе настраивает хор на нужную тональность. Но иногда вступления нет. Именно в этом случае на инструменте берётся аккорд, тоническое трезвучие, дающее тональность всем участникам.
Теперь к гимну. Чаще всего, его поют хором. Вспомните, есть ли вступление у нашего гимна?
На самом деле, нет! Если мы, конечно, говорим о каком-то полноценном вступлении.
Наш с вами гимн начинается с одного единственного вступительного аккорда (до мажор), благодаря которому каждый в зале тут же понимает, с какого звука вот-вот начнётся знакомая мелодия.
Понять музыку
YouTube
ГИМН РОССИИ. Текст Гимна на фоне флага России.
#Гимны #ГимнРоссии #ГимнРоссийскойФедерации #ТекстГимна #Флаги
Для открытия официальных мероприятий.
Гимн России. Гимн Российской Федерации. Слова гимна.
Учим слова Гимна России. Текст Гимна России.
Удобно применять для трансляций, вывода на экран в аудиториях…
Для открытия официальных мероприятий.
Гимн России. Гимн Российской Федерации. Слова гимна.
Учим слова Гимна России. Текст Гимна России.
Удобно применять для трансляций, вывода на экран в аудиториях…
Названия интервалов.
Интервал (в музыке) – соотношение двух музыкальных звуков по высоте. Проще говоря, интервал – это расстояние между двумя звуками. Измеряется такое расстояние в полутонах (на клавиатуре фортепиано полутон – это две любые ближайшие друг к другу клавиши), но сейчас не об этом.
Прима, секунда, терция, кварта, квинта, секста, септима и октава. Это названия основных интервалов (в пределах октавы), которые знают все, кто хоть как-то связан с музыкой. Ну или скоро узнают.
Однако практически никто не знает, почему они так называются. А ведь всё очень просто. Эти названия заимствованы из латинского языка и буквально переводятся так: первая, вторая, третья и т. д. Вот и всё. Но что значат эти "первая", "вторая" и т. д. Сейчас объясню.
Если в до мажоре от тоники (главная ступень тональности, от которой строится лад), это будет звук до, построить секунду (вторая), то это будет до-ре. Ре – это «вторая» ступень гаммы, тональности. Построить квинту – будет до-соль. Соль – «пятая» ступень.
Видимо перед тем, как интервалы как-то назвали, всех их по очереди построили от тоники. И, пользуясь не особо длинной логической цепочкой, подобрали название каждому.
Вот вроде бы какая-то мелочь, почему интервалы называются так, как они называются, а ведь интересно! И ведь мало кто об этом знает, но мы-то с вами постоянно расширяем свой кругозор.
Понять музыку
Интервал (в музыке) – соотношение двух музыкальных звуков по высоте. Проще говоря, интервал – это расстояние между двумя звуками. Измеряется такое расстояние в полутонах (на клавиатуре фортепиано полутон – это две любые ближайшие друг к другу клавиши), но сейчас не об этом.
Прима, секунда, терция, кварта, квинта, секста, септима и октава. Это названия основных интервалов (в пределах октавы), которые знают все, кто хоть как-то связан с музыкой. Ну или скоро узнают.
Однако практически никто не знает, почему они так называются. А ведь всё очень просто. Эти названия заимствованы из латинского языка и буквально переводятся так: первая, вторая, третья и т. д. Вот и всё. Но что значат эти "первая", "вторая" и т. д. Сейчас объясню.
Если в до мажоре от тоники (главная ступень тональности, от которой строится лад), это будет звук до, построить секунду (вторая), то это будет до-ре. Ре – это «вторая» ступень гаммы, тональности. Построить квинту – будет до-соль. Соль – «пятая» ступень.
Видимо перед тем, как интервалы как-то назвали, всех их по очереди построили от тоники. И, пользуясь не особо длинной логической цепочкой, подобрали название каждому.
Вот вроде бы какая-то мелочь, почему интервалы называются так, как они называются, а ведь интересно! И ведь мало кто об этом знает, но мы-то с вами постоянно расширяем свой кругозор.
Понять музыку
Один из моих любимых современных академических композиторов.
Андрей Иванович Головин. Сейчас, помимо основной деятельности, преподаёт композицию в Гнесинке (профессор).
Один из трёх московских композиторов, наших с вами современников, из моего личного «списка гениев».
Сегодня хочу поделиться с вами его третьей симфонией. Мне особенно нравится первая часть (до 8:40). Только сразу хочу предупредить, что эта музыка развивается не спеша, постепенно наполняясь всё новым и новым содержанием.
Ну и, как вы понимаете, эта музыка не создана для того, чтобы качать под неё головой и прыгать. Поэтому постарайтесь высвободить своё время так, чтобы во время прослушивания всё ваше внимание было сосредоточено только на музыке.
Понять музыку
Андрей Иванович Головин. Сейчас, помимо основной деятельности, преподаёт композицию в Гнесинке (профессор).
Один из трёх московских композиторов, наших с вами современников, из моего личного «списка гениев».
Сегодня хочу поделиться с вами его третьей симфонией. Мне особенно нравится первая часть (до 8:40). Только сразу хочу предупредить, что эта музыка развивается не спеша, постепенно наполняясь всё новым и новым содержанием.
Ну и, как вы понимаете, эта музыка не создана для того, чтобы качать под неё головой и прыгать. Поэтому постарайтесь высвободить своё время так, чтобы во время прослушивания всё ваше внимание было сосредоточено только на музыке.
Понять музыку
Где и как тренировать музыкальный слух?
Мои личные рекомендации.
Сегодня я хотел бы поделиться с вами двумя лучшими, на мой взгляд, сервисами для развития музыкального слуха.
1) Приложение «Perfect Ear» или «Абсолютный слух» - есть и на Android, и на iOS. Здесь есть упражнения на отдельные звуки (для абсолютного слуха), на интервалы, гаммы, аккорды и даже на ритм. Освоение материала идёт от простого к сложному. Я вообще как будто в игру играл, стараясь достичь 100% результата в каждом разделе. В бесплатной версии много чего доступно, можно попробовать, понять, нравится или нет, как я когда-то и сделал. Кстати, доступ ко всем разделам покупаешь один раз и навсегда, по-моему, где-то за 230 рублей, уже не помню, а не по подписке с постоянными ежемесячными платежами. В общем, крутое приложение, всем, кому понадобится хороший слух, советую.
2) SolFa.ru – сайт с бесконечным количеством диктантов (3214) и последовательностей (1743). Слушать - не переслушать! Что интересно, диктанты разбиты по уровням сложности. Сложность – понятие, конечно, относительное, когда речь идёт о музыкальном слухе. Однако с диктантами 14-15 уровня я всё ещё не справляюсь. Проект полностью некоммерческий. Автор проекта - Владимир Громадин, московский композитор, музыковед и преподаватель. Я считаю, что очень благородно было с его стороны проделать такую огромную работу и помочь этим самым невероятно большому количеству музыкантов.
А на этом мой персональный список рекомендаций заканчивается. Двух этих ресурсов вам точно хватит. Только помните, что самое главное в развитии музыкального слуха - это ваша ежедневная дисциплина и настойчивость, а не приложения и сайты, какими бы прекрасными они не были.
Понять музыку
Мои личные рекомендации.
Сегодня я хотел бы поделиться с вами двумя лучшими, на мой взгляд, сервисами для развития музыкального слуха.
1) Приложение «Perfect Ear» или «Абсолютный слух» - есть и на Android, и на iOS. Здесь есть упражнения на отдельные звуки (для абсолютного слуха), на интервалы, гаммы, аккорды и даже на ритм. Освоение материала идёт от простого к сложному. Я вообще как будто в игру играл, стараясь достичь 100% результата в каждом разделе. В бесплатной версии много чего доступно, можно попробовать, понять, нравится или нет, как я когда-то и сделал. Кстати, доступ ко всем разделам покупаешь один раз и навсегда, по-моему, где-то за 230 рублей, уже не помню, а не по подписке с постоянными ежемесячными платежами. В общем, крутое приложение, всем, кому понадобится хороший слух, советую.
2) SolFa.ru – сайт с бесконечным количеством диктантов (3214) и последовательностей (1743). Слушать - не переслушать! Что интересно, диктанты разбиты по уровням сложности. Сложность – понятие, конечно, относительное, когда речь идёт о музыкальном слухе. Однако с диктантами 14-15 уровня я всё ещё не справляюсь. Проект полностью некоммерческий. Автор проекта - Владимир Громадин, московский композитор, музыковед и преподаватель. Я считаю, что очень благородно было с его стороны проделать такую огромную работу и помочь этим самым невероятно большому количеству музыкантов.
А на этом мой персональный список рекомендаций заканчивается. Двух этих ресурсов вам точно хватит. Только помните, что самое главное в развитии музыкального слуха - это ваша ежедневная дисциплина и настойчивость, а не приложения и сайты, какими бы прекрасными они не были.
Понять музыку
solfa.ru
Музыкальные диктанты по сольфеджио на Сольфе
Сайт музыкальных диктантов SolFa.ru. Аудиозаписи диктантов и цепочек всех уровней сложности для профессионалов и любителей для обучения сольфеджио онлайн
Моя хорошая знакомая, студентка ВГИКа, режиссёр, недавно завела свой YouTube-канал.
Рассказывает там и о том, как поступить во ВГИК, и о том, как создать уют в своей комнате в общежитии, и даже о том, как правильно вести дневник, если уж вы решили его вести!
Уж очень меня умилили её видео, да и сама по себе она очень интересная.
В общем, рекомендую вам посмотреть и, если понравится, поддержать её правильное стремление делиться со всеми чем-то полезным лайком и подпиской!
Рассказывает там и о том, как поступить во ВГИК, и о том, как создать уют в своей комнате в общежитии, и даже о том, как правильно вести дневник, если уж вы решили его вести!
Уж очень меня умилили её видео, да и сама по себе она очень интересная.
В общем, рекомендую вам посмотреть и, если понравится, поддержать её правильное стремление делиться со всеми чем-то полезным лайком и подпиской!
YouTube
Уют, любовь. Моя комната в общежитии ВГИК
Привет! В этом видео я поделилась с вами уникальными и порой очевидными и незаметными идеями для превращения любого места в уютный дом, где хочется жить и прятаться от непогоды, внешней или эмоциональной.
Простые советы, которые на практике окажутся незаменимыми.…
Простые советы, которые на практике окажутся незаменимыми.…
Никого не слушайте.
Особенно тех, кто говорит, что у вас ничего не получится.
Уже пару недель, в свободное от работы время, я почитываю дневники Виталия Фомина, художественного руководителя (с 1976 по 1994) Ленинградской филармонии. Хотелось бы процитировать один интересный абзац оттуда. О выступлении дирижёра Мариса Янсонса:
"Итак, о концерте. Я Мариса не видел за пультом, как это ни странно, около года. И честно признаюсь, — его буквально не узнать. Опыт дал свои результаты — появилась настоящая профессиональная уверенность и хватка. А может быть, количество перешло в качество? И потом — он блестяще знает материал. В 1 отд- Берлиоз. Увертюру «Римский карнавал» сыграли блестяще. Что же касается впервые исполнявшейся в СССР лирической кантаты «Смерть Клеопатры», то это «не настоящий» Берлиоз. Однообразно, а местами и скучно. А главное- оркестр не берлиозовский. Богачева пела прилично, но с ужасным французским языком. Принимали ее хорошо. Во 2 отд — великолепно отыграли «Жизнь героя» Р. Штрауса. Марис это отменно знает — оркестр играл очень старательно, Миша Гантварг — хорошо. После концерта оркестранты толпой шли к Марису — поздравлять (это о многом говорит). Да, неожиданные вещи бывают — из среднющего дирижера он становится едва ли не крупной фигурой…»
Обратите внимание на последнее фразу: «из среднющего дирижера он становится едва ли не крупной фигурой». Разве так бывает? Разве может человек, долгое время показывающий средние результаты, вдруг взять и стать чуть ли не гением? Все вокруг скажут вам, что нет. И будут правы. Почему?
Да потому, что человек, занимающийся своим делом, привык выполнять одни и те же действия. Если не верите – проведите аналогию с собой. Какие действия вы выполняете из раза в раз, занимаясь своим делом?
Пожалуй, приведу пример. Все пианисты готовятся к выступлению примерно одинаково. Разбирают новую программу, учат её наизусть, отрабатывают, обыгрывают, выступают. Но все они выполняют эти общие пункты по-разному. И если чьи-то выступления из раза в раз средние и неинтересные, это может значить только одно: этот человек использует неверный подход при подготовке к выступлениям.
В большинстве своём люди, привыкнув к одному подходу, будут пользоваться им всегда. Если в них, конечно, нет постоянного желания улучшать себя и свои результаты. А таких людей крайне мало! Видимо, одним из них и был Марис Янсонс, дирижёр, о котором пишет Фомин в своём дневнике. Он был готов менять свой подход к работе над музыкой до тех пор, пока она не выходила на качественно новый уровень.
В общем, если кто-то хочет получить результаты, отличные от текущих – нужно поменять свой подход к делу. Пока этого не произойдёт, пока подход не будет изменён – результаты будут теми же, что и всегда.
Буквально один совет на эту тему: учитесь у лучших. Те, кто стали лучшими, наверняка знали правильный подход. С этим не поспоришь. Однако, что делать, если жизненные обстоятельства этого не позволяют? Раскрою секрет. Шаг первый. Внимательно посмотрите, не писали ли лучшие специалисты в вашей сфере книг? Шаг второй и последний. Читайте, читайте и ещё раз читайте. Вы поразитесь тому, насколько много вещей вы не знали. На этом у меня всё.
Понять музыку
Особенно тех, кто говорит, что у вас ничего не получится.
Уже пару недель, в свободное от работы время, я почитываю дневники Виталия Фомина, художественного руководителя (с 1976 по 1994) Ленинградской филармонии. Хотелось бы процитировать один интересный абзац оттуда. О выступлении дирижёра Мариса Янсонса:
"Итак, о концерте. Я Мариса не видел за пультом, как это ни странно, около года. И честно признаюсь, — его буквально не узнать. Опыт дал свои результаты — появилась настоящая профессиональная уверенность и хватка. А может быть, количество перешло в качество? И потом — он блестяще знает материал. В 1 отд- Берлиоз. Увертюру «Римский карнавал» сыграли блестяще. Что же касается впервые исполнявшейся в СССР лирической кантаты «Смерть Клеопатры», то это «не настоящий» Берлиоз. Однообразно, а местами и скучно. А главное- оркестр не берлиозовский. Богачева пела прилично, но с ужасным французским языком. Принимали ее хорошо. Во 2 отд — великолепно отыграли «Жизнь героя» Р. Штрауса. Марис это отменно знает — оркестр играл очень старательно, Миша Гантварг — хорошо. После концерта оркестранты толпой шли к Марису — поздравлять (это о многом говорит). Да, неожиданные вещи бывают — из среднющего дирижера он становится едва ли не крупной фигурой…»
Обратите внимание на последнее фразу: «из среднющего дирижера он становится едва ли не крупной фигурой». Разве так бывает? Разве может человек, долгое время показывающий средние результаты, вдруг взять и стать чуть ли не гением? Все вокруг скажут вам, что нет. И будут правы. Почему?
Да потому, что человек, занимающийся своим делом, привык выполнять одни и те же действия. Если не верите – проведите аналогию с собой. Какие действия вы выполняете из раза в раз, занимаясь своим делом?
Пожалуй, приведу пример. Все пианисты готовятся к выступлению примерно одинаково. Разбирают новую программу, учат её наизусть, отрабатывают, обыгрывают, выступают. Но все они выполняют эти общие пункты по-разному. И если чьи-то выступления из раза в раз средние и неинтересные, это может значить только одно: этот человек использует неверный подход при подготовке к выступлениям.
В большинстве своём люди, привыкнув к одному подходу, будут пользоваться им всегда. Если в них, конечно, нет постоянного желания улучшать себя и свои результаты. А таких людей крайне мало! Видимо, одним из них и был Марис Янсонс, дирижёр, о котором пишет Фомин в своём дневнике. Он был готов менять свой подход к работе над музыкой до тех пор, пока она не выходила на качественно новый уровень.
В общем, если кто-то хочет получить результаты, отличные от текущих – нужно поменять свой подход к делу. Пока этого не произойдёт, пока подход не будет изменён – результаты будут теми же, что и всегда.
Буквально один совет на эту тему: учитесь у лучших. Те, кто стали лучшими, наверняка знали правильный подход. С этим не поспоришь. Однако, что делать, если жизненные обстоятельства этого не позволяют? Раскрою секрет. Шаг первый. Внимательно посмотрите, не писали ли лучшие специалисты в вашей сфере книг? Шаг второй и последний. Читайте, читайте и ещё раз читайте. Вы поразитесь тому, насколько много вещей вы не знали. На этом у меня всё.
Понять музыку
Первая симфония Шостаковича.
Дипломная работа юного (19), но очень одаренного выпускника Ленинградской консерватории.
Первое исполнение было организовано Александром Глазуновым, в то время директором консерватории. Он всячески поддерживал юного музыканта, видя в нём огромное дарование.
Из воспоминаний матери Шостаковича:
«Попытаюсь описать вам наши волнения в связи с исполнением Митиной симфонии. Всю зиму мы жили ожиданием этого события. Митя считал дни и часы. Наступил день концерта. Митя не спал всю ночь. В половине девятого мы приехали в филармонию. К девяти часам зал был полон. Что я почувствовала, увидев дирижера Николая Малько, готового поднять свою палочку, невозможно передать. Могу только сказать, что иногда бывает трудно пережить даже великое счастье… Все прошло блестяще — великолепный оркестр, превосходное исполнение… Но самый большой успех выпал на Митину долю. По окончании симфонии Митю вызывали ещё и ещё. Когда наш юный композитор, казавшийся совсем мальчиком, появился на эстраде, бурные восторги публики перешли в овацию…»
Сегодня я предлагаю вам послушать вторую, очень яркую, искромётную, часть симфонии, открывшей всему миру (уже через 5 лет ей дирижировал сам Артуро Тосканини) гений Дмитрия Дмитриевича.
Понять музыку
Дипломная работа юного (19), но очень одаренного выпускника Ленинградской консерватории.
Первое исполнение было организовано Александром Глазуновым, в то время директором консерватории. Он всячески поддерживал юного музыканта, видя в нём огромное дарование.
Из воспоминаний матери Шостаковича:
«Попытаюсь описать вам наши волнения в связи с исполнением Митиной симфонии. Всю зиму мы жили ожиданием этого события. Митя считал дни и часы. Наступил день концерта. Митя не спал всю ночь. В половине девятого мы приехали в филармонию. К девяти часам зал был полон. Что я почувствовала, увидев дирижера Николая Малько, готового поднять свою палочку, невозможно передать. Могу только сказать, что иногда бывает трудно пережить даже великое счастье… Все прошло блестяще — великолепный оркестр, превосходное исполнение… Но самый большой успех выпал на Митину долю. По окончании симфонии Митю вызывали ещё и ещё. Когда наш юный композитор, казавшийся совсем мальчиком, появился на эстраде, бурные восторги публики перешли в овацию…»
Сегодня я предлагаю вам послушать вторую, очень яркую, искромётную, часть симфонии, открывшей всему миру (уже через 5 лет ей дирижировал сам Артуро Тосканини) гений Дмитрия Дмитриевича.
Понять музыку
Заметки об инструментовке. Михаил Иванович Глинка.
В 1852 году Глинка продиктовал Серову (композитору, музыкальному критику) свои мысли по поводу всех инструментов симфонического оркестра. Получилось всего шесть страниц. Их и опубликовали (в 1856).
Конечно же, нельзя воспринимать эти заметки как полноценное учебное пособие. А вот в качестве дополнительной подсказки, почему бы и нет? К тому же инструменты там описаны очень остроумно. Настолько остроумно, что некоторые фразы сразу же впечатываются в память.
К примеру, о гобое: «Мягкая октава гобоя — от а до а. Выше — крик; ниже — гусь».
Или вот о струнных инструментах: «Их главный характер — движение. Чем больше движения, змеиных извивов дано смычкам, тем лучше оркестровка… Нет никакой надобности следовать общепринятой рутине, чтобы первые скрипки были выше вторых, вторые выше альтов, альты выше виолончелей. Напротив, чем больше будут сплетаться и расплетаться эти змеиные инструменты, тем ближе будут к своему натуральному характеру, тем лучше и выполнят свою роль в оркестре».
"Заметки" написаны очень ярко, ёмко и предельно понятно. Если вдруг кто-то захочет прочитать все шесть страничек полностью – жмите сюда.
Понять музыку
В 1852 году Глинка продиктовал Серову (композитору, музыкальному критику) свои мысли по поводу всех инструментов симфонического оркестра. Получилось всего шесть страниц. Их и опубликовали (в 1856).
Конечно же, нельзя воспринимать эти заметки как полноценное учебное пособие. А вот в качестве дополнительной подсказки, почему бы и нет? К тому же инструменты там описаны очень остроумно. Настолько остроумно, что некоторые фразы сразу же впечатываются в память.
К примеру, о гобое: «Мягкая октава гобоя — от а до а. Выше — крик; ниже — гусь».
Или вот о струнных инструментах: «Их главный характер — движение. Чем больше движения, змеиных извивов дано смычкам, тем лучше оркестровка… Нет никакой надобности следовать общепринятой рутине, чтобы первые скрипки были выше вторых, вторые выше альтов, альты выше виолончелей. Напротив, чем больше будут сплетаться и расплетаться эти змеиные инструменты, тем ближе будут к своему натуральному характеру, тем лучше и выполнят свою роль в оркестре».
"Заметки" написаны очень ярко, ёмко и предельно понятно. Если вдруг кто-то захочет прочитать все шесть страничек полностью – жмите сюда.
Понять музыку
Morning running
Simon Christenko
Утренняя пробежка. Morning running.
Делюсь с вами ещё одним своим произведением из предстоящего осеннего альбома.
Весь альбом вы сможете послушать на всех площадках уже 31 августа.
Понять музыку
Делюсь с вами ещё одним своим произведением из предстоящего осеннего альбома.
Весь альбом вы сможете послушать на всех площадках уже 31 августа.
Понять музыку
Оркестр. Почему так называется?
Само слово «орхестра» (“orchestra”) древнегреческого происхождения. Первоначальное его значение – «место для плясок».
Орхестра в античном древнегреческом театре, как говорит нам Википедия, это круглая (затем полукруглая) площадка для выступлений актёров, хора и отдельных музыкантов. Находилась она прямо перед зрительскими местами.
А как же она вообще появилась? Ещё немного Википедии: «Первая круглая орхестра появилась у подножия афинского Акрополя. На ней выступали хоры — пели и танцевали дифирамбы в честь бога Диониса. Когда дифирамб трансформировался в трагедию, театр унаследовал орхестру как сценическую площадку для актёров и хора».
Гораздо позже, театры, строившиеся в эпоху Возрождения (с её преклонением перед античностью) унаследовали свои формы от античных театров. А сама орхестра постепенно трансформировалась в оркестровую яму, а также дала название находившемуся в ней коллективу музыкантов – оркестру.
Понять музыку
Само слово «орхестра» (“orchestra”) древнегреческого происхождения. Первоначальное его значение – «место для плясок».
Орхестра в античном древнегреческом театре, как говорит нам Википедия, это круглая (затем полукруглая) площадка для выступлений актёров, хора и отдельных музыкантов. Находилась она прямо перед зрительскими местами.
А как же она вообще появилась? Ещё немного Википедии: «Первая круглая орхестра появилась у подножия афинского Акрополя. На ней выступали хоры — пели и танцевали дифирамбы в честь бога Диониса. Когда дифирамб трансформировался в трагедию, театр унаследовал орхестру как сценическую площадку для актёров и хора».
Гораздо позже, театры, строившиеся в эпоху Возрождения (с её преклонением перед античностью) унаследовали свои формы от античных театров. А сама орхестра постепенно трансформировалась в оркестровую яму, а также дала название находившемуся в ней коллективу музыкантов – оркестру.
Понять музыку
Великие пианисты. Кто у кого учился?
Вот вам интересная схема. Почти каждый на ней – величайший пианист своего времени.
А кто из них отец-основатель фортепианной школы? От кого идут все линии?
Правильно, от Карла Черни. А вы не хотите играть его этюдов. Ещё было бы полезно вспомнить, у кого учился сам Черни. А учился он, ни много ни мало, у Бетховена!
Такая вот преемственность поколений.
Понять музыку
Вот вам интересная схема. Почти каждый на ней – величайший пианист своего времени.
А кто из них отец-основатель фортепианной школы? От кого идут все линии?
Правильно, от Карла Черни. А вы не хотите играть его этюдов. Ещё было бы полезно вспомнить, у кого учился сам Черни. А учился он, ни много ни мало, у Бетховена!
Такая вот преемственность поколений.
Понять музыку