В честь того, что нас 1500!

Дорогие читатели, небольшой ликбез: автор этого канала - опытный педагог, преподаватель фортепиано. Желая распространять культуру в массы и дать возможность каждому освоить искусство игры на фортепиано, я не только веду этот блог, но еще я создал свою онлайн-школу - PIANOSTART.RU

Только на этой неделе я дарю вам, читателям моего канала, специальный промокод на 12 уроков, благодаря которым вы сможете сыграть свою любимую музыку:

1) Основные музыкальные звуки. Основы ритма.
2) Правильная посадка. Пальцы. Интервалы. Названия октав.
3) Упражнения на свободу в руках. Правильная постановка рук.
4) Ноты первой октавы. Упражнение на беглость пальцев №1.
5) Нотная грамота. Регистры. Тембры. Упражнение на беглость №2.
6) Знаки альтерации. Учимся разбирать нотный текст (1 часть).
7) Вторая октава. Лад. Тональность. Минор. Мажор. Гамма. Педаль.
8) Музыкальные штрихи. Учимся разбирать нотный текст (2 и 3 части).
9) Учим музыкальное произведение (1 часть). Малая октава.
10) Музыкальные термины. Динамические оттенки. Большая октава. Учим музыкальное произведение (2 часть).
11) Учим музыкальное произведение (3 часть).
12) Заключительный урок. Закрепление полученных знаний.

Только неделю. Только для читателей моего телеграм-канала.
Переходите на сайт школы, выбирайте вариант «без поддержки» и используйте промокод «musicwithsimon». Пройдите все вышеперечисленные уроки всего за 990 рублей. Один урок по фортепиано вам будет стоить 80 рублей. Меньше, чем чашка кофе. Не знаю, когда ещё я буду проводить такую щедрую акцию. Скидка больше 70%.

Вложите деньги в свое развитие, никогда не поздно начать, ведь даже великие начинали с малого.

Понять музыку

Эталонное исполнение.

Вообще-то, мы же можем говорить о том, что какое-то исполнение является эталонным, а какое-то нет. Почему?

Если речь идёт об искусстве, о творчестве, то каждый хороший исполнитель всегда ищет свой взгляд на то или иное произведение. Свою интерпретацию.

Да, чьё-то исполнение может быть невероятно интересным. Даже «самым интересным в мире», слушаешь и каждую секунду удивляешься, насколько всё продумано, выверено, как много найдено интересных моментов, которые до этого никто не замечал. Однако, по уже известной причине, такое исполнение никогда не станет эталонным. Да это и не нужно.

Интересно заметить вот что. Если речь идёт об этюде (пьеса, основанная на частом применении какого-либо трудного приёма исполнения, предназначенная для усовершенствования техники исполнителя) – некая иллюзия эталонности всё же может возникнуть. Идеально сыгранный от начала до конца, в нужном темпе, может даже и быстрее, с сохранением всего художественного смысла, с привнесением каких-то своих «фишек» и найденными интересными решениями.

Самым ярким примером в отечественной фортепианной школе является исполнение четвёртого этюда (до-диез минор) Шопена Святославом Рихтером. Очень многие пианисты меряют по нему свои собственные исполнения, постоянно пытаются обогнать его. Но это у них как-то с трудом получается. Святослав Теофилович так сыграл, что его уж точно нескоро подвинут с этого пьедестала. Сами послушайте и всё поймёте.

Понять музыку

Сен-санс и несерьёзная музыка.

Отдыхая однажды в Австрии, Камиль Сен-Санс написал к одному концерту, в качестве сюрприза, сюиту под названием «Карнавал животных».

Там и лев, и петухи, и черепахи, и лебедь, и кенгуру, и аквариум, и кого только нет. Есть даже пианисты, вечно играющие гаммообразные упражнения.

У Сен-Санса вышла очень интересная музыка, которую, однако, сам композитор считал шуточной. А прослыть композитором несерьёзной музыки он не хотел. Он ведь серьёзнейший академический композитор. Именно поэтому издавать «Карнавал животных» композитор запретил. По крайней мере, при его жизни.

Кстати, интересно, что в своём завещании Сен-Санс запретил публикацию всех своих неизданных сочинений. За исключением «Карнавала животных». Партитура почти сразу же была издана, а сама музыка получила очень широкую известность.

Стоит ещё заметить, что одну пьесу из всей сюиты Сен-Санс всё-таки разрешил издавать и исполнять ещё при жизни - «Лебедь» для виолончели и фортепиано, уверен, вы где-то да слышали эту музыку. Предлагаю сегодня как раз её и послушать.

А вместе с ней и ещё одну, не менее замечательную часть этой сюиты – «Аквариум». Мне, почему-то, кажется, что вы проассоциируете её с чем-то таким волшебным и добрым. А, собственно, почему бы и нет?

Понять музыку

Музыкальные термины. Динамические оттенки.

Один из уроков (теоретическая часть) моего онлайн-курса фортепиано для начинающих «Первые выступления».

О чём я не сказал в прошлый раз?

Помимо теории в курсе много практики, блоков для закрепления материала и, вообще отдельной веткой, идёт развитие ритма. Есть вводный (начальный) уровень, средний, высокий и экспертный. На последнем уровне действительно сложно, поэтому лучше всё проходить постепенно.

Для читателей моего канала только до среды действует специальный промокод «musicwithsimon» на приобретение версии курса «без поддержки» за 990 рублей (12 полноценных уроков). Получается, что скидка целых 72%.

Так что если вы всегда хотели сыграть свою любимую мелодию – сейчас самое идеальное время, чтобы начать учиться.

PIANOSTART.RU

Матрица.

Дон Дэвис написал музыку ко всем трём частям. Саундтрек к первой «Матрице» - ключевой в его биографии. Много наслаивающихся друг на друга инструментов (то медных, то струнных), добавление рояля в оркестровую партитуру, ярко выраженная моторность в музыке, обилие ударных инструментов. Всё это, в дальнейшем, стало фирменным стилем Дона Дэвиса.

Предлагаю сегодня послушать композицию, с которой, как раз, и начинается весь саундтрек. В принципе, прослушав её, вы уже будете понимать, на что именно похож фирменный стиль Дона Дэвиса.

Понять музыку

Фортепиано. Почему так называется?

На самом деле, ответ кроется в самом названии. Forte – громко и piano – тихо.

Какие инструменты были предшественниками фортепиано? Орган, клавесин, клавикорд. Как известно, у органа и клавесина был постоянный уровень громкости. Исполнитель еле прикоснулся к клавише или со всей силы ударил по ней – не имеет значения, звук будет один и тот же.

Этот вопрос решался наличием нескольких клавиатур у одного инструмента. У каждой клавиатуры был свой тембр. То есть на клавесине главную мелодическую линию можно было играть на, условно, более громкой клавиатуре, а второстепенные – на более тихой. Орган – инструмент посложнее. Исполнитель может сам настраивать тембр каждой клавиатуры. Может выбрать любой подходящий ему звук. Однако, добиться хотя бы каких-то оттенков громкости через взаимодействие с клавиатурой на этих инструментах нельзя.

У клавикорда же звук очень быстро затухал, поэтому возникали сложности с исполнением легато.

Более десяти лет Бартоломео Кристофори (1655-1731), итальянский клавесинный мастер, разрабатывал специальный молоточковый механизм для клавесина (1698 – 1711). Официально – примерно в 1709 году. А в 1711 этот механизм был описан в журнале «Giornale dei letterati d’Italia» (Итальянская литературная газета – Google Переводчик). И назывался он «gravicembalo col piano e forte» - клавесин с тихим и громким звуком. Сначала сократили до пианофорте, но впоследствии закрепилось название «фортепиано».

После этого механизм инструмента постепенно совершенствовался. В какой-то момент даже произошло его принципиальное изменение (1721). Однако, название, прочно закрепившееся за инструментом, дошло до нас с вами в неизменном виде.

Понять музыку

Вотерфон.

Сегодня хотел бы рассказать вам об инструменте, звучание которого гарантированно вызовет у вас чувство страха. Речь пойдёт о вотерфоне.

Немного Википедии: музыкальный инструмент, состоящий из чаши-резонатора, изготовленной из нержавеющей стали, и бронзовых стержней различной длины, размещённых по её краю. В чашу наливается вода. Внутрь чаши наливается вода. Звуки извлекаются смычком, постукиванием прутьев, резиновым молоточком. Звучание инструмента может изменяется с движением воды внутри. Конструкция инструмента позволяет создавать монолитный многотональный низкий звук.

Сам инструмент был изобретён относительно недавно, в 1968 году. Американским художником и скульптором Ричардом Уотерсом (Richard Waters). Отсюда и название инструмента, ну и ещё, конечно же, от того, что вода (water) – его ключевой элемент.

Вотерфон очень часто используют в фильмах ужасов. Как раз для того, чтобы вызвать чувство страха у зрителей. Кстати, вотерфон был использован Доном Дэвисом в саундтреке к «Матрице», правда, в слегка другом амплуа: что-то неизвестное и, при этом, очень опасное.

В общем, послушайте и сами всё поймёте.

Понять музыку

С какой музыки начать? И про волейбол, и про детскую музыку.

Если вы хотите научиться играть на фортепиано, но не можете определиться с тем, какие произведения стоит играть в первую очередь, вот вам 2 совета:

1) Играйте то, с чем справитесь.
2) Играйте то, что вам нравится.

Необязательно начинать своё обучение с однообразных, скучных, нехудожественных, в конце концов, упражнений. Это ведь не интересно. Совершенно неинтересно. Играя одни упражнения, вы, рано или поздно, потеряете интерес к занятиям. Потому что ничего внутри не происходит, нет отклика, просто сухое развитие пальцев. Сразу скажу, что параллельно с интересной для вас музыкой, играть упражнения можно и, в некоторой степени, даже нужно. Но в разумных временных пределах: пяти минут будет достаточно, можно и меньше.

Всё, опять-таки, зависит от ваших намерений. Хотите быть суперпрофессионалом? Вы когда-нибудь увлекались спортом? Расскажу на своём примере. Играть в волейбол для меня – одно удовольствие. Игра захватывает. Тебе интересно, ты весь в процессе, ты в игре. Но такие ощущения только у тех, кто находится на любительском уровне. Если вы вдруг захотите стать профессиональным волейболистом, то тут же начнутся ежедневные тренировки: отработки ударов, блоков, позиций и т.д. Помимо тренировок, будут и игры. И их будет очень много. Не одна, и не две. Ежедневно. И в тот момент, когда вы устанете и скажете: «нет, нет, я уже не получаю удовольствие, дайте мне перерыв», вам скажут идти на новую тренировку, потому что нельзя их пропускать. А теперь вспомните, с каким нетерпением вы ждали новой игры, когда были любителем.

Так же и с музыкой. На то, чтобы стать профессионалом придётся потратить минимум 10 лет. Ежедневных занятий, я имею ввиду. По 4-8-16 часов (в зависимости от уровня одержимости). А вот играть на любительском уровне, совершенствоваться в разумных пределах и получать от этого невероятное удовольствие, потому что это, в том числе, и творческая самореализация – вот, что ценно.

Вернёмся к упражнениям. Иногда в качестве «стартовой» музыки используют слишком простые, ну прямо, сверхпростые детские пьески. Даже со взрослыми. Вам было бы интересно их играть? А вашим детям, если они старше 7-8 лет? Возможно, что нет. Вот и играйте, в первую очередь, то, что нравится вам. Чаще всего, вы технически (возможностями пальцев) справитесь с этой музыкой. Если вы, конечно, будучи абсолютным новичком, придёте к преподавателю с этюдами Шопена - ему придётся вам объяснить, почему пока что стоит отказаться от этой идеи. Но с какой-то небыстрой пьесой, можно и быстрой, но не слишком сложной – вы справитесь и будучи новичком. Да, возможно, потратите больше времени, больше усилий, но вам будет интересно! Вы очень многому научитесь, двигаясь к своей цели.

И в конце посоветую ещё кое-что: почаще слушайте ту музыку, которую разучиваете сейчас. Что вам нравится в других исполнениях? Попробуйте повторить какие-то интересные решения. Получилось? А теперь задумайтесь, что объединяет все те исполнения, которые вам понравились? Пробуйте самостоятельно улавливать эти тонкости. Тогда они будут гораздо более ценными, чем если бы преподаватель вам просто сказал: «да левую здесь сделай тише и всё». На этой приятной шутке мы сегодня и закончим.

Понять музыку

Больше не напоминаю.

Потому что сегодня, ровно в 23:59, акция закончится. И промокод на скидку в 72% перестанет действовать.

Коротко: 12 уроков для тех, кто хочет погрузиться в мир музыки и сыграть на фортепиано свои любимые композиции.

Погружение на полноценном, систематическом уровне: теория, практика, интерактивное закрепление материала.

Темы уроков:
1) Основные музыкальные звуки. Основы ритма.
2) Правильная посадка. Пальцы. Интервалы. Названия октав.
3) Упражнения на свободу в руках. Правильная постановка рук.
4) Ноты первой октавы. Упражнение на беглость пальцев №1.
5) Нотная грамота. Регистры. Тембры. Упражнение на беглость №2.
6) Знаки альтерации. Учимся разбирать нотный текст (1 часть).
7) Вторая октава. Лад. Тональность. Минор. Мажор. Гамма. Педаль.
8) Музыкальные штрихи. Учимся разбирать нотный текст (2 и 3 части).
9) Учим музыкальное произведение (1 часть). Малая октава.
10) Музыкальные термины. Динамические оттенки. Большая октава. Учим музыкальное произведение (2 часть).
11) Учим музыкальное произведение (3 часть).
12) Заключительный урок. Закрепление полученных знаний.

Такого промокода больше не будет. Акция проходила только для моих читателей, в честь достижения каналом отметки в 1500 подписчиков.

В общем, успевайте, пока не поздно. Промокод: «musicwithsimon».

Понять музыку

Струнный квартет.

Есть такой жанр в академической музыке - струнный квартет. Практически всегда состав инструментов в нём таков: 2 скрипки, альт и виолончель. Существуют, конечно же, и другие составы, но этот классический.

Сегодня я не буду вам подробно рассказывать об истории жанра и его становлении. Сделаю это немного позже. Сегодня я хочу показать вам струнный квартет Мориса Равеля. Это квартет, в котором потенциал инструментов использован по максимуму.

А ведь именно струнные, и с этим никто не будет спорить, обладают наибольшим количеством штрихов (приёмов игры) среди всех инструментов. Характер звучания, тембр, атака звука – всё это меняется вместе со сменой штриха.

В общем, предлагаю вам сегодня послушать вторую часть квартета Равеля и оценить весь спектр возможностей играющих вместе четырёх струнных инструментов.

Понять музыку

Симфония для тридцати фотоаппаратов Nikon.

"Симфония" в данном случае - лишь громкое название для привлечения внимания. На самом деле, это просто небольшая игра с ритмом звуками затворов, видимо, от любителя этого бренда. Можно сказать, незапланированная рекламная кампания фотоаппаратов.

Но, в общем-то, получилось достаточно интересно, хотя и очень коротко (всего 37 секунд).

Понять музыку

Пианисты и их осанка.

У многих пианистов очень плохи дела с осанкой. Можно сказать, что это профессиональное заболевание.

Дело в том, что позвоночнику просто-напросто сложно непрерывно поддерживать мышцы спины в течение 2-4 часов ежедневных занятий. А представьте, что происходит, когда ежедневные занятия занимают 6-8 часов? Это очень частая проблема даже для тех, кому с раннего детства говорили, и даже заставляли, ровно держать спину.

Как же решается эта проблема? Если вы – обычный человек, а практически все мы здесь являемся таковыми, то переучиться будет действительно сложно. Раз за разом нужно заставлять себя держать спину ровно. Это нереально, на самом деле. Я пробовал.

Можно, кстати, купить в аптеке корсет. Он окажется небольшой палочкой-выручалочкой, если вы уже серьёзно настроились. Что можно делать ещё?

Нужно стараться укреплять мышцы спины, чтобы они помогали позвоночнику поддерживать верхнюю часть вашего тела. Да, речь идёт о ежедневных упражнениях на развитие спинных мышц.

Ну и, конечно же, во время занятий, нужно, хотя бы раз в полчаса, встать, немного пройтись, дать позвоночнику расслабиться. Это самые базовые рекомендации, которые помогут вам, если вы вдруг решите серьёзно заняться своей осанкой.

Кстати, один из лучших современных пианистов – Даниил Трифонов, сделал, я думаю случайно, осанку своей фирменной фишкой. Это достаточно интересно выглядит, однако последствия могут быть очень серьёзными.

Понять музыку

Разыгрываться перед выступлениями или нет?

Тут сомнений и быть не может. Конечно же, да.

Как известно, руки надо «разогреть», потому что холодные руки, как бы это описать, обездвиженные, замедленные. Ты пытаешься сыграть быстрый пассаж, но пальцы просто не могут этого сделать.

Некоторые пианисты помещают руки в тёплую воду перед выступлением, чтобы дополнительно подстраховаться. Тут главное – не переборщить с этим. Иначе руки, грубо говоря, размякнут, распарятся, и из-под пальцев, вместо чётко артикулированных звуков, будет выходить так называемая «каша».

Вместо того, чтобы пытаться согреть холодные руки, можно попробовать не дать им замёрзнуть. Зимой, например, держать руки в перчатках. А дополнительно ещё и в карманах. В общем, есть смысл попробовать сохранить тепло в руках, чтобы потом не нужно было согревать их.

Но самый главный, можно сказать, основной способ разогрева рук – это, конечно же, разыгрывание. Да, занимает немного больше времени, но работает очень эффективно. Гаммы, упражнения, программа в медленном темпе – все средства хороши.

Кстати, а можно сделать так, чтобы, не разыгрываясь, садиться и сразу играть хорошо? Да, это возможно. Очень многие пианисты развивают этот навык - игру "холодными" руками. Сев за рояль, они в первую очередь играют программу (произведения, которые они готовят на концерт, например), стараясь сделать это в максимальном качестве. И нужно сказать, что до какого-то технического предела, у них это получается. Есть сложные пассажи, которые нельзя вот так вот взять и сыграть. И для этого нужно для себя выяснить, какие из них вы уже можете исполнить «холодными» руками, а какие - ещё нет. Как и любой другой навык, игра «холодными» руками будет постепенно, всё лучше и лучше получаться у вас, если вы будете её регулярно практиковать.

У большинства профессиональных концертных пианистов этот навык развит на достаточно высоком уровне, ведь иногда просто нет времени разыграться. Конечно же, перед выступлением все стараются послушать зал, послушать инструмент, разыграться, но может произойти всё, что угодно. Самолёт может задержаться, например. Или ещё что-нибудь. В общем, уметь играть «холодными» руками - очень полезно, особенно если вы планируете серьёзный карьерный рост.

Понять музыку

Шнитке. С чего начать?

Пятая часть (рондо) Concerto Grosso (кончерто гроссо) №1.

Для какого состава? Две скрипки, клавесин, подготовленное фортепиано (изменение тембра фортепиано за счёт его взаимодействия с какими-то посторонними приспособлениями, к примеру, карандаши, вставленные между струн или бумага, подложенная под определённые демпферы) и струнный оркестр.

Очень яркая музыка, способная понравиться даже самому неподготовленному слушателю. Да, будет немного страшно и непривычно. Но вместе с этим всегда интересно, что же будет в музыке дальше. Очень яркий опыт.

Когда-то слышал от своих друзей-музыкантов, что это «настоящий рок», перенесённый на язык академической музыки. Но тут всё, конечно же, намного глубже. В общем, слушайте и формируйте свою точку зрения.

Понять музыку

Что дирижёры держали в руках, когда не существовало дирижёрской палочки?

Баттуту. Специальную палочку, которой отбивали каждый такт (XV-XVIII вв.).

Применение баттуты позволяло задавать и поддерживать нужный темп во время исполнения, однако были и минусы: никаких возможностей для управления выразительностью и постоянный стук во время исполнения. Тихий, но его всё равно было слышно.

Баттута была впервые применена Палестриной (итальянским композитором эпохи Ренессанса). Постепенно тактирование (отбивание ритма) приобрело широкое распространение среди музыкантов. На целых три столетия. Ближе к 19 веку такое «шумное дирижирование» всё же надоело слушателям, и от него стали понемногу отказываться, придя, в итоге, к движениям руки дирижёра вверх-вниз.

Кстати, французский композитор Жан-Батист Люлли (создатель французской национальной оперы, как у нас Глинка) скончался как раз из-за применения баттуты. Дирижируя своим произведением, написанным в честь выздоровления короля Людовика XIV, Люлли поранил ногу наконечником трости. Из раны развилась гангрена, из-за которой он и скончался. Дирижирование, оказывается, может быть очень опасным занятием.

В общем, теперь вы знаете, что в истории дирижирования был такой этап, когда выразительностью особо не управляли, а в зале всё время был какой-то стук, мешавший слушать музыку.

Понять музыку

​​Миланская консерватория имени Джузеппе Верди.

Угадайте, кто, в своё время, не смог туда поступить? А вот сам Джузеппе Верди и не смог.

Версий несколько: то ли он был уже слишком взрослым на момент поступления (18 лет – последний год приёма), то ли фортепианная техника подкачала (неправильная постановка рук). Также существует версия, по которой Джузеппе Верди выглядел слишком «по-крестьянски», был очень неловок и застенчив (мать композитора была пряхой, а отец владел деревенским трактиром).

Так или иначе, на вступительных экзаменах ему сказали: «Оставьте мысль о консерватории. А если уж вы так хотите заниматься музыкой, поищите себе частного учителя среди городских музыкантов…».

В общем-то, уже через энное количество лет, ещё при жизни, у Верди попросили разрешения назвать консерваторию его именем.

Это всё, что вам нужно знать о настоящей любви к музыке и постоянном совершенствовании в ней.

Понять музыку

"Завод". Симфонический эпизод из незавершённого балета "Сталь" (1928 год).

Идеологически неправильная музыка, написанная сложным, «непонятным» советскому народу языком.

Автор, Александр Васильевич Мосолóв, авангардист, репрессирован в 1937 году. После освобождения больше никогда не писал подобной музыки, писал только «правильную» музыку, понятную советскому народу.

«Завод» - одно из самых известных его сочинений. Музыка эта оркестровая, и, к слову, в ней есть партия «железного листа». Мы же, всё-таки, на заводе.

Честно, я был очень удивлён, когда впервые послушал это сочинение. Настолько конкретный образ настолько чётко и понятно реализован, и какими средствами! В общем, слушайте и наслаждайтесь атмосферой советского завода.

Понять музыку

Светомузыка. Скрябин. Прометей.

Некоторые композиторы, среди отечественных - Римский-Корсаков, Скрябин, обладали «цветным» слухом. Это явление называется хроместезией (когда слышимые звуки автоматически и непроизвольно вызывают образы цвета). Иногда, вместо отдельных музыкальных звуков, цвет вызывается какой-то конкретной тональностью. Слышишь, например, си-бемоль минор и видишь при этом тёмно-синий цвет. Это уже цвето-тональный слух. Такой был у Скрябина.

Если учесть, что обычный, среднестатистический человек цветов при прослушивании музыки не видит, можно сделать такой вывод: наличие подобной способности особенно не помогает композитору. В некоторых ситуациях, возможно, и выручает (вдруг понадобится быстро «почувствовать», в какой тональности мы сейчас находимся), но выйдем за рамки уроков сольфеджио, и обнаружим, что способность не такая уж и нужная.

Однако, можно, при некоторой доле внутренней уверенности, сделать из этого свою фишку. Свою отличительную композиторскую черту. Этим и занялся, в период позднего творчества, Скрябин.

Одно из самых ярких его произведений (в этом направлении) – симфоническая поэма «Прометей (Поэма огня)» Op. 60. Для фортепиано, оркестра (включая орган), голосов (хора ad libitum) и … партии света Luce.

Время от времени предпринимались попытки исполнить сочинение вместе с задуманным Скрябиным светом. Даже специальный световой инструмент для этого придумали (для первого «светового» исполнения 1915 года, однако, тогда исполнение световой партии вызвало многочисленные проблемы, и сочинение было холодно встречено публикой).

Сейчас, в век технологий, исполнить световую партию, как и сделать её исполнение более эффектным, стало проще. И вот, филармония Шостаковича в 2016 году решила провести подобный эксперимент, приложив к этому максимум усилий.

Что получилось – можете посмотреть сами. Произведение, если вы не слушали его до этого, скорее всего, сразу вам не понравится. Однако, опыт, как говорится, яркий и очень своеобразный для мира академической музыки. Поэтому жмите «плэй» и постепенно погружайтесь в композиторский мир Скрябина.

Понять музыку

Несправедливость.

Моцарт умер в 35 лет, и, буквально, все расстраиваются по этому поводу. Как же так, гений в самом расцвете сил. В каждом учебнике музыкальной литературы мы найдём подобную строчку.

И при этом все совершенно забыли про Шуберта, который умер в 31 год. В 31! И всем плевать. Никто никогда не расстраивался из-за этого.

Возможно, в последние годы Моцарт показал слушателям произведения очень высокого уровня. Как художественного, так и технического. Высокого даже для самого себя. Естественно, это не мгновенный скачок, а долгое и постепенное развитие. Но сейчас не об этом.

К тому же, Моцарт был очень известным при жизни. Поэтому, как мне кажется, его неожиданный уход так сильно запомнился современникам. Настолько сильно, что это переживание дошло и до нас.

А как же Шуберт? Шуберт был на порядок «неизвестнее» своего коллеги. Из сочинений последних лет – вокальные циклы «Лебединая песня» и «Зимний путь». Тоже проходятся всеми музыкантами.

Какой мы можем сделать вывод? Несправедливость или всё абсолютно закономерно? Решайте сами, а я пока пойду, послушаю что-нибудь и из Моцарта, и из Шуберта. А заодно и поразмышляю, справедлива ли история по отношению к последнему или всё же нет?

Понять музыку

Разница между абсолютным слухом и относительным.

Ответ, как говорится, в вопросе.

Абсолютный слух – способность точно определять высоту звука в любой момент времени. Проще говоря, сразу называть ноту, которую только что сыграли.

Относительный слух – способность определять высоту звука относительно предыдущего звука. Например, сыграли звук «до», а сразу после него ещё какой-то. И вот, музыкант слышит, что звучит «ми».

Как он понял, что это «ми»? Всё достаточно просто. Он знает, как звучит интервал (расстояние между звуками), который образовался между «до» и «ми». И соответственно, понимает, что второй звук – «ми».

Оба этих слуха важны. Не у каждого музыканта есть абсолютный слух, это что-то из области «дано либо не дано». Хотя, конечно же, существует много разных методов его развития. Но при этом, почти у каждого хорошего музыканта, на высоком уровне развит относительный слух. Такой теоретический предмет как сольфеджио как раз направлен на его развитие. Именно поэтому сольфеджио является обязательным предметом на любом уровне музыкального развития: школа, колледж, консерватория.

Ну а для чего нужны оба этих слуха, и как конкретно музыканты их используют – я расскажу в следующих постах.

Понять музыку