Струнный квартет.

Есть такой жанр в академической музыке - струнный квартет. Практически всегда состав инструментов в нём таков: 2 скрипки, альт и виолончель. Существуют, конечно же, и другие составы, но этот классический.

Сегодня я не буду вам подробно рассказывать об истории жанра и его становлении. Сделаю это немного позже. Сегодня я хочу показать вам струнный квартет Мориса Равеля. Это квартет, в котором потенциал инструментов использован по максимуму.

А ведь именно струнные, и с этим никто не будет спорить, обладают наибольшим количеством штрихов (приёмов игры) среди всех инструментов. Характер звучания, тембр, атака звука – всё это меняется вместе со сменой штриха.

В общем, предлагаю вам сегодня послушать вторую часть квартета Равеля и оценить весь спектр возможностей играющих вместе четырёх струнных инструментов.

Понять музыку

Симфония для тридцати фотоаппаратов Nikon.

"Симфония" в данном случае - лишь громкое название для привлечения внимания. На самом деле, это просто небольшая игра с ритмом звуками затворов, видимо, от любителя этого бренда. Можно сказать, незапланированная рекламная кампания фотоаппаратов.

Но, в общем-то, получилось достаточно интересно, хотя и очень коротко (всего 37 секунд).

Понять музыку

Пианисты и их осанка.

У многих пианистов очень плохи дела с осанкой. Можно сказать, что это профессиональное заболевание.

Дело в том, что позвоночнику просто-напросто сложно непрерывно поддерживать мышцы спины в течение 2-4 часов ежедневных занятий. А представьте, что происходит, когда ежедневные занятия занимают 6-8 часов? Это очень частая проблема даже для тех, кому с раннего детства говорили, и даже заставляли, ровно держать спину.

Как же решается эта проблема? Если вы – обычный человек, а практически все мы здесь являемся таковыми, то переучиться будет действительно сложно. Раз за разом нужно заставлять себя держать спину ровно. Это нереально, на самом деле. Я пробовал.

Можно, кстати, купить в аптеке корсет. Он окажется небольшой палочкой-выручалочкой, если вы уже серьёзно настроились. Что можно делать ещё?

Нужно стараться укреплять мышцы спины, чтобы они помогали позвоночнику поддерживать верхнюю часть вашего тела. Да, речь идёт о ежедневных упражнениях на развитие спинных мышц.

Ну и, конечно же, во время занятий, нужно, хотя бы раз в полчаса, встать, немного пройтись, дать позвоночнику расслабиться. Это самые базовые рекомендации, которые помогут вам, если вы вдруг решите серьёзно заняться своей осанкой.

Кстати, один из лучших современных пианистов – Даниил Трифонов, сделал, я думаю случайно, осанку своей фирменной фишкой. Это достаточно интересно выглядит, однако последствия могут быть очень серьёзными.

Понять музыку

Разыгрываться перед выступлениями или нет?

Тут сомнений и быть не может. Конечно же, да.

Как известно, руки надо «разогреть», потому что холодные руки, как бы это описать, обездвиженные, замедленные. Ты пытаешься сыграть быстрый пассаж, но пальцы просто не могут этого сделать.

Некоторые пианисты помещают руки в тёплую воду перед выступлением, чтобы дополнительно подстраховаться. Тут главное – не переборщить с этим. Иначе руки, грубо говоря, размякнут, распарятся, и из-под пальцев, вместо чётко артикулированных звуков, будет выходить так называемая «каша».

Вместо того, чтобы пытаться согреть холодные руки, можно попробовать не дать им замёрзнуть. Зимой, например, держать руки в перчатках. А дополнительно ещё и в карманах. В общем, есть смысл попробовать сохранить тепло в руках, чтобы потом не нужно было согревать их.

Но самый главный, можно сказать, основной способ разогрева рук – это, конечно же, разыгрывание. Да, занимает немного больше времени, но работает очень эффективно. Гаммы, упражнения, программа в медленном темпе – все средства хороши.

Кстати, а можно сделать так, чтобы, не разыгрываясь, садиться и сразу играть хорошо? Да, это возможно. Очень многие пианисты развивают этот навык - игру "холодными" руками. Сев за рояль, они в первую очередь играют программу (произведения, которые они готовят на концерт, например), стараясь сделать это в максимальном качестве. И нужно сказать, что до какого-то технического предела, у них это получается. Есть сложные пассажи, которые нельзя вот так вот взять и сыграть. И для этого нужно для себя выяснить, какие из них вы уже можете исполнить «холодными» руками, а какие - ещё нет. Как и любой другой навык, игра «холодными» руками будет постепенно, всё лучше и лучше получаться у вас, если вы будете её регулярно практиковать.

У большинства профессиональных концертных пианистов этот навык развит на достаточно высоком уровне, ведь иногда просто нет времени разыграться. Конечно же, перед выступлением все стараются послушать зал, послушать инструмент, разыграться, но может произойти всё, что угодно. Самолёт может задержаться, например. Или ещё что-нибудь. В общем, уметь играть «холодными» руками - очень полезно, особенно если вы планируете серьёзный карьерный рост.

Понять музыку

Шнитке. С чего начать?

Пятая часть (рондо) Concerto Grosso (кончерто гроссо) №1.

Для какого состава? Две скрипки, клавесин, подготовленное фортепиано (изменение тембра фортепиано за счёт его взаимодействия с какими-то посторонними приспособлениями, к примеру, карандаши, вставленные между струн или бумага, подложенная под определённые демпферы) и струнный оркестр.

Очень яркая музыка, способная понравиться даже самому неподготовленному слушателю. Да, будет немного страшно и непривычно. Но вместе с этим всегда интересно, что же будет в музыке дальше. Очень яркий опыт.

Когда-то слышал от своих друзей-музыкантов, что это «настоящий рок», перенесённый на язык академической музыки. Но тут всё, конечно же, намного глубже. В общем, слушайте и формируйте свою точку зрения.

Понять музыку

Что дирижёры держали в руках, когда не существовало дирижёрской палочки?

Баттуту. Специальную палочку, которой отбивали каждый такт (XV-XVIII вв.).

Применение баттуты позволяло задавать и поддерживать нужный темп во время исполнения, однако были и минусы: никаких возможностей для управления выразительностью и постоянный стук во время исполнения. Тихий, но его всё равно было слышно.

Баттута была впервые применена Палестриной (итальянским композитором эпохи Ренессанса). Постепенно тактирование (отбивание ритма) приобрело широкое распространение среди музыкантов. На целых три столетия. Ближе к 19 веку такое «шумное дирижирование» всё же надоело слушателям, и от него стали понемногу отказываться, придя, в итоге, к движениям руки дирижёра вверх-вниз.

Кстати, французский композитор Жан-Батист Люлли (создатель французской национальной оперы, как у нас Глинка) скончался как раз из-за применения баттуты. Дирижируя своим произведением, написанным в честь выздоровления короля Людовика XIV, Люлли поранил ногу наконечником трости. Из раны развилась гангрена, из-за которой он и скончался. Дирижирование, оказывается, может быть очень опасным занятием.

В общем, теперь вы знаете, что в истории дирижирования был такой этап, когда выразительностью особо не управляли, а в зале всё время был какой-то стук, мешавший слушать музыку.

Понять музыку

​​Миланская консерватория имени Джузеппе Верди.

Угадайте, кто, в своё время, не смог туда поступить? А вот сам Джузеппе Верди и не смог.

Версий несколько: то ли он был уже слишком взрослым на момент поступления (18 лет – последний год приёма), то ли фортепианная техника подкачала (неправильная постановка рук). Также существует версия, по которой Джузеппе Верди выглядел слишком «по-крестьянски», был очень неловок и застенчив (мать композитора была пряхой, а отец владел деревенским трактиром).

Так или иначе, на вступительных экзаменах ему сказали: «Оставьте мысль о консерватории. А если уж вы так хотите заниматься музыкой, поищите себе частного учителя среди городских музыкантов…».

В общем-то, уже через энное количество лет, ещё при жизни, у Верди попросили разрешения назвать консерваторию его именем.

Это всё, что вам нужно знать о настоящей любви к музыке и постоянном совершенствовании в ней.

Понять музыку

"Завод". Симфонический эпизод из незавершённого балета "Сталь" (1928 год).

Идеологически неправильная музыка, написанная сложным, «непонятным» советскому народу языком.

Автор, Александр Васильевич Мосолóв, авангардист, репрессирован в 1937 году. После освобождения больше никогда не писал подобной музыки, писал только «правильную» музыку, понятную советскому народу.

«Завод» - одно из самых известных его сочинений. Музыка эта оркестровая, и, к слову, в ней есть партия «железного листа». Мы же, всё-таки, на заводе.

Честно, я был очень удивлён, когда впервые послушал это сочинение. Настолько конкретный образ настолько чётко и понятно реализован, и какими средствами! В общем, слушайте и наслаждайтесь атмосферой советского завода.

Понять музыку

Светомузыка. Скрябин. Прометей.

Некоторые композиторы, среди отечественных - Римский-Корсаков, Скрябин, обладали «цветным» слухом. Это явление называется хроместезией (когда слышимые звуки автоматически и непроизвольно вызывают образы цвета). Иногда, вместо отдельных музыкальных звуков, цвет вызывается какой-то конкретной тональностью. Слышишь, например, си-бемоль минор и видишь при этом тёмно-синий цвет. Это уже цвето-тональный слух. Такой был у Скрябина.

Если учесть, что обычный, среднестатистический человек цветов при прослушивании музыки не видит, можно сделать такой вывод: наличие подобной способности особенно не помогает композитору. В некоторых ситуациях, возможно, и выручает (вдруг понадобится быстро «почувствовать», в какой тональности мы сейчас находимся), но выйдем за рамки уроков сольфеджио, и обнаружим, что способность не такая уж и нужная.

Однако, можно, при некоторой доле внутренней уверенности, сделать из этого свою фишку. Свою отличительную композиторскую черту. Этим и занялся, в период позднего творчества, Скрябин.

Одно из самых ярких его произведений (в этом направлении) – симфоническая поэма «Прометей (Поэма огня)» Op. 60. Для фортепиано, оркестра (включая орган), голосов (хора ad libitum) и … партии света Luce.

Время от времени предпринимались попытки исполнить сочинение вместе с задуманным Скрябиным светом. Даже специальный световой инструмент для этого придумали (для первого «светового» исполнения 1915 года, однако, тогда исполнение световой партии вызвало многочисленные проблемы, и сочинение было холодно встречено публикой).

Сейчас, в век технологий, исполнить световую партию, как и сделать её исполнение более эффектным, стало проще. И вот, филармония Шостаковича в 2016 году решила провести подобный эксперимент, приложив к этому максимум усилий.

Что получилось – можете посмотреть сами. Произведение, если вы не слушали его до этого, скорее всего, сразу вам не понравится. Однако, опыт, как говорится, яркий и очень своеобразный для мира академической музыки. Поэтому жмите «плэй» и постепенно погружайтесь в композиторский мир Скрябина.

Понять музыку

Несправедливость.

Моцарт умер в 35 лет, и, буквально, все расстраиваются по этому поводу. Как же так, гений в самом расцвете сил. В каждом учебнике музыкальной литературы мы найдём подобную строчку.

И при этом все совершенно забыли про Шуберта, который умер в 31 год. В 31! И всем плевать. Никто никогда не расстраивался из-за этого.

Возможно, в последние годы Моцарт показал слушателям произведения очень высокого уровня. Как художественного, так и технического. Высокого даже для самого себя. Естественно, это не мгновенный скачок, а долгое и постепенное развитие. Но сейчас не об этом.

К тому же, Моцарт был очень известным при жизни. Поэтому, как мне кажется, его неожиданный уход так сильно запомнился современникам. Настолько сильно, что это переживание дошло и до нас.

А как же Шуберт? Шуберт был на порядок «неизвестнее» своего коллеги. Из сочинений последних лет – вокальные циклы «Лебединая песня» и «Зимний путь». Тоже проходятся всеми музыкантами.

Какой мы можем сделать вывод? Несправедливость или всё абсолютно закономерно? Решайте сами, а я пока пойду, послушаю что-нибудь и из Моцарта, и из Шуберта. А заодно и поразмышляю, справедлива ли история по отношению к последнему или всё же нет?

Понять музыку

Разница между абсолютным слухом и относительным.

Ответ, как говорится, в вопросе.

Абсолютный слух – способность точно определять высоту звука в любой момент времени. Проще говоря, сразу называть ноту, которую только что сыграли.

Относительный слух – способность определять высоту звука относительно предыдущего звука. Например, сыграли звук «до», а сразу после него ещё какой-то. И вот, музыкант слышит, что звучит «ми».

Как он понял, что это «ми»? Всё достаточно просто. Он знает, как звучит интервал (расстояние между звуками), который образовался между «до» и «ми». И соответственно, понимает, что второй звук – «ми».

Оба этих слуха важны. Не у каждого музыканта есть абсолютный слух, это что-то из области «дано либо не дано». Хотя, конечно же, существует много разных методов его развития. Но при этом, почти у каждого хорошего музыканта, на высоком уровне развит относительный слух. Такой теоретический предмет как сольфеджио как раз направлен на его развитие. Именно поэтому сольфеджио является обязательным предметом на любом уровне музыкального развития: школа, колледж, консерватория.

Ну а для чего нужны оба этих слуха, и как конкретно музыканты их используют – я расскажу в следующих постах.

Понять музыку

Еженедельный Паганини.

Скрипач Савва Зверев за 24 недели (полгода) запишет в наиболее известных местах Северной Англии все каприсы Паганини. 24 каприса – 24 недели. Неплохая цель.

К тому же, сам проект – благотворительный. Собранные средства пойдут на помощь 24 культурным организациям, пострадавшим от пандемии.

Что можно сказать? Хороший, мотивирующий на занятия челлендж, а также неплохой пиар-ход самого исполнителя. А почему бы и нет?

Понять музыку

Музыка из нового альбома.

Сегодня хочу поделиться с вами своей музыкой.

"Journey" - третья композиция из альбома, который выйдет 31 августа.

Остальных подробностей пока не раскрываю. Слушайте, музыка многое скажет за меня!

Понять музыку

Шостакович о западных журналистах.

"Чаще всего глупые вопросы задают мне, когда я выезжаю заграницу. Это одна из главных причин, по которой я не люблю ездить. Может быть, главная. Любой наглый приставала может сказать тебе все, что взбредет в голову. И спросить обо всем. Еще вчера он не слышал твоей фамилии, этот идиот. Сегодня, поскольку ему надо зарабатывать, он кое-как произносит твою фамилию. Но чем ты занимаешься, не знает совершенно. И не интересует это его.

Журналисты - это, конечно, не весь народ. Но покажи мне, какая у тебя в руках газета, и я скажу, что у тебя в мозгах. Типичный западный журналист - человек неграмотный, нахальный и глубоко циничный. Ему нужно сегодня немного заработать, а на остальное - глубоко наплевать. Каждый из таких наглецов хочет, чтоб я "смело" ответил на его дурацкие вопросы. И они очень обижаются, эти господа, когда слышат не то, что им хотелось бы. А почему я должен им отвечать? Кто они такие? Почему я должен ставить под удар свою жизнь? И это - для удовлетворения праздного любопытства человека, которому на меня наплевать? Он вчера обо мне ничего не слышал, а завтра забудет мое имя. Какое право он имеет на мою откровенность? На мое доверие? Я ничего о нем не знаю. И я ведь не пристаю к нему с вопросами, правда? Хотя он-то мог бы ответить на любой мой вопрос без всякого риска для своей персоны.

Все это возмутительно и оскорбительно. Самое главное - такие оскорбления стали делом обыденным. И никто не задумывается, как все это нелепо. Обо мне судят на основе того, что я сказал или не сказал мистеру Смиту или Джонсу. Разве это не нелепость? Газетные статьи должны служить оценке их авторов. Пускай по ним судят о мистере Смите и Джонсе. А у меня есть музыка. И довольно много музыки. Обо мне пусть судят по моей музыке. Я не намерен её комментировать.

Я не намерен рассказывать, как, где и при каких обстоятельствах меня окатил "потный вал вдохновения". Пусть поэты делятся с доверчивой публикой подобными воспоминаниями. Все равно все врут. А я и не поэт к тому же."

Понять музыку

Какая музыка звучала в доме Баха?

В 1725 году Иоганн Себастьян Бах, на тот момент ему было 40 лет, подарил своей второй жене? Анне Магдалене Бах, на её 24-й день рождения, красивый, дорогой альбом (для записи музыки) с золотыми инициалами A M B. Для чего?

В доме известного композитора, в любом случае, будет много музыки. Впрочем, неизвестного тоже. А теперь представим, насколько много музыки было в доме композитора, практически все дети которого так или иначе занимались музыкой. А сколько детей было у Баха? 20!

Представляете? Конечно же, не все из них пережили младенческий возраст, такие были времена. Но всё же! Со всеми своими детьми Бах занимался музыкой. Трое из них при жизни были гораздо более известными, чем их отец.

Теперь вспомним, что было с печатным нотным набором в то время? Можно сказать так, он существовал, но был развит в крайне слабой форме.

Собрав все вышеизложенные факты вместе, мы сможем, примерно, представить причину появления «Нотной тетради Анны Магдалены Бах». Это был домашний музыкальный сборник семьи Баха. Кстати, там не так много музыки самого Иоганна Себастьяна. В тетради есть сочинения как сыновей Баха, так и других композиторов того времени. Ещё стоит сказать, что эта "музыкальная" тетрадь не была единственной. Однако, она точно стала самой известной.

По каким-то сочинениям дети Баха учились клавиру (общее название клавишных музыкальных инструментов), под какие-то сочинения, танцевальных жанров, занимались с преподавателем хореографии, а какая-то музыка предназначалась для вокальных занятий самой Анны Магдалены. В общем, всё, что нужно – здесь, под рукой, в нотной тетради.

Постепенного усложнения пьес в сборнике не наблюдается (от простого к сложному – одно из правил И. С. Баха в обучении музыке). Сразу же после сложной пьесы может идти очень простая.
Какой вывод мы можем сделать из этого?

«Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах» - не какое-то обучающее пособие от самого И. С. Баха. Да, есть уклон в эту сторону, но сама тетрадь всё-таки больше похожа на сборник пьес, которые время от времени пригождались всей семье.

В наше время многие пианисты начинают свой путь именно с этого сборника. Либо с тех пьес, которые понравятся, либо с тех, что подберёт преподаватель. Ну а для того, чтобы просто ощутить, прочувствовать атмосферу дома Иоганна Себастьяна Баха – играть эту музыку необязательно, её можно просто послушать, что я вам и предлагаю сделать.

Кстати, интересно было бы поставить эту музыку фоном, а самому пойти делать разные домашние дела. Как будто один из сыновей Баха сидит, играет, пока вы занимаетесь чем-то своим. В общем, обязательно слушайте, это будет полезно, как минимум, для общего развития.

Понять музыку

Игра прямыми пальцами.

#искусствофортепиано

Практически все пианисты играют согнутыми пальцами. Кисть в таком положении напоминает купол. Как будто в руки взяли по яблоку, затем яблоки аккуратно вынули, сохранив при этом форму кисти. Пальцы оказались согнутыми в определённом положении, теперь можно перенести руки на фортепиано и сыграть что-нибудь интересное.

Это абсолютно классическое положение пальцев, которому учат всех пианистов на самом первом занятии. Не без причины, конечно. У такого положения много преимуществ: пальцы сразу же выстраиваются в практически ровную линию и, соответственно, нажимают клавиши, примерно, в одних и тех же местах. Для чего это нужно?

Разные пальцы, нажимая с одинаковой силой, будут извлекать звук, примерно, одинаковой громкости. Не будет резких скачков, например, до (тихий звук) – ре (громкий) – ми (средней громкости) – фа (почти не слышно). Это, конечно, утрированный пример, но чем профессиональнее становится пианист, тем лучше он слышит градации оттенков громкости и следит за ними. Помимо этого, такое положение позволяет лучше контролировать движения каждого пальца. Это происходит благодаря физиологическим особенностям наших рук.

Однако для многих такое положение пальцев навсегда остаётся единственным в их профессиональном арсенале приёмов.

Совершенно незаслуженно всегда обходится стороной игра прямыми пальцами. А ведь Горовиц (для тех, кто вдруг не знает – величайший пианист XX века) играл именно так. Игра прямыми пальцами была основным его приёмом (примерно 90% от всего времени за роялем). Если хотите посмотреть, как он это делал – вот вам видео. Помимо Горовица, эти приёмом пользовался также Гленн Гульд (для тех, кто вдруг не знает - величайший пианист XX века). Не так часто, не так постоянно, я бы сказал, но пользовался.

Почему-то в сознании пианистов такое положение пальцев воспринимается как какое-то исключение, им совершенно недоступное. Кто-то пробует так поиграть, однако, через пару минут всё же вспоминает, как «правильно» ставить пальцы и прекращает «играться».

А ведь это - полноценный приём игры. Легато, сыгранное прямыми пальцами, будет гораздо более нежным, мягким, плавным, чем легато, сыгранное согнутыми пальцами. Но об этом – завтра.

А пока что давайте послушаем (и посмотрим на руки!) Владимира Самойловича Горовица, играющего двенадцатый (Op. 8) этюд Скрябина.

Понять музыку

Мы не договорили.

#искусствофортепиано

Мы не договорили про технику игры прямыми пальцами. Какими же преимуществами она обладает?

Начнём с того, что площадь соприкосновения пальца с клавишей оказывается гораздо большей, чем при игре согнутыми пальцами. Соответственно, контроль над звуком возрастает. Нажатие происходит самой чувствительной частью подушечки пальца. Благодаря этому становятся возможны более тонкие динамические оттенки.

Когда вы играете согнутыми пальцами, сам процесс прикосновения не позволяет вам извлечь, если можно так выразиться, по-настоящему мягкий, нежный, но при этом глубокий звук. Не позволяет делать очень плавные переходы между звуками в legato. Именно поэтому, кстати, в среде профессиональных пианистов существует такое правило: чем более плавным и связным ты хочешь сделать legato – тем более прямыми должны быть твои пальцы.

Конечно же, возможны и какие-то промежуточные, между ровными и согнутыми пальцами, варианты, имеющие свои звуковые особенности. Однако, это уже инструменты из арсенала пианистов очень высокого класса.

Также, при игре прямыми пальцами, задействуется меньшее количество мышц. Соответственно, каждое нажатие требует меньше усилий, чем обычно. Пальцы меньше устают во время длительных занятий. Преимуществ у такой техники действительно много, однако есть и недостатки.

В быстром темпе такое положение пальцев не позволяет добиться максимально возможной скорости. Если речь идёт о чёрной клавише – то да, самый быстрый способ взять её – прямой палец. Но если мы говорим о белой клавише, то здесь согнутый палец справится гораздо быстрее. Какой напрашивается вывод? Можно совмещать разные приёмы, профессиональные пианисты так и делают, в зависимости от ситуации и задачи.

И вообще, давайте вспомним, что изначально я рассказывал вам об игре прямыми пальцами как об одном из возможных приёмов вообще. Ему очень редко учат, считая, что существует лишь один единственно правильный способ – игра согнутыми пальцами. Но это далеко не так.

В каждой конкретной ситуации пианист должен иметь возможность выбрать, а может даже и совместить несколько приёмов для того, чтобы добиться нужного ему звука. На этом у меня всё.

Понять музыку

Пятая симфония Карла Черни.

Да! Вы не ослышались! Почему-то Черни дошёл до нашего времени только как автор тех самых этюдов, которые играют все пианисты. Почему?

Для начала стоит сказать, что Карл Черни – автор шести симфоний, 24 месс, двенадцати фортепианных сонат, не считая тех, что написаны для игры в 4 руки, большого количества симфонических сочинений вообще, концертов для фортепиано с оркестром и, конечно же, разножанровой фортепианной музыки. Всего более 1000 опусов! Почему же этюды? Как так получилось?

Наиболее адекватная причина – близость стиля музыки, можно сказать, некое подражание своему учителю – Людвигу вану Бетховену. Кстати, Черни начал обучаться у него игре на фортепиано в возрасте 9 лет. Их занятия длились три года. И в возрасте 14 лет, Бетховен написал ему рекомендательное письмо. Процитирую: «для своего четырнадцатилетнего возраста он достиг в игре на фортепиано совершенно исключительных, превосходящих ожидания успехов и что как в этом отношении, так и принимая во внимание его поразительную память, он достоин всевозможной поддержки, тем более что его родители образовали подающего надежды сына на собственные средства».

Ну, допустим, что стиль Черни был действительно немного похожим на стиль Бетховена. Но при этом нельзя сказать, что ничего нового он своей музыкой не сказал. Любой композитор, тем более с таким багажом сочинений, всегда привносит что-то новое в историю академической музыки. У меня есть ещё одно предположение по этому поводу.

Знаете, иногда так бывает, человек сначала был кем-то одним, например, музыкантом, а потом вдруг стал кем-то другим, политиком, например. Однако, общество всё равно продолжает видеть в нём музыканта, но никак не политика, как бы далеко он в этом не продвинулся, как бы не поменял свои убеждения. В обществе создаётся некий ярлык, который очень сложно поменять.

Карл Черни был концертирующим пианистом, очень ярким преподавателем и прекрасным композитором. Он воспитал целую плеяду, целое поколение великих пианистов, среди которых был и Ференц Лист. При этом количество педагогической литературы, в том числе в виде упражнений и этюдов, просто удивляет. Более 800 произведений, многие из которых до сих пор используются в педагогической практике. В середине XIX века Карл Черни считался одним из крупнейших преподавателей игры на фортепиано.

В общем, есть предположение, что всё европейское общество, да и не только европейское, видело в нём величайшего педагога, немного подзабыв при этом о его композиторском даровании.

А мы с вами так делать не будем! И сегодня послушаем пятую симфонию Карла Черни, эта ссылка отправит вас на прослушивание третьей, наиболее доступной для восприятия, части. Если понравится – обязательно слушайте полностью. Карл Черни – личность гораздо большего масштаба, чем мы с вами себе представляем.

Понять музыку

Только что вышло интервью с Полиной Осетинской.

Что интересно, интервьюер – юрист, а само интервью – юридическое. То есть подразумевалось обсуждение разных юридических вопросов, связанных с музыкой.

Но, как мне кажется, всё переросло в просто интересную беседу о жизни, во время которой Полина постепенно раскрывается перед нами с самых разных сторон.

В общем, советую к просмотру!

Понять музыку