❓ Увлекательная история возникновения и развития звукорежиссуры.
Часть IV: переход в «цифру» и появление «звуко-людей».
Появились многоканальные пульты и магнитофоны, много хороших и полезных приборов обработки звука, в мир пришло стерео, но вся цепочка по-прежнему была аналоговой со всеми своими проблемами.
Какой путь проходило каждое произведение?
✅ Сначала мы должны были записать исполнение и реализовать его режиссуру во время записи на студийный носитель, который был всего лишь один – плёнка (tape machine).
✅ После этого в реальном времени (но не обязательно в тот же день) обработать, сложить в одну дорожку (ура! уже в стерео) и записать на другую плёнку.
✅ И уже с этой плёнки, которая была готова к тиражу, делали мастеринг студийного носителя.
📈 Это был сложный многоэтапный процесс, который развивался вместе с развитием техники, а новые технические и инженерные возможности давали скачок в художественных экспериментах, в художественных идеях.
🌀 По мере того, как этих художественных возможностей становилось всё больше и больше, таинство создания финального звучания стало перемещаться от момента фиксации записи и режиссуры записи в сторону режиссуры финального звучания. Этот период в истории звукорежиссуры можно считать началом профессии саунд-продюсера.
Кто такой саунд-продюсер?
Это человек, который создаёт финальный звук, он его не фиксирует, он его делает. Здесь включил, здесь выключил, здесь подвинул, здесь очень хитро обработал, здесь что-то ещё, тут добавил, там убрал и т.д. – полностью художественная и креативная история, это следующий этап.
🔢 Ну а с приходом в наш мир цифровых технологий, а в последствии и мощных компьютерных технологий, все процессы полностью переместились в цифровой формат. Таинство студийного творения стало доступно многим и везде. И теперь, когда говорят слово «звукорежиссура», чаще всего подразумевают именно таинство создания финального звука.
Запись песни перестала быть главной точкой создания правильного звучания. В основном все музыканты и вокалисты записываются раздельно, стараются время зря не тратить. Живые команды пишут всё реже и реже, даже оркестровые аранжировки нередко делают полностью в цифровом формате без живого оркестра (мы так делали шоу Арриолас 📽️ youtu.be/qh_UwZ00fcQ, полностью на звуках из библиотек).
💻 Музыка в её финальном варианте теперь рождается в компьютере, лепится из кусочков, состоит из хитрых фишек и эффектов. Композитор как творец мелодий никуда не делся, но в процессе задействовано много новых людей, которые вносят не меньше в произведение и его успех.
🤟 Аранжировщик, битмейкер, звукорежиссёр, саунд-продюсер, музыкальный продюсер – это всё люди-творцы, «звуко-люди», можно и так сказать, которые могут использовать некий исходник (набор чего-то, конструктор) чтобы создать финальное итоговое звучание. И без них уже никуда.
Понравился рассказ? Это отрывок из марафона «Азбука студийной звукорежиссуры», доступен для обучения оффлайн в любое время.
t.me/andrewaspidov_online/39
#азбуказвукорежиссуры
Часть IV: переход в «цифру» и появление «звуко-людей».
Появились многоканальные пульты и магнитофоны, много хороших и полезных приборов обработки звука, в мир пришло стерео, но вся цепочка по-прежнему была аналоговой со всеми своими проблемами.
Какой путь проходило каждое произведение?
✅ Сначала мы должны были записать исполнение и реализовать его режиссуру во время записи на студийный носитель, который был всего лишь один – плёнка (tape machine).
✅ После этого в реальном времени (но не обязательно в тот же день) обработать, сложить в одну дорожку (ура! уже в стерео) и записать на другую плёнку.
✅ И уже с этой плёнки, которая была готова к тиражу, делали мастеринг студийного носителя.
📈 Это был сложный многоэтапный процесс, который развивался вместе с развитием техники, а новые технические и инженерные возможности давали скачок в художественных экспериментах, в художественных идеях.
🌀 По мере того, как этих художественных возможностей становилось всё больше и больше, таинство создания финального звучания стало перемещаться от момента фиксации записи и режиссуры записи в сторону режиссуры финального звучания. Этот период в истории звукорежиссуры можно считать началом профессии саунд-продюсера.
Кто такой саунд-продюсер?
Это человек, который создаёт финальный звук, он его не фиксирует, он его делает. Здесь включил, здесь выключил, здесь подвинул, здесь очень хитро обработал, здесь что-то ещё, тут добавил, там убрал и т.д. – полностью художественная и креативная история, это следующий этап.
🔢 Ну а с приходом в наш мир цифровых технологий, а в последствии и мощных компьютерных технологий, все процессы полностью переместились в цифровой формат. Таинство студийного творения стало доступно многим и везде. И теперь, когда говорят слово «звукорежиссура», чаще всего подразумевают именно таинство создания финального звука.
Запись песни перестала быть главной точкой создания правильного звучания. В основном все музыканты и вокалисты записываются раздельно, стараются время зря не тратить. Живые команды пишут всё реже и реже, даже оркестровые аранжировки нередко делают полностью в цифровом формате без живого оркестра (мы так делали шоу Арриолас 📽️ youtu.be/qh_UwZ00fcQ, полностью на звуках из библиотек).
💻 Музыка в её финальном варианте теперь рождается в компьютере, лепится из кусочков, состоит из хитрых фишек и эффектов. Композитор как творец мелодий никуда не делся, но в процессе задействовано много новых людей, которые вносят не меньше в произведение и его успех.
🤟 Аранжировщик, битмейкер, звукорежиссёр, саунд-продюсер, музыкальный продюсер – это всё люди-творцы, «звуко-люди», можно и так сказать, которые могут использовать некий исходник (набор чего-то, конструктор) чтобы создать финальное итоговое звучание. И без них уже никуда.
Понравился рассказ? Это отрывок из марафона «Азбука студийной звукорежиссуры», доступен для обучения оффлайн в любое время.
t.me/andrewaspidov_online/39
#азбуказвукорежиссуры
❓ Сатурация – главный ключ к крутому звучанию!
Недавно в TikTok к какому-то ролику был комментарий: «О! Мистер Сатурация!» Я спрашиваю, собственно, почему? А вы, говорит, в каждом ролике говорите про сатурацию или используйте слово сатурация.
🔖 Именно так, сатурация вам нужна везде! Это привнесение аналоговой краски, того крутого сочного жирного аналогового звучания в современный сухой нейтральный цифровой. Поэтому сатурация вам нужна практически на всём, просто разная, под свои идеи и задачи вы и подбираете конкретный способ и плагин.
Сатурация бывает мягкая, почти незаметная, просто лёгкая подкраска, которая чуть слышна. Это может быть эквалайзер, который сам по себе даёт вам красивый окрас. Это может быть компрессор, который помимо того, что работает, ещё и вносит какой-то свой вкусный оттенок.
👉 Хотим определённый звук? Понимаем что мы хотим и планомерно туда идём!
❓ В чём главная фишка сочного звука восьмидесятых?
🔖 Пока ваш исходный звук (бас, гитара, клавиши, вокал - всё что угодно) проходил через цепочку аналоговых приборов обработки (а это и компрессор, и эквалайзер, и пульт, и плёнка), да ещё и многократно, звук насыщался и становился таким крутым.
Именно длинная цепочка аналоговых приборов, каждый из которых вмешивался в сигнал, добавляя свой уникальный окрас, и давала тот самый крутой саунд 80х. Не исходные звуки, не звучание инструментов, а запись и обработка создавала это волшебство.
➡️ Вы можете делать ровно тоже самое в цифровом виде сейчас, у вас огромная палитра из хороших плагинов. Я не просто так в марафонах ребятам даю очень много плагинов и показываю какой куда подходит, какой окрас даёт, что для гитары, это для баса хорошо, что на вокал гениально, какой на духовые и струнные хорошо подходит и т.д.
Это не обязательно какой-то отдельный плагин «сатуратор». В основном у вас сами эквалайзеры и компрессоры уже дают псевдо-аналоговую обработку, каждый со своим уникальным окрасом. Вы их подбираете и используете на свой вкус. Что-то хотите добавить, вот и применяйте. Нет никаких особых правил применения сатурации. Микс или звучит плотно и сочно или не звучит.
🔖 Моя одна из любимых фраз «Ребята, вы хотите что-то получить? Вот и двигаетесь туда!».
✅ Если звук улучшается и приближается к нужной вам точке – молодцы! Если не приближается, если что-то ломается, что-то портится, значит что-то делаете не так. Верно?
➡️ Уберите плагин, подберите другой!
Ради этого я в марафоне Эквализация и Компрессия заставляю участников покопаться в своих плагинах. Найти, какой нравится, какой нет, куда подходит, куда не подходит. Раскопать инструментарий.
👉 И каждый раз слышу находки «ой, а у меня такой плагин был, а я не знал, куда его применить». А вот оказывается куда, и он, оказывается, даёт сумасшедше классную краску, и он есть, а вы его не использовали 🤷🏻♂️
✅ То чем вы пользуетесь, желательно хорошо знать. Пусть у вас будет пять компрессоров, пять эквалайзеров. Но каждый из них вы знаете досконально, в деталях, в нюансах, и умеете ими пользоваться. Потом, когда вы эти пять освоили, добавляйте ещё.
👉 Пробуйте, копайте, обязательно читайте документацию, потому что реализация даже одних и тех же алгоритмов у разных производителей разные. Всегда есть нюансы. Отличных вам миксов!
#сатурация
Недавно в TikTok к какому-то ролику был комментарий: «О! Мистер Сатурация!» Я спрашиваю, собственно, почему? А вы, говорит, в каждом ролике говорите про сатурацию или используйте слово сатурация.
🔖 Именно так, сатурация вам нужна везде! Это привнесение аналоговой краски, того крутого сочного жирного аналогового звучания в современный сухой нейтральный цифровой. Поэтому сатурация вам нужна практически на всём, просто разная, под свои идеи и задачи вы и подбираете конкретный способ и плагин.
Сатурация бывает мягкая, почти незаметная, просто лёгкая подкраска, которая чуть слышна. Это может быть эквалайзер, который сам по себе даёт вам красивый окрас. Это может быть компрессор, который помимо того, что работает, ещё и вносит какой-то свой вкусный оттенок.
👉 Хотим определённый звук? Понимаем что мы хотим и планомерно туда идём!
❓ В чём главная фишка сочного звука восьмидесятых?
🔖 Пока ваш исходный звук (бас, гитара, клавиши, вокал - всё что угодно) проходил через цепочку аналоговых приборов обработки (а это и компрессор, и эквалайзер, и пульт, и плёнка), да ещё и многократно, звук насыщался и становился таким крутым.
Именно длинная цепочка аналоговых приборов, каждый из которых вмешивался в сигнал, добавляя свой уникальный окрас, и давала тот самый крутой саунд 80х. Не исходные звуки, не звучание инструментов, а запись и обработка создавала это волшебство.
➡️ Вы можете делать ровно тоже самое в цифровом виде сейчас, у вас огромная палитра из хороших плагинов. Я не просто так в марафонах ребятам даю очень много плагинов и показываю какой куда подходит, какой окрас даёт, что для гитары, это для баса хорошо, что на вокал гениально, какой на духовые и струнные хорошо подходит и т.д.
Это не обязательно какой-то отдельный плагин «сатуратор». В основном у вас сами эквалайзеры и компрессоры уже дают псевдо-аналоговую обработку, каждый со своим уникальным окрасом. Вы их подбираете и используете на свой вкус. Что-то хотите добавить, вот и применяйте. Нет никаких особых правил применения сатурации. Микс или звучит плотно и сочно или не звучит.
🔖 Моя одна из любимых фраз «Ребята, вы хотите что-то получить? Вот и двигаетесь туда!».
✅ Если звук улучшается и приближается к нужной вам точке – молодцы! Если не приближается, если что-то ломается, что-то портится, значит что-то делаете не так. Верно?
➡️ Уберите плагин, подберите другой!
Ради этого я в марафоне Эквализация и Компрессия заставляю участников покопаться в своих плагинах. Найти, какой нравится, какой нет, куда подходит, куда не подходит. Раскопать инструментарий.
👉 И каждый раз слышу находки «ой, а у меня такой плагин был, а я не знал, куда его применить». А вот оказывается куда, и он, оказывается, даёт сумасшедше классную краску, и он есть, а вы его не использовали 🤷🏻♂️
✅ То чем вы пользуетесь, желательно хорошо знать. Пусть у вас будет пять компрессоров, пять эквалайзеров. Но каждый из них вы знаете досконально, в деталях, в нюансах, и умеете ими пользоваться. Потом, когда вы эти пять освоили, добавляйте ещё.
👉 Пробуйте, копайте, обязательно читайте документацию, потому что реализация даже одних и тех же алгоритмов у разных производителей разные. Всегда есть нюансы. Отличных вам миксов!
#сатурация
❓ Что такое мастеринг?
Как и когда появился, как развивался, какие задачи и проблемы имелись и решались?
🌀 Запасаемся поп-корном, набираемся терпения, вникаем и наслаждаемся! Рассказываю часть бонусного эфира Онлайн Марафона «Коммерческое Сведение Песни» – историю возникновения и развитие мастеринга как инженерного и художественного процесса работы над звуком.
📀 Мастеринг как инженерный процесс возник на стыке студийной плёночной звукозаписи и бытовых виниловых носителей.
Вся работа над созданием фонограмм велась на студийных многоканальных плёночных магнитофонах, аналоговых пультах и приборах. И дальше этот очень качественный материал нужно было как-то перенести на винил, носитель достаточно проблемный с массой ограничений и технических особенностей.
Даже на заре плёночной эры, качество студийной записи всё равно глобально превышало качество и возможности бытового носителя. Поэтому и возникла необходимость каким-то образом адаптировать звучание с учётом сложностей и ограничений виниловых пластинок.
❓ В чём проблема винила?
Что ж такого сложного было связано с виниловыми пластинками, что пришлось целый тех.процесс изобретать?
👉 Процесс записи и воспроизведения винилового диска во многом схож с микрофонный трактом. При записи диска колебания иглы (аналог мембраны микрофона) вырезают канавки, а при воспроизведении колебания иглы о края канавки создают звуковые колебания. Чем не микрофон? Суть процесса аналогична.
❓ Что это означает на практике?
Нелинейность и массу ограничений.
☑️ Проблема с диапазоном частот и его неравномерностью, узким динамическим диапазоном, шумы и искажения, физическая деградация носителя при каждом воспроизведении.
☑️ Даже по громкости сигнала и по стерео картине были ограничения, поскольку соседние дорожки (канавки) на диске могли попросту слипнуться, что приводило к скачкам иглы. Слишком широкое стерео тоже могло приводить к скачкам иглы. Очень сложный носитель 🤷🏻♂️
📼 Студийная плёнка намного более качественный и удобный носитель. Студийная запись многократно превышает физические возможности виниловой записи. Вот потому и пришлось придумывать, как перенести студийный исходник с минимальными потерями и добиться приемлемого звучания музыки в бытовых условиях. О художественной стороне мастеринга тогда не думали, это был прежде всего инженерный процесс.
❓ Как появился и происходил мастеринг альбомов для виниловых дисков?
📀 Действительно массовым винил стал тогда, когда появились большие 12" диски long play. На них можно было записать по 20-25 минут звучания на одну сторону, что позволило записывать и выпускать музыку альбомами, а не отдельными песнями.
🚀 Это был прорыв!
У художников музыкальной индустрии появилась возможность создавать концептуальные записи, реализовывать сложные замыслы. Но даже просто скомпоновать несколько песен в единое целое было в новинку и зашло слушателям на ура.
❓ А как быть технически?
Фонограммы отдельных песен создавались в разное время, порой на разных студиях. Как их записать на один диск подряд в едином звучании?
Проблема была в следующем.
📀 Запись мастер-диска (нарезка) происходит непрерывно, остановить и продолжить запись нельзя. Значит, все песни нужно причесать по звучанию и воспроизвести друг за другом единовременно.
Сделать это заранее на плёнке проблематично ввиду особенностей носителей.
Добавим сюда высокую стоимость изготовления мастер-диска, каждая ошибка это 💰💰💰. Как быть?
💡 Делаем два параллельных набора приборов и подбираем заранее параметры под каждую песню. Фиксируем, а во время записи мастер-диска заранее набираем параметры на втором наборе приборов под следующую песню и в паузе переключаем. Элементарно!
👉 Вот так и появился мастеринг альбомов, как отдельный процесс.
Продолжим в следующей части.
#мастеринг
Как и когда появился, как развивался, какие задачи и проблемы имелись и решались?
🌀 Запасаемся поп-корном, набираемся терпения, вникаем и наслаждаемся! Рассказываю часть бонусного эфира Онлайн Марафона «Коммерческое Сведение Песни» – историю возникновения и развитие мастеринга как инженерного и художественного процесса работы над звуком.
📀 Мастеринг как инженерный процесс возник на стыке студийной плёночной звукозаписи и бытовых виниловых носителей.
Вся работа над созданием фонограмм велась на студийных многоканальных плёночных магнитофонах, аналоговых пультах и приборах. И дальше этот очень качественный материал нужно было как-то перенести на винил, носитель достаточно проблемный с массой ограничений и технических особенностей.
Даже на заре плёночной эры, качество студийной записи всё равно глобально превышало качество и возможности бытового носителя. Поэтому и возникла необходимость каким-то образом адаптировать звучание с учётом сложностей и ограничений виниловых пластинок.
❓ В чём проблема винила?
Что ж такого сложного было связано с виниловыми пластинками, что пришлось целый тех.процесс изобретать?
👉 Процесс записи и воспроизведения винилового диска во многом схож с микрофонный трактом. При записи диска колебания иглы (аналог мембраны микрофона) вырезают канавки, а при воспроизведении колебания иглы о края канавки создают звуковые колебания. Чем не микрофон? Суть процесса аналогична.
❓ Что это означает на практике?
Нелинейность и массу ограничений.
☑️ Проблема с диапазоном частот и его неравномерностью, узким динамическим диапазоном, шумы и искажения, физическая деградация носителя при каждом воспроизведении.
☑️ Даже по громкости сигнала и по стерео картине были ограничения, поскольку соседние дорожки (канавки) на диске могли попросту слипнуться, что приводило к скачкам иглы. Слишком широкое стерео тоже могло приводить к скачкам иглы. Очень сложный носитель 🤷🏻♂️
📼 Студийная плёнка намного более качественный и удобный носитель. Студийная запись многократно превышает физические возможности виниловой записи. Вот потому и пришлось придумывать, как перенести студийный исходник с минимальными потерями и добиться приемлемого звучания музыки в бытовых условиях. О художественной стороне мастеринга тогда не думали, это был прежде всего инженерный процесс.
❓ Как появился и происходил мастеринг альбомов для виниловых дисков?
📀 Действительно массовым винил стал тогда, когда появились большие 12" диски long play. На них можно было записать по 20-25 минут звучания на одну сторону, что позволило записывать и выпускать музыку альбомами, а не отдельными песнями.
🚀 Это был прорыв!
У художников музыкальной индустрии появилась возможность создавать концептуальные записи, реализовывать сложные замыслы. Но даже просто скомпоновать несколько песен в единое целое было в новинку и зашло слушателям на ура.
❓ А как быть технически?
Фонограммы отдельных песен создавались в разное время, порой на разных студиях. Как их записать на один диск подряд в едином звучании?
Проблема была в следующем.
📀 Запись мастер-диска (нарезка) происходит непрерывно, остановить и продолжить запись нельзя. Значит, все песни нужно причесать по звучанию и воспроизвести друг за другом единовременно.
Сделать это заранее на плёнке проблематично ввиду особенностей носителей.
Добавим сюда высокую стоимость изготовления мастер-диска, каждая ошибка это 💰💰💰. Как быть?
💡 Делаем два параллельных набора приборов и подбираем заранее параметры под каждую песню. Фиксируем, а во время записи мастер-диска заранее набираем параметры на втором наборе приборов под следующую песню и в паузе переключаем. Элементарно!
👉 Вот так и появился мастеринг альбомов, как отдельный процесс.
Продолжим в следующей части.
#мастеринг
❓ Мастеринг. История возникновения и развития. Продолжение.
📀 Виниловая эпоха была продолжительной, на очень долгое время этот носитель стал основным доступным относительно качественным источником прослушивания музыки в быту (радио и тв не в счёт). В студии и в производстве он создавал проблемы, но в быту звучал очень неплохо. Все были довольны, но проблема и сложность подготовки мастер-диска оставалась.
❓ Что делать?
📀 Студийный мир прекрасно понимал особенности носителя и важность подготовки материалов. Поэтому, ещё на этапе создания финального студийного звучания, стали учитывать нюансы виниловой записи, старались заранее подготовить миксы для мастеринга.
📀 Студийные фонограммы на плёнке были максимально заточены под мастеринг винила. Это было удобно, но при дальнейшей глобальной смене основного бытового носителя и переходе в цифру это создало массу проблем и потребовало новых технических и технологических решений.
📀 Виниловая эпоха фактически создала мастеринг как таковой. Это со временем стало не только техническим элементом, но и художественным.
Появилась гонка громкости, поскольку каждый хотел, чтобы его альбом звучал громче других (здесь работает психоакустическое восприятие звука человеком).
Студийный мир адаптировался, звучание в студии сразу старались делать с учётом носителя. Но это в итоге и стало проблемой с приходом цифрового звука.
📀 Компакт диск, да и в целом цифровой звук, характеризуется полностью чистым нейтральным звучанием. Перенос записей, сделанных под винил, оказался той ещё проблемой.
Ничего банально не звучало, всё было тускло и скучно, динамика, ширина, яркость - всё не то. И мастеринг снова изменился. А вместе с тем и студийный мир оказался вынужден учитывать нюансы нового бытового формата.
📲 Затем пришла эра файлов. Аббревиатурой MP3 сейчас никого не удивить. Однако, многие и не подозревают, что это сжатие с потерями, что даёт свою новую пачку проблем, прежде всего с уровнем громкости.
Да да, казалось бы, файл и файл 😂, но нет. При воспроизведении MP3 файла возможно получение более громких всплесков аудио, что может приводить к искажениям, к жёсткому звучанию. И мастеринг в студии должен это учитывать. Тот же стандарт Mastered for iTunes родился не просто так.
📀 Таким образом, мастеринг в инженерном плане это адаптация крутой студийной записи под бытовой носитель. В разные времена это был разный процесс, но его цель и задача оставалась прежней.
❓ Почему адаптация?
☑️ Бытовая акустика, бытовая аппаратура, бытовые носители принципиально отличаются от студийного оборудования.
☑️ Студийное оборудование и акустика имеют глобально большее разрешение, детализацию, честность и линейность спектра, общее качество звука.
☑️ Студийный тракт предназначен вскрыть и показать все ошибки микса, достать всю грязь и проблемы.
☑️ Бытовая акустика, как правило, пытается максимально скрыть это, сделать звучание более мягким и приятным. Проблемы микса никуда не теряются, они прячутся, маскируются, но грязь и муть остаётся.
📀 Фактически, вся цепочка работы над песней ведёт к тому, чтобы получить максимально круто звучащую на бытовой акустике финальную фонограмму. Это и есть тот самый мастер.
🌀 Вот такой большой рассказ получился. Понравился?
#мастеринг
📀 Виниловая эпоха была продолжительной, на очень долгое время этот носитель стал основным доступным относительно качественным источником прослушивания музыки в быту (радио и тв не в счёт). В студии и в производстве он создавал проблемы, но в быту звучал очень неплохо. Все были довольны, но проблема и сложность подготовки мастер-диска оставалась.
❓ Что делать?
📀 Студийный мир прекрасно понимал особенности носителя и важность подготовки материалов. Поэтому, ещё на этапе создания финального студийного звучания, стали учитывать нюансы виниловой записи, старались заранее подготовить миксы для мастеринга.
📀 Студийные фонограммы на плёнке были максимально заточены под мастеринг винила. Это было удобно, но при дальнейшей глобальной смене основного бытового носителя и переходе в цифру это создало массу проблем и потребовало новых технических и технологических решений.
📀 Виниловая эпоха фактически создала мастеринг как таковой. Это со временем стало не только техническим элементом, но и художественным.
Появилась гонка громкости, поскольку каждый хотел, чтобы его альбом звучал громче других (здесь работает психоакустическое восприятие звука человеком).
Студийный мир адаптировался, звучание в студии сразу старались делать с учётом носителя. Но это в итоге и стало проблемой с приходом цифрового звука.
📀 Компакт диск, да и в целом цифровой звук, характеризуется полностью чистым нейтральным звучанием. Перенос записей, сделанных под винил, оказался той ещё проблемой.
Ничего банально не звучало, всё было тускло и скучно, динамика, ширина, яркость - всё не то. И мастеринг снова изменился. А вместе с тем и студийный мир оказался вынужден учитывать нюансы нового бытового формата.
📲 Затем пришла эра файлов. Аббревиатурой MP3 сейчас никого не удивить. Однако, многие и не подозревают, что это сжатие с потерями, что даёт свою новую пачку проблем, прежде всего с уровнем громкости.
Да да, казалось бы, файл и файл 😂, но нет. При воспроизведении MP3 файла возможно получение более громких всплесков аудио, что может приводить к искажениям, к жёсткому звучанию. И мастеринг в студии должен это учитывать. Тот же стандарт Mastered for iTunes родился не просто так.
📀 Таким образом, мастеринг в инженерном плане это адаптация крутой студийной записи под бытовой носитель. В разные времена это был разный процесс, но его цель и задача оставалась прежней.
❓ Почему адаптация?
☑️ Бытовая акустика, бытовая аппаратура, бытовые носители принципиально отличаются от студийного оборудования.
☑️ Студийное оборудование и акустика имеют глобально большее разрешение, детализацию, честность и линейность спектра, общее качество звука.
☑️ Студийный тракт предназначен вскрыть и показать все ошибки микса, достать всю грязь и проблемы.
☑️ Бытовая акустика, как правило, пытается максимально скрыть это, сделать звучание более мягким и приятным. Проблемы микса никуда не теряются, они прячутся, маскируются, но грязь и муть остаётся.
📀 Фактически, вся цепочка работы над песней ведёт к тому, чтобы получить максимально круто звучащую на бытовой акустике финальную фонограмму. Это и есть тот самый мастер.
🌀 Вот такой большой рассказ получился. Понравился?
#мастеринг
Инженер, Режиссёр, Продюсер - кто все эти люди?
Музыкальная терминология штука занятная, названия ролей и специалистов не исключение, давайте разбираться. Рассказываю отрывок марафона «Азбука студийной звукорежиссуры».
🌀 Инженер — это человек, который квалифицированно выполняет техническую работу на каждом этапе производства песни. Нажал кнопку «запись», «стоп», сохранил дубль, переместил записанные дорожки, подключил провод, включил прибор, передвинул микрофон и т.д. Если он что-то редактирует, чистит, режет исходник, в этот момент он тоже инженер. Почему? Потому что не касается художественных вопросов.
📚 Вполне возможно вы слышали такие термины, как «инженер записи», «инженер сведения», «инженер мастеринга». Инженер – уважаемый квалифицированный человек, который делает что-то технически грамотно, но не принимает никаких художественных решений, не меняет баланса, не решает, что нужно другой микрофон поставить или что-то перезаписать, не определяет удачность записанных дублей, а технически обеспечивает процесс. Принимает решения режиссёр либо продюсер.
🌀 Режиссёр понимает всю инженерную сторону вопроса, но владеет и художественными методами. Он в курсе, что такое эмоции и характер, может перевести запрос артиста из «сделать звук ярче» на инженерно-технический язык. Владеет художественными методами и в состоянии додумать итоговую звуковую картину, работает над общим звучанием произведения. В отличие от инженера, режиссёр принимает не только инженерные, но и художественные решения.
📚 А глобальные решения на записи, сведении, да и на любом другом этапе принимает продюсер. Именно тот человек, который говорит: «слушай, ну это вообще никуда не годится, нам нужно другого гитариста позвать, это нам не подходит, с этим возиться без-смысленно», «микрофон не подходит, тембр не звучит, давай искать другой» и так далее.
Продюсер принимает не только инженерно-художественные, но и организационно-идеологические решения: переделать аранжировку, изменить стиль, переиграть инструменты, перепеть вокал, записать бэки, с кем и какие именно и т.д. Вот это уже продюсер.
🌀 Продюсер точно так же может быть на каждом этапе цепочки. Во время записи может быть продюсер записи, который фактически может вообще не подходить к оборудованию, но принимать решения и объяснять каждому участнику процесса что ему нужно делать на понятном языке. Продюсер аранжировки и продюсер сведения – такие же нормальные и допустимые термины.
📚 В эру классической аналоговой звукозаписи, в эру больших студий, во время записи всегда присутствовал продюсер записи. Это человек, который ходил и рулил процессом, следил, что сделать, как сделать, что изменить, как исполнить. Он принимал решение. Это был мозг всей записи. Именно он уже командовал режиссёрами, а режиссёры командовали инженерами. То же самое было и в процессе сведения, и в процессе мастеринга и далее.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Музыкальная терминология штука занятная, названия ролей и специалистов не исключение, давайте разбираться. Рассказываю отрывок марафона «Азбука студийной звукорежиссуры».
🌀 Инженер — это человек, который квалифицированно выполняет техническую работу на каждом этапе производства песни. Нажал кнопку «запись», «стоп», сохранил дубль, переместил записанные дорожки, подключил провод, включил прибор, передвинул микрофон и т.д. Если он что-то редактирует, чистит, режет исходник, в этот момент он тоже инженер. Почему? Потому что не касается художественных вопросов.
📚 Вполне возможно вы слышали такие термины, как «инженер записи», «инженер сведения», «инженер мастеринга». Инженер – уважаемый квалифицированный человек, который делает что-то технически грамотно, но не принимает никаких художественных решений, не меняет баланса, не решает, что нужно другой микрофон поставить или что-то перезаписать, не определяет удачность записанных дублей, а технически обеспечивает процесс. Принимает решения режиссёр либо продюсер.
🌀 Режиссёр понимает всю инженерную сторону вопроса, но владеет и художественными методами. Он в курсе, что такое эмоции и характер, может перевести запрос артиста из «сделать звук ярче» на инженерно-технический язык. Владеет художественными методами и в состоянии додумать итоговую звуковую картину, работает над общим звучанием произведения. В отличие от инженера, режиссёр принимает не только инженерные, но и художественные решения.
📚 А глобальные решения на записи, сведении, да и на любом другом этапе принимает продюсер. Именно тот человек, который говорит: «слушай, ну это вообще никуда не годится, нам нужно другого гитариста позвать, это нам не подходит, с этим возиться без-смысленно», «микрофон не подходит, тембр не звучит, давай искать другой» и так далее.
Продюсер принимает не только инженерно-художественные, но и организационно-идеологические решения: переделать аранжировку, изменить стиль, переиграть инструменты, перепеть вокал, записать бэки, с кем и какие именно и т.д. Вот это уже продюсер.
🌀 Продюсер точно так же может быть на каждом этапе цепочки. Во время записи может быть продюсер записи, который фактически может вообще не подходить к оборудованию, но принимать решения и объяснять каждому участнику процесса что ему нужно делать на понятном языке. Продюсер аранжировки и продюсер сведения – такие же нормальные и допустимые термины.
📚 В эру классической аналоговой звукозаписи, в эру больших студий, во время записи всегда присутствовал продюсер записи. Это человек, который ходил и рулил процессом, следил, что сделать, как сделать, что изменить, как исполнить. Он принимал решение. Это был мозг всей записи. Именно он уже командовал режиссёрами, а режиссёры командовали инженерами. То же самое было и в процессе сведения, и в процессе мастеринга и далее.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Инженер, Режиссёр, Продюсер - кто все эти люди? Продолжение.
С базовыми определениями разобрались, продолжим на примерах, дополним и расширим картину.
🌀 Когда вам принесли мультитрек на сведение, вы, как режиссёр, вправе решать, какой инструмент должен быть громче, а какой тише, где верха срезать, а где поднять и пр. Но вы не вправе решать, что какая-то партия в песне не нужна совсем – это всё таки вопрос продюсера. Решения вида «в этом месте хочу, чтобы инструмент замолчал, потому что он лишний, давай переставим в другое место» или «тут брейка не хватает, сейчас найду где взять» – это ни что иное, как продюсирование.
📚 Так происходит на каждом этапе, потому и существует такое значительное количество названий и определений.
☑️ Звукоинженер может быть инженером записи, инженером сведения, инженером мастеринга.
☑️ Может быть звукорежиссёр записи и звукорежиссёр сведения.
☑️ Даже звукорежиссёр мастеринга возможен, если идут какие-то художественные доработки, поскольку мастеринг это чаще всего инженерно-художественный процесс. Очень много чего используется, что не совсем относится к понятию «сделать шире и громче», это сатурация, эмоции, художественная работа, фактически – звукорежиссура мастеринга.
👉 Кстати, когда аранжировщик (битмейкер) придумывает музыкальные партии, подбирает тембра, расставляет сэмплы – это аранжировка. А вот когда он записывает, редактирует, делает черновые миксы – он находится в поле звукорежиссуры и может соответствовать одной из обсуждаемых ролей.
🌀 Аналогично со словом продюсер.
☑️ Вспомним, что продюсер может присутствовать на записи, тогда он продюсер записи – продюсер записи группы, продюсер записи оркестра, продюсер записи вокала (он же вокальный продюсер).
☑️ Вокальный продюсер работает с вокалистом и добивается от него нужного исполнения объясняя, разжёвывая, подсказывая, показывая, можно сказать, он «вытягивает» из артиста песню. Это и есть вокальное продюсирование.
📚 Точно так же продюсер сведения, он же саунд-продюсер. Человек, который выжимает из исходника максимум, работая с ним как самостоятельным произведением, вкладывая свою творческую и креативную мысль (по большому счёту соавторство, хотя законодательно им не считается). Не просто художественная работа, а ещё и мозговая работа, креативность и принятие решений.
🌀 Поднимемся чуть выше. Есть понятие музыкальный продюсер. Музыкальный продюсер — это человек, который не просто занимается вопросом продюсирования отдельных этапов (аранжировка, запись, сведение, мастеринг), а занимается произведением целиком от изначальной идеи до финального мастера. Музыкальный продюсер полностью ведёт весь процесс изготовления, весь процесс творения произведения.
🌀 А дальше у нас выше по иерархии совсем большой человек – продюсер музыкального проекта (продюсер проекта, продюсер группы, продюсер артиста). То есть человек, который не просто курирует всё, влезает в каждую деталь, в каждый этап, но может и делегировать. Например, продюсер проекта может нанимать музыкального продюсера для производства непосредственно музыкального продукта. Продюсер проекта мыслит за весь проект, создаёт, лепит его, нанимая кучу других людей.
👉 Это иерархия.
☑️ Наверху продюсер проекта.
☑️ Ниже производством разных песен занимаются музыкальные продюсеры.
☑️ Ниже есть продюсер записи, продюсер сведения, продюсер мастеринга.
☑️ Ещё ниже по иерархии звукорежиссёры, режиссёры записи, сведения и мастеринга.
☑️ Ещё ниже инженеры и техники.
🌀 Реалии современного мира, особенно нашей страны таковы, что очень часто огромное количество ролей совмещается в одном человеке. Иногда это хорошо и идёт на пользу результату, иногда плохо, потому что невозможно вообще всё уметь делать очень круто, это случается крайне редко и чаще всего часть процесса всё-таки делегируется кому-то.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
С базовыми определениями разобрались, продолжим на примерах, дополним и расширим картину.
🌀 Когда вам принесли мультитрек на сведение, вы, как режиссёр, вправе решать, какой инструмент должен быть громче, а какой тише, где верха срезать, а где поднять и пр. Но вы не вправе решать, что какая-то партия в песне не нужна совсем – это всё таки вопрос продюсера. Решения вида «в этом месте хочу, чтобы инструмент замолчал, потому что он лишний, давай переставим в другое место» или «тут брейка не хватает, сейчас найду где взять» – это ни что иное, как продюсирование.
📚 Так происходит на каждом этапе, потому и существует такое значительное количество названий и определений.
☑️ Звукоинженер может быть инженером записи, инженером сведения, инженером мастеринга.
☑️ Может быть звукорежиссёр записи и звукорежиссёр сведения.
☑️ Даже звукорежиссёр мастеринга возможен, если идут какие-то художественные доработки, поскольку мастеринг это чаще всего инженерно-художественный процесс. Очень много чего используется, что не совсем относится к понятию «сделать шире и громче», это сатурация, эмоции, художественная работа, фактически – звукорежиссура мастеринга.
👉 Кстати, когда аранжировщик (битмейкер) придумывает музыкальные партии, подбирает тембра, расставляет сэмплы – это аранжировка. А вот когда он записывает, редактирует, делает черновые миксы – он находится в поле звукорежиссуры и может соответствовать одной из обсуждаемых ролей.
🌀 Аналогично со словом продюсер.
☑️ Вспомним, что продюсер может присутствовать на записи, тогда он продюсер записи – продюсер записи группы, продюсер записи оркестра, продюсер записи вокала (он же вокальный продюсер).
☑️ Вокальный продюсер работает с вокалистом и добивается от него нужного исполнения объясняя, разжёвывая, подсказывая, показывая, можно сказать, он «вытягивает» из артиста песню. Это и есть вокальное продюсирование.
📚 Точно так же продюсер сведения, он же саунд-продюсер. Человек, который выжимает из исходника максимум, работая с ним как самостоятельным произведением, вкладывая свою творческую и креативную мысль (по большому счёту соавторство, хотя законодательно им не считается). Не просто художественная работа, а ещё и мозговая работа, креативность и принятие решений.
🌀 Поднимемся чуть выше. Есть понятие музыкальный продюсер. Музыкальный продюсер — это человек, который не просто занимается вопросом продюсирования отдельных этапов (аранжировка, запись, сведение, мастеринг), а занимается произведением целиком от изначальной идеи до финального мастера. Музыкальный продюсер полностью ведёт весь процесс изготовления, весь процесс творения произведения.
🌀 А дальше у нас выше по иерархии совсем большой человек – продюсер музыкального проекта (продюсер проекта, продюсер группы, продюсер артиста). То есть человек, который не просто курирует всё, влезает в каждую деталь, в каждый этап, но может и делегировать. Например, продюсер проекта может нанимать музыкального продюсера для производства непосредственно музыкального продукта. Продюсер проекта мыслит за весь проект, создаёт, лепит его, нанимая кучу других людей.
👉 Это иерархия.
☑️ Наверху продюсер проекта.
☑️ Ниже производством разных песен занимаются музыкальные продюсеры.
☑️ Ниже есть продюсер записи, продюсер сведения, продюсер мастеринга.
☑️ Ещё ниже по иерархии звукорежиссёры, режиссёры записи, сведения и мастеринга.
☑️ Ещё ниже инженеры и техники.
🌀 Реалии современного мира, особенно нашей страны таковы, что очень часто огромное количество ролей совмещается в одном человеке. Иногда это хорошо и идёт на пользу результату, иногда плохо, потому что невозможно вообще всё уметь делать очень круто, это случается крайне редко и чаще всего часть процесса всё-таки делегируется кому-то.
#азбуказвукорежиссуры
#продюсирование
Как быстро вычислить задержку в миллисекундах (ms) для определённого темпа (bpm)?
Многие плагины умеют привязываться к темпу проекта, но увы не все и не всегда. Часто бывает полезно настроить реверберацию и разного рода модуляции точно в темп, sidechain компрессия лучше звучит в привязке к темпу песни и любые иные моменты, где присутствует время реакции и задержка обработки в миллисекундах.
❓ Для чего?
Чтобы максимально собрать грув песни в цельное монолитное движение. Это сделает ваш микс более чистым и прозрачным, уберёт лишнюю муть и грязь из-за ритмических несовпадений разных временных обработок.
⏳ Вычислить задержку в миллисекундах легко любым калькулятором. Делите 60.000 на значение bpm, и продолжаете делить пополам, пока не получите значение в нужных пределах.
Пример: темп 120 bpm.
Делим 60.000/120=500 ms (¹/4).
Делим пополам = 250 ms (¹/8).
Ещё пополам = 125 ms (¹/16).
Ещё пополам = 62.5 ms (¹/32).
Далее получаем 31.25 ms (¹/64).
Ну и часто нужные 15.62 ms (¹/128).
Вот на эти 15.62 ms полезно ставить Slap Delay и задержку на реверберацию, а для SideChain компрессии подойдут значения 31.25 и 62.5 ms.
❓ Почему 60.000?
BPM это bits per minute, количество ударов в минуту, в музыкальном формате соответствует ¹/4 (прямая бочка).
Соответственно, поскольку в минуте 60 секунд, а в каждой секунде 1000 миллисекунд, получается, что нужно 60.000 мсек делить на значение темпа, чтобы получить длительность ¹/4. А далее делить пополам для получения более мелких долей.
#сведение
Многие плагины умеют привязываться к темпу проекта, но увы не все и не всегда. Часто бывает полезно настроить реверберацию и разного рода модуляции точно в темп, sidechain компрессия лучше звучит в привязке к темпу песни и любые иные моменты, где присутствует время реакции и задержка обработки в миллисекундах.
❓ Для чего?
Чтобы максимально собрать грув песни в цельное монолитное движение. Это сделает ваш микс более чистым и прозрачным, уберёт лишнюю муть и грязь из-за ритмических несовпадений разных временных обработок.
⏳ Вычислить задержку в миллисекундах легко любым калькулятором. Делите 60.000 на значение bpm, и продолжаете делить пополам, пока не получите значение в нужных пределах.
Пример: темп 120 bpm.
Делим 60.000/120=500 ms (¹/4).
Делим пополам = 250 ms (¹/8).
Ещё пополам = 125 ms (¹/16).
Ещё пополам = 62.5 ms (¹/32).
Далее получаем 31.25 ms (¹/64).
Ну и часто нужные 15.62 ms (¹/128).
Вот на эти 15.62 ms полезно ставить Slap Delay и задержку на реверберацию, а для SideChain компрессии подойдут значения 31.25 и 62.5 ms.
❓ Почему 60.000?
BPM это bits per minute, количество ударов в минуту, в музыкальном формате соответствует ¹/4 (прямая бочка).
Соответственно, поскольку в минуте 60 секунд, а в каждой секунде 1000 миллисекунд, получается, что нужно 60.000 мсек делить на значение темпа, чтобы получить длительность ¹/4. А далее делить пополам для получения более мелких долей.
#сведение
Возникновение и передача авторских и смежных прав. Правообладание. Разрешение. Лицензионный договор. Продолжаем беседу об авторских и смежных правах с точки зрения ГК РФ.
Интеллектуальный труд и его результаты напрямую зависят от конкретного человека, уникальны и от него неотделимы.
Интеллектуальные права на любой продукт интеллектуальной деятельности (книга, дизайн-проект, фотография, мелодия, аранжировка, исполнение, фонограмма, которую вы сделали на студии – это всё интеллектуальное) передаются только по Лицензионному договору.
❗Только так и больше никак.
❎ Вы не можете купить права как бутылку молока. Бутылка молока — это имущественный продукт, простой договор купли-продажи, а права по договору купли-продажи не переходят.
✅ Права передаются только лицензионным договором от человека, который обладает этими правами к человеку, который их получает.
✴️ Вот в тот момент, когда кто-то что-то придумал и создал (автор, аранжировщик, исполнитель, ребята на студии), он не просто автор (исполнитель, изготовитель) своего продукта, он ещё и Правообладатель. Потому что изначально именно он это сделал, это его права по самому факту совершения деяния. Но дальше он может свои права передать. И передать существует два способа: разрешение и отчуждение.
✅ Когда мы даём «разрешение», это означает: «Вася, ты можешь это исполнить, ты можешь это записать, ты можешь это выпустить».
❗ Если разговор идёт про «отчуждение» прав, тогда передаётся уже само Правообладание. И с момента подписания договора вы более не можете распоряжаться тем, на что передали права.
❗ Это очень важный момент, который очень часто люди не понимают.
📃 С точки зрения лицензионного договора это выражается в передаче Исключительных и Неисключительных прав.
✅ Когда мы говорим про разрешение («Вася, ты можешь исполнять мою песню» это разрешение), мы даём Неисключительную Лицензию.
✅ У нас всё остаётся, от нас ничего не убывает. Мы просто разрешили Васе использовать результаты нашей интеллектуальной деятельности, не более.
👉 Это абсолютно безопасно.
#права
Интеллектуальный труд и его результаты напрямую зависят от конкретного человека, уникальны и от него неотделимы.
Интеллектуальные права на любой продукт интеллектуальной деятельности (книга, дизайн-проект, фотография, мелодия, аранжировка, исполнение, фонограмма, которую вы сделали на студии – это всё интеллектуальное) передаются только по Лицензионному договору.
❗Только так и больше никак.
❎ Вы не можете купить права как бутылку молока. Бутылка молока — это имущественный продукт, простой договор купли-продажи, а права по договору купли-продажи не переходят.
✅ Права передаются только лицензионным договором от человека, который обладает этими правами к человеку, который их получает.
✴️ Вот в тот момент, когда кто-то что-то придумал и создал (автор, аранжировщик, исполнитель, ребята на студии), он не просто автор (исполнитель, изготовитель) своего продукта, он ещё и Правообладатель. Потому что изначально именно он это сделал, это его права по самому факту совершения деяния. Но дальше он может свои права передать. И передать существует два способа: разрешение и отчуждение.
✅ Когда мы даём «разрешение», это означает: «Вася, ты можешь это исполнить, ты можешь это записать, ты можешь это выпустить».
❗ Если разговор идёт про «отчуждение» прав, тогда передаётся уже само Правообладание. И с момента подписания договора вы более не можете распоряжаться тем, на что передали права.
❗ Это очень важный момент, который очень часто люди не понимают.
📃 С точки зрения лицензионного договора это выражается в передаче Исключительных и Неисключительных прав.
✅ Когда мы говорим про разрешение («Вася, ты можешь исполнять мою песню» это разрешение), мы даём Неисключительную Лицензию.
✅ У нас всё остаётся, от нас ничего не убывает. Мы просто разрешили Васе использовать результаты нашей интеллектуальной деятельности, не более.
👉 Это абсолютно безопасно.
#права
Важно помнить, что все три части интеллектуальных прав (Авторство, Исполнение, Изготовление) существуют независимо друг от друга. Обладатель одной какой-то части по умолчанию, без явного разрешения в виде Лицензионного договора, не имеет доступа к другим.
❓ Что это означает?
➡️ Автор песни не имеет доступа к её Исполнению и к готовой Фонограмме.
➡️ Исполнитель произведения не имеет доступа к Авторству и к Фонограмме.
➡️ Изготовитель Фонограммы аналогично не имеет доступа к Исполнению и к Авторству.
👉 У каждого своя независимая часть прав.
Поэтому, для того, чтобы издать готовую музыкальную работу (Фонограмму) и вообще, в принципе, коммерчески использовать её где-либо, необходимо собрать все три части прав, то есть иметь на руках Лицензионные договоры от Авторов, Исполнителей и Изготовителей Фонограммы.
👥 То есть человек или компания, которые хотят получить деньги с трека любым образом, должны иметь все три части прав в одних руках. Всё просто.
💰 Концерт, за который люди платят деньги, это коммерческое мероприятие.
💰 Отправили трек на радио – это коммерческое использование.
💰 Выложили на электронной площадке – это так же коммерческая история.
💰 Даже если участвуете в благотворительном концерте, это тоже коммерческая история, потому что там ходят деньги. Не надо думать, что благотворительный концерт – это без-оплатно. Нет, это вполне себе бизнес проекты, это деньги.
❇️ И совершенно не важно, кто конкретно это делает. Для того, чтобы зарабатывать на готовом музыкальном материале деньги, нужны все три части прав одновременно.
Например, Автор песни может создать Проект. Взять исполнителей, снять студию, нанять профессионалов, подписать со всеми лицензионные договоры и собрать разрешения на использование прав. У него в итоге получатся разрешения на все три части, и он сможет продавать готовые треки. Так создаются авторско-продюсерские проекты.
Либо исполнитель купил песню, соответственно получил разрешение от авторов, потом пошёл на студию, записал песню, и они ему сделали Фонограмму. Он с автора получил разрешение, со студии получил разрешение, в итоге у него все три части. Ну сам себе же не будет договор давать, правильно? Всё! Он может зарабатывать деньги на треке.
#права
❓ Что это означает?
➡️ Автор песни не имеет доступа к её Исполнению и к готовой Фонограмме.
➡️ Исполнитель произведения не имеет доступа к Авторству и к Фонограмме.
➡️ Изготовитель Фонограммы аналогично не имеет доступа к Исполнению и к Авторству.
👉 У каждого своя независимая часть прав.
Поэтому, для того, чтобы издать готовую музыкальную работу (Фонограмму) и вообще, в принципе, коммерчески использовать её где-либо, необходимо собрать все три части прав, то есть иметь на руках Лицензионные договоры от Авторов, Исполнителей и Изготовителей Фонограммы.
👥 То есть человек или компания, которые хотят получить деньги с трека любым образом, должны иметь все три части прав в одних руках. Всё просто.
💰 Концерт, за который люди платят деньги, это коммерческое мероприятие.
💰 Отправили трек на радио – это коммерческое использование.
💰 Выложили на электронной площадке – это так же коммерческая история.
💰 Даже если участвуете в благотворительном концерте, это тоже коммерческая история, потому что там ходят деньги. Не надо думать, что благотворительный концерт – это без-оплатно. Нет, это вполне себе бизнес проекты, это деньги.
❇️ И совершенно не важно, кто конкретно это делает. Для того, чтобы зарабатывать на готовом музыкальном материале деньги, нужны все три части прав одновременно.
Например, Автор песни может создать Проект. Взять исполнителей, снять студию, нанять профессионалов, подписать со всеми лицензионные договоры и собрать разрешения на использование прав. У него в итоге получатся разрешения на все три части, и он сможет продавать готовые треки. Так создаются авторско-продюсерские проекты.
Либо исполнитель купил песню, соответственно получил разрешение от авторов, потом пошёл на студию, записал песню, и они ему сделали Фонограмму. Он с автора получил разрешение, со студии получил разрешение, в итоге у него все три части. Ну сам себе же не будет договор давать, правильно? Всё! Он может зарабатывать деньги на треке.
#права
❓ Обладает ли автор песни какими-то правами на готовое произведение (финальную фонограмму)?
👉 В этом вопросе очень часто у авторов бывает коллизия. Они думают, что имеют какие-то права на то, что исполнитель, купивший у них песню, записал и выпустил. Увы для них – нет, авторы остаются только авторами, а на финальную фонограмму прав не имеют никаких, вообще никаких.
❇️ Авторы обладают своими авторскими правами (если не передали артисту исключительные права), они у них остаются, авторы получают свои законные авторские отчисления за публичное исполнение, об этом дальше поговорим.
❇️ Но непосредственно на готовую фонограмму авторы песни прав не имеют, коммерчески использовать они её не могут, использовать исполнение артиста так же не могут.
🤷🏻♂️ Почему?
Потому что они в обратную сторону договор не получили, исполнитель и изготовитель фонограммы не дали им явного разрешения на бумаге, не дали лицензию.
➡️ Поэтому, чтобы могли всё использовать, нужны двухсторонние лицензии: «я тебе разрешаю исполнять мою песню, ты мне разрешаешь использовать твоё исполнение». И далее по цепочке.
❓ Знали об этом?
#права
👉 В этом вопросе очень часто у авторов бывает коллизия. Они думают, что имеют какие-то права на то, что исполнитель, купивший у них песню, записал и выпустил. Увы для них – нет, авторы остаются только авторами, а на финальную фонограмму прав не имеют никаких, вообще никаких.
❇️ Авторы обладают своими авторскими правами (если не передали артисту исключительные права), они у них остаются, авторы получают свои законные авторские отчисления за публичное исполнение, об этом дальше поговорим.
❇️ Но непосредственно на готовую фонограмму авторы песни прав не имеют, коммерчески использовать они её не могут, использовать исполнение артиста так же не могут.
🤷🏻♂️ Почему?
Потому что они в обратную сторону договор не получили, исполнитель и изготовитель фонограммы не дали им явного разрешения на бумаге, не дали лицензию.
➡️ Поэтому, чтобы могли всё использовать, нужны двухсторонние лицензии: «я тебе разрешаю исполнять мою песню, ты мне разрешаешь использовать твоё исполнение». И далее по цепочке.
❓ Знали об этом?
#права
Давайте акцентируем внимание на передачу Исключительных и НЕ-исключительных прав. Это очень жёсткая юридическая терминология, её важно знать и понимать.
✴️ «Исключительные» права – это мы передаём само «Правообладание». Мы отдаём возможность любым образом распоряжаться, собирать деньги и прочее, полностью всё. Поэтому и говорят об «отчуждении» прав.
✴️ В лицензионном договоре это называется «передача исключительных прав»:
✅ исключительные права на Произведение
✅ исключительные права на Исполнение
✅ исключительные права на Фонограмму.
❗ То есть мы отдаём полностью всё, у нас остаётся лишь наше Имя.
✴️ Важный момент: «Имя» неотчуждаемо по ГК. Даже если подписан договор отчуждения (переданы исключительные права), имя всё равно никуда не делось, просто теперь нет возможности распоряжаться тем, что создал.
✴️ Автор (исполнитель, изготовитель) не может получать деньги, не может кому-то ещё передать, но он остался автором (исполнителем, изготовителем), хотя и прав никаких более не имеет.
✴️ А когда мы подписываем договор передачи НЕ-исключительных прав, это для нас абсолютно безопасно.
👉 Мы просто разрешили использовать результат нашего интеллектуального труда в коммерческих целях.
👉 Всё наше осталось с нами.
Поэтому вопрос с исключительными и неисключительными правами — это вопрос общей юридической грамотности из разряда «читаем договоры мелким текстом», игнорировать который категорически нельзя.
#права
✴️ «Исключительные» права – это мы передаём само «Правообладание». Мы отдаём возможность любым образом распоряжаться, собирать деньги и прочее, полностью всё. Поэтому и говорят об «отчуждении» прав.
✴️ В лицензионном договоре это называется «передача исключительных прав»:
✅ исключительные права на Произведение
✅ исключительные права на Исполнение
✅ исключительные права на Фонограмму.
❗ То есть мы отдаём полностью всё, у нас остаётся лишь наше Имя.
✴️ Важный момент: «Имя» неотчуждаемо по ГК. Даже если подписан договор отчуждения (переданы исключительные права), имя всё равно никуда не делось, просто теперь нет возможности распоряжаться тем, что создал.
✴️ Автор (исполнитель, изготовитель) не может получать деньги, не может кому-то ещё передать, но он остался автором (исполнителем, изготовителем), хотя и прав никаких более не имеет.
✴️ А когда мы подписываем договор передачи НЕ-исключительных прав, это для нас абсолютно безопасно.
👉 Мы просто разрешили использовать результат нашего интеллектуального труда в коммерческих целях.
👉 Всё наше осталось с нами.
Поэтому вопрос с исключительными и неисключительными правами — это вопрос общей юридической грамотности из разряда «читаем договоры мелким текстом», игнорировать который категорически нельзя.
#права
Работа со звуком в домашних условиях, в обычной жилой квартире. Простые советы, которые точно работают.
По поводу работы в квартире есть реально простые методы, которыми можно улучшить себе жизнь ⤵️
✅ Во-первых, это большой крупноворсовый ковёр на полу, закройте пол, уберите отражения.
✅ Во-вторых, тканевый диван, плотные шторы, можно в два слоя.
✅ В-третьих, устраните большие отражающие поверхности (длинные пустые гладкие стены). Разбейте, поделите их любым способом, хоть открытыми деревянными полками, чем угодно, но больших отражающих поверхностей лучше избегать.
👉 Не обязательно делать комнату в комнате, особенно, если у вас нет на это времени, ресурсов и возможностей. Однако, немножко подглушить комнату всегда можно.
🔊 А дальше многое будет зависеть от того, что у вас с мониторингом, какая акустика. В неподготовленном помещении не делайте звук громко, не заводите пространство, вам и так всё будет слышно. Старайтесь слушать чистый звук из мониторов. Если мониторы хорошие, даже на тихой громкости вы всё услышите. В жилом помещении звук начинает "гулять" , поэтому громко делать не следует.
➡️ Из практики скажу так.
Почти под любой звук можно привыкнуть. Послушали сколько-то времени известный мировой материал, потом что-то своё, что раньше делали. Уши калибруются, мозг привыкает и всё будет нормально. Ну потратите неделю-две на привычку. Ну да. А потом всё 👍😉
По поводу работы в квартире есть реально простые методы, которыми можно улучшить себе жизнь ⤵️
✅ Во-первых, это большой крупноворсовый ковёр на полу, закройте пол, уберите отражения.
✅ Во-вторых, тканевый диван, плотные шторы, можно в два слоя.
✅ В-третьих, устраните большие отражающие поверхности (длинные пустые гладкие стены). Разбейте, поделите их любым способом, хоть открытыми деревянными полками, чем угодно, но больших отражающих поверхностей лучше избегать.
👉 Не обязательно делать комнату в комнате, особенно, если у вас нет на это времени, ресурсов и возможностей. Однако, немножко подглушить комнату всегда можно.
🔊 А дальше многое будет зависеть от того, что у вас с мониторингом, какая акустика. В неподготовленном помещении не делайте звук громко, не заводите пространство, вам и так всё будет слышно. Старайтесь слушать чистый звук из мониторов. Если мониторы хорошие, даже на тихой громкости вы всё услышите. В жилом помещении звук начинает "гулять" , поэтому громко делать не следует.
➡️ Из практики скажу так.
Почти под любой звук можно привыкнуть. Послушали сколько-то времени известный мировой материал, потом что-то своё, что раньше делали. Уши калибруются, мозг привыкает и всё будет нормально. Ну потратите неделю-две на привычку. Ну да. А потом всё 👍😉
Путь к успеху
Несколько свежих постов на тему артистов, песен и успеха высветили в комментариях полное непонимание и что ещё хуже, отрицание реальности. Ребята с таким рвением спорят с очевидным, что я порой теряюсь в ответах на их возмущения 😉
Друзья!
Есть объективная реальность, есть устоявшиеся правила игры внутри музыкальной индустрии. Это большой бизнес, в котором давно всё распределено по нишам и "песочницам". Время идёт, меняются площадки, меняются методы, меняются стили и музыкальные направления, но суть остаётся прежней.
Когда-то балом правили крупные радио и теле каналы, сейчас у руля распределения ротаций массовые соц.сети. Изменилось место, но не изменилась основа, её глубинная суть.
Эфирное время это ограниченный и, следовательно, дорогой ресурс. Почему? Да потому, что новых роликов и новых песен выходит миллионы. Ни одна сеть не в состоянии показать их все всем, чтобы полностью вычислить ценность и дать больший охват. Логично?
Следовательно, сеть начинает ставить внутренний рейтинг и вводить ограничения на показы и охват.
Одновременно с этим не забываем, что любая соц.сеть это бизнес проект, а значит её владельцы никого не собираются делать звёздами просто так. Владельцев интересует доход и только доход. Значит, своё эфирное время любая сеть будет пытаться продать как можно дороже. Каким образом? Через рекламу треков.
Чем это отличается от ситуации 20 лет назад?
👉 Да ничем 🤷🏻♂️
Есть ограниченный ресурс (эфирное время), который все стараются продать подороже. Какой напрашивается логичный вывод? Для успеха любого трека нужно договориться с сетью (купить рекламу) каким-то способом. Вот и всё.
Любые способы накрутить просмотры не так уж и просты, да и денег стоят. Сети давно научились накрутки вычислять и обнулять счётчики, а то и блокировать профили. Опасные игры.
Ничего само собой не происходит, никакая песня, сколь угодно гениальная, не становится хитом автоматически просто потому, что" автор гениален". Не бывает так. Успех это длинная цепочка труда, вложений и событий, которая медленно но верно ведёт (или не ведёт) трек к успеху.
👇👇👇
Что можно сделать, чтобы ускорить этот процесс?
На каждом этапе выжимать максимум возможного, как в вопросах творчества и инженерии, так и в вопросах рекламы и продвижения.
Вот именно это я и пытаюсь донести, когда рассказываю артистам о пути к успеху.
#продюсирование
Несколько свежих постов на тему артистов, песен и успеха высветили в комментариях полное непонимание и что ещё хуже, отрицание реальности. Ребята с таким рвением спорят с очевидным, что я порой теряюсь в ответах на их возмущения 😉
Друзья!
Есть объективная реальность, есть устоявшиеся правила игры внутри музыкальной индустрии. Это большой бизнес, в котором давно всё распределено по нишам и "песочницам". Время идёт, меняются площадки, меняются методы, меняются стили и музыкальные направления, но суть остаётся прежней.
Когда-то балом правили крупные радио и теле каналы, сейчас у руля распределения ротаций массовые соц.сети. Изменилось место, но не изменилась основа, её глубинная суть.
Эфирное время это ограниченный и, следовательно, дорогой ресурс. Почему? Да потому, что новых роликов и новых песен выходит миллионы. Ни одна сеть не в состоянии показать их все всем, чтобы полностью вычислить ценность и дать больший охват. Логично?
Следовательно, сеть начинает ставить внутренний рейтинг и вводить ограничения на показы и охват.
Одновременно с этим не забываем, что любая соц.сеть это бизнес проект, а значит её владельцы никого не собираются делать звёздами просто так. Владельцев интересует доход и только доход. Значит, своё эфирное время любая сеть будет пытаться продать как можно дороже. Каким образом? Через рекламу треков.
Чем это отличается от ситуации 20 лет назад?
👉 Да ничем 🤷🏻♂️
Есть ограниченный ресурс (эфирное время), который все стараются продать подороже. Какой напрашивается логичный вывод? Для успеха любого трека нужно договориться с сетью (купить рекламу) каким-то способом. Вот и всё.
Любые способы накрутить просмотры не так уж и просты, да и денег стоят. Сети давно научились накрутки вычислять и обнулять счётчики, а то и блокировать профили. Опасные игры.
Ничего само собой не происходит, никакая песня, сколь угодно гениальная, не становится хитом автоматически просто потому, что" автор гениален". Не бывает так. Успех это длинная цепочка труда, вложений и событий, которая медленно но верно ведёт (или не ведёт) трек к успеху.
👇👇👇
Что можно сделать, чтобы ускорить этот процесс?
На каждом этапе выжимать максимум возможного, как в вопросах творчества и инженерии, так и в вопросах рекламы и продвижения.
Вот именно это я и пытаюсь донести, когда рассказываю артистам о пути к успеху.
#продюсирование
Как понять, что у тебя хорошая музыка, а не просто друзья так говорят?
Прежде всего друзья — это люди, которые должны вас хвалить, ибо они ваши друзья. Если друзья говорят, что вы делаете «полное фуфло», это отрубает весь творческий посыл и всю вашу креативность. Когда даже друзья говорят что «всё плохо», чаще всего начинается депрессия и полное падение творческой активности. Поэтому друзья должны хвалить, а ругать должны те, кто вас совершенно не знает.
Плюс помним, что в сети обычно как: если людям понравилось, они в лучшем случае поставили лайк и пошли дальше. Они не будут вам писать большие красивые оды «ой какая крутая песня», «как всё классно звучит». Чаще всего не будут. А вот если им что-то не понравилось или у них просто день не задался, тогда они могут вам там написать много всякой чуши просто потому, что у них день не задался и им хочется куда-то свой лишний негатив сбросить.
Поэтому, когда друзья вас хвалят, это не говорит вообще ни о чём. Пытайтесь выкладывать в сеть, на площадки, и смотреть, что люди пишут в комментариях. Очень внимательно изучайте негативные отзывы. Именно там, где вас ругают, стоит слушать и смотреть на себя со стороны.
Ещё будет грамотно дать профи на рецензию. Не друзьям, а именно эксперту. Ко мне частенько приходят ребята с подобной задачей: проанализировать «что хорошо, что плохо» и найти пути, как и что можно улучшить. Это путь развития.
Когда люди хотят стать лучше, хотят стать более востребованными, это путь по лестнице вверх. Пока вы не являетесь экспертом в какой-то области, очень сложно оценить насколько круто или нет то, что ты сам делаешь. Насколько эффективно. Поэтому обращение к опытному профи всегда разумно.
В музыке конечная оценка — это люди. Идут за вами миллионы или не идут.
Вы выложили куда-то свой новый трек, сделали продвижение. Придумали что-то интересное, необычное, продвигаете его, пробуете разное. И потом уже анализируете: где пошло, где не пошло, как люди отзываются, какой получается рейтинг лайков/дизлайков на количество просмотров.
Помним, что конверсия редко бывает больше десяти процентов, то есть суммарное количество реакций должно быть в районе 5-10%. Фантастика в соседнем зале, так что 20-30% не ждите, так не бывает. А полученный 1% реакций означает, что вы совсем не попали в аудиторию, разместили где-то не там.
То есть, ребята, вопрос получения результата — это обязательный анализ. Мы делаем, пробуем, потом сидим и смотрим: тут получилось, тут не получилось, это хорошая была мысль, а это была явно неудачная. И вот так двигаемся, двигаемся и двигаемся. А больше никак. Это путь развития, а путь развития без анализа своих ошибок невозможен.
#продюсирование
Прежде всего друзья — это люди, которые должны вас хвалить, ибо они ваши друзья. Если друзья говорят, что вы делаете «полное фуфло», это отрубает весь творческий посыл и всю вашу креативность. Когда даже друзья говорят что «всё плохо», чаще всего начинается депрессия и полное падение творческой активности. Поэтому друзья должны хвалить, а ругать должны те, кто вас совершенно не знает.
Плюс помним, что в сети обычно как: если людям понравилось, они в лучшем случае поставили лайк и пошли дальше. Они не будут вам писать большие красивые оды «ой какая крутая песня», «как всё классно звучит». Чаще всего не будут. А вот если им что-то не понравилось или у них просто день не задался, тогда они могут вам там написать много всякой чуши просто потому, что у них день не задался и им хочется куда-то свой лишний негатив сбросить.
Поэтому, когда друзья вас хвалят, это не говорит вообще ни о чём. Пытайтесь выкладывать в сеть, на площадки, и смотреть, что люди пишут в комментариях. Очень внимательно изучайте негативные отзывы. Именно там, где вас ругают, стоит слушать и смотреть на себя со стороны.
Ещё будет грамотно дать профи на рецензию. Не друзьям, а именно эксперту. Ко мне частенько приходят ребята с подобной задачей: проанализировать «что хорошо, что плохо» и найти пути, как и что можно улучшить. Это путь развития.
Когда люди хотят стать лучше, хотят стать более востребованными, это путь по лестнице вверх. Пока вы не являетесь экспертом в какой-то области, очень сложно оценить насколько круто или нет то, что ты сам делаешь. Насколько эффективно. Поэтому обращение к опытному профи всегда разумно.
В музыке конечная оценка — это люди. Идут за вами миллионы или не идут.
Вы выложили куда-то свой новый трек, сделали продвижение. Придумали что-то интересное, необычное, продвигаете его, пробуете разное. И потом уже анализируете: где пошло, где не пошло, как люди отзываются, какой получается рейтинг лайков/дизлайков на количество просмотров.
Помним, что конверсия редко бывает больше десяти процентов, то есть суммарное количество реакций должно быть в районе 5-10%. Фантастика в соседнем зале, так что 20-30% не ждите, так не бывает. А полученный 1% реакций означает, что вы совсем не попали в аудиторию, разместили где-то не там.
То есть, ребята, вопрос получения результата — это обязательный анализ. Мы делаем, пробуем, потом сидим и смотрим: тут получилось, тут не получилось, это хорошая была мысль, а это была явно неудачная. И вот так двигаемся, двигаемся и двигаемся. А больше никак. Это путь развития, а путь развития без анализа своих ошибок невозможен.
#продюсирование
Четыре главных раздела любого лицензионного договора
Продолжаем нашу большую беседу про авторские и смежные права. Обсудим подробно вопрос лицензионного договора и его содержание.
Мы уже выяснили, что передача интеллектуальных прав всегда идёт только через Лицензионный договор, но есть нюанс.
Любой лицензионный договор всегда даётся на коммерческое использование. Если вы передаёте кому-то права на результат своей интеллектуальной деятельности, вы тем самым даёте разрешение на коммерческое использование.
Почему?
С точки зрения законодательства нельзя кому-то передать права безвозмездно. Вообще нельзя. Любая сумма (100, 500, 1000), но она явно должна быть прописана в договоре.
👉 В каждый лицензионный договор вписывается несколько важных ключевых моментов.
1️⃣ Первое – это «Территория». На какую территорию распространяется лицензия? Можно указать «весь мир» или список стран, можно указать весь мир исключая какие-то страны. Но это абсолютно чётко должно быть прописано.
Никакого «по умолчанию» здесь нет. Если ничего не написано, значит ни на что и не распространяется. То есть это такой странный лицензионный договор получается ни о чём.
2️⃣ Помимо стран есть понятие «Объём прав»: что конкретно мы разрешаем делать. Там идёт строгий список пунктов, написанный совершенно иезуитским юридическим языком, но с точки зрения законодательства – это те самые допустимые варианты использования объекта прав.
К примеру, есть такой термин «импорт экземпляров фонограммы» и иные подобные штуки.
С точки зрения объёма прав важный момент – это «переработка произведения». Для того, чтобы изготовить фонограмму, записать исполнение или сделать аранжировку, то есть изменить что-либо в произведении в любом месте, требуется разрешение на переработку.
Если автор дал исполнителю только «разрешение на исполнение», и в лицензионном договоре нет пункта «разрешение на переработку», то ничего в песне менять нельзя. Просто под гитару можно спеть или под рояль: нота в ноту, буква в букву. И всё. Юридически больше ничего нельзя.
А если даётся «разрешение на переработку», тогда можно добавлять нот, что-то корректировать, заменять или добавлять строчки, создавать аранжировку и так далее. Этот пункт очень важен 👍
3️⃣ Третий обязательный блок каждого лицензионного договора: «Срок действия» разрешения (лицензии). Можно дать лицензию на год, можно дать на пять, на десять лет. А можно и «на весь срок охраны прав», такая формулировка возможна.
Срок действия зависит от конкретной задачи, это всегда индивидуальный разговор двух субъектов, которые договариваются. Значений «по умолчанию» нет.
4️⃣ Четвертая важная часть, которая обязательно присутствует в каждом лицензионном договоре, это финансовые условия. А здесь вы можете придумать всё, что угодно.
В самом простом варианте это некая фиксированная сумма. Но сюда можно вписать на самом деле всё, что угодно. Вы можете вписать роялти с продаж, даже абонентскую плату. Ваша фантазия безгранична.
Главное, что обязательно должны деньги проходить по договору. Если у вас в лицензионном договоре нет финансовых условий, он автоматически не легитимный.
👉 Так что можете смело придумывать любые фантазии по территории, объёму прав, сроку и по оплате. Но следите, чтобы все четыре части обязательно присутствовали в договоре.
#права
Продолжаем нашу большую беседу про авторские и смежные права. Обсудим подробно вопрос лицензионного договора и его содержание.
Мы уже выяснили, что передача интеллектуальных прав всегда идёт только через Лицензионный договор, но есть нюанс.
Любой лицензионный договор всегда даётся на коммерческое использование. Если вы передаёте кому-то права на результат своей интеллектуальной деятельности, вы тем самым даёте разрешение на коммерческое использование.
Почему?
С точки зрения законодательства нельзя кому-то передать права безвозмездно. Вообще нельзя. Любая сумма (100, 500, 1000), но она явно должна быть прописана в договоре.
👉 В каждый лицензионный договор вписывается несколько важных ключевых моментов.
1️⃣ Первое – это «Территория». На какую территорию распространяется лицензия? Можно указать «весь мир» или список стран, можно указать весь мир исключая какие-то страны. Но это абсолютно чётко должно быть прописано.
Никакого «по умолчанию» здесь нет. Если ничего не написано, значит ни на что и не распространяется. То есть это такой странный лицензионный договор получается ни о чём.
2️⃣ Помимо стран есть понятие «Объём прав»: что конкретно мы разрешаем делать. Там идёт строгий список пунктов, написанный совершенно иезуитским юридическим языком, но с точки зрения законодательства – это те самые допустимые варианты использования объекта прав.
К примеру, есть такой термин «импорт экземпляров фонограммы» и иные подобные штуки.
С точки зрения объёма прав важный момент – это «переработка произведения». Для того, чтобы изготовить фонограмму, записать исполнение или сделать аранжировку, то есть изменить что-либо в произведении в любом месте, требуется разрешение на переработку.
Если автор дал исполнителю только «разрешение на исполнение», и в лицензионном договоре нет пункта «разрешение на переработку», то ничего в песне менять нельзя. Просто под гитару можно спеть или под рояль: нота в ноту, буква в букву. И всё. Юридически больше ничего нельзя.
А если даётся «разрешение на переработку», тогда можно добавлять нот, что-то корректировать, заменять или добавлять строчки, создавать аранжировку и так далее. Этот пункт очень важен 👍
3️⃣ Третий обязательный блок каждого лицензионного договора: «Срок действия» разрешения (лицензии). Можно дать лицензию на год, можно дать на пять, на десять лет. А можно и «на весь срок охраны прав», такая формулировка возможна.
Срок действия зависит от конкретной задачи, это всегда индивидуальный разговор двух субъектов, которые договариваются. Значений «по умолчанию» нет.
4️⃣ Четвертая важная часть, которая обязательно присутствует в каждом лицензионном договоре, это финансовые условия. А здесь вы можете придумать всё, что угодно.
В самом простом варианте это некая фиксированная сумма. Но сюда можно вписать на самом деле всё, что угодно. Вы можете вписать роялти с продаж, даже абонентскую плату. Ваша фантазия безгранична.
Главное, что обязательно должны деньги проходить по договору. Если у вас в лицензионном договоре нет финансовых условий, он автоматически не легитимный.
👉 Так что можете смело придумывать любые фантазии по территории, объёму прав, сроку и по оплате. Но следите, чтобы все четыре части обязательно присутствовали в договоре.
#права
Как происходит создание музыки в студийном мире от авторской идеи до готовой фонограммы.
Есть два основных подхода: классическая цепочка, которая идёт ещё от истоков аналоговой звукозаписи, и современная модная тема, так называемая техника «Track-and-Hook». Это как раз «привет битмейкерам». Давайте разбираться.
Классическая схема студийного производства музыки родилась давно, это истоки создания и написания песен. Сначала придумывали мелодию и текст, так появлялась «песня». После этого наше музыкальное произведение следовало разложить на музыкальную партитуру, создать музыкальную нотную аранжировку, чтобы её можно было не только спеть, но и сыграть на нескольких музыкальных инструментах.
После этого, соответственно, всё нужно было отрепетировать, режиссировать, продумать детали исполнения и записать. Напомню, никаких компьютеров не было. У нас были музыканты, инструменты и вокалисты. И, о счастье, плёночные многоканальные магнитофоны. Так что мы могли всё зафиксировать на студийном носителе. Что у нас в итоге получалось? Запись произведения, много-много дорожек и разных дублей.
Естественно, что какие-то дубли были удачные, какие-то неудачные. Нужно было все их прослушать, что-то может быть выкинуть, что-то почистить. Был определённый элемент редакции. Да, да! На плёнке тоже редактировали запись, резали и клеили. Непосредственно саму многоканальную плёнку и резали, могли даже разные дубли совмещать. Это была отдельная инженерия, отдельное искусство.
Уже четыре этапа получается: придумали песню, сделали аранжировку, записали и отредактировали. Пятый этап – процесс сведения. Процесс сбора всего, что мы имеем (инструменты и голоса), в одну цельную звуковую картинку. Процесс получения готового микса, итогового файла произведения. Раньше – на плёнке, потом на диске, сейчас в файле.
Процесс сведения композиции может быть с меньшим количеством режиссуры и креатива, с меньшим вмешательством, если исходник хороший и в нём всё продумано, а может быть и с большим, если имеются проблемы. За пультом может быть простой звукорежиссёр, а может быть и опытный продюсер. Разброс вариантов большой и процесс этот непростой. Но именно на этом этапе у нас появляется готовое произведение, готовая студийная фонограмма.
Но её ещё нельзя выпустить в тираж, потому что мы имеем студийный формат, который хорошо звучит только в студии. Нам нужно адаптировать его под бытовые носители, то есть сделать мастеринг. Это – финальная стадия классического процесса создания песни от момента, когда авторы (композитор и поэт) придумали песню, до готовой финальной фонограммы, которую можно пустить в тираж.
Современная технология, которая родилась уже в исключительно в эпоху цифрового звука, техника «Track-and-Hook». Это полный «шиворот навыворот». Можно сказать, что песни ещё нет, а создаётся сразу аранжировка. И аранжировщик выступает одновременно как композитор. Именно оттуда пошло понятие Bitmaker.
Битмейкер придумывает изначально всю основу, всю музыкальную партитуру. Он придумывает гармонию и всё музыкальное наполнение ещё несуществующей песни. И в зависимости от того, насколько он внедряется в музыкальную часть, он может считаться не только аранжировщиком, но и автором.
Итак, сначала создаётся «минус», инструментальная фонограмма. Именно она и называется словом «бит», а её создатель – «битмейкером». И только потом на этот бит придумывается песня. У америкосов даже есть отдельная профессия – «топлайнеры». Люди, которые придумывают разные отрывки мелодий со словами, набрасывают разные идеи на бит. А уже продюсер произведения из этих кусочков комбинирует новую песню. Он же фактически и является её автором.
По такому рецепту создано большинство американских топовых хитов. Именно по этой схеме работает вся мировая рэп индустрия. Сначала есть некий бит (готовая аранжировка и её фонограмма по сути ещё несуществующего произведения) и на неё сверху что-то придумывается. Теперь вы знаете, как это называется. Это техника «Track-And-Hook».
#продюсирование
Есть два основных подхода: классическая цепочка, которая идёт ещё от истоков аналоговой звукозаписи, и современная модная тема, так называемая техника «Track-and-Hook». Это как раз «привет битмейкерам». Давайте разбираться.
Классическая схема студийного производства музыки родилась давно, это истоки создания и написания песен. Сначала придумывали мелодию и текст, так появлялась «песня». После этого наше музыкальное произведение следовало разложить на музыкальную партитуру, создать музыкальную нотную аранжировку, чтобы её можно было не только спеть, но и сыграть на нескольких музыкальных инструментах.
После этого, соответственно, всё нужно было отрепетировать, режиссировать, продумать детали исполнения и записать. Напомню, никаких компьютеров не было. У нас были музыканты, инструменты и вокалисты. И, о счастье, плёночные многоканальные магнитофоны. Так что мы могли всё зафиксировать на студийном носителе. Что у нас в итоге получалось? Запись произведения, много-много дорожек и разных дублей.
Естественно, что какие-то дубли были удачные, какие-то неудачные. Нужно было все их прослушать, что-то может быть выкинуть, что-то почистить. Был определённый элемент редакции. Да, да! На плёнке тоже редактировали запись, резали и клеили. Непосредственно саму многоканальную плёнку и резали, могли даже разные дубли совмещать. Это была отдельная инженерия, отдельное искусство.
Уже четыре этапа получается: придумали песню, сделали аранжировку, записали и отредактировали. Пятый этап – процесс сведения. Процесс сбора всего, что мы имеем (инструменты и голоса), в одну цельную звуковую картинку. Процесс получения готового микса, итогового файла произведения. Раньше – на плёнке, потом на диске, сейчас в файле.
Процесс сведения композиции может быть с меньшим количеством режиссуры и креатива, с меньшим вмешательством, если исходник хороший и в нём всё продумано, а может быть и с большим, если имеются проблемы. За пультом может быть простой звукорежиссёр, а может быть и опытный продюсер. Разброс вариантов большой и процесс этот непростой. Но именно на этом этапе у нас появляется готовое произведение, готовая студийная фонограмма.
Но её ещё нельзя выпустить в тираж, потому что мы имеем студийный формат, который хорошо звучит только в студии. Нам нужно адаптировать его под бытовые носители, то есть сделать мастеринг. Это – финальная стадия классического процесса создания песни от момента, когда авторы (композитор и поэт) придумали песню, до готовой финальной фонограммы, которую можно пустить в тираж.
Современная технология, которая родилась уже в исключительно в эпоху цифрового звука, техника «Track-and-Hook». Это полный «шиворот навыворот». Можно сказать, что песни ещё нет, а создаётся сразу аранжировка. И аранжировщик выступает одновременно как композитор. Именно оттуда пошло понятие Bitmaker.
Битмейкер придумывает изначально всю основу, всю музыкальную партитуру. Он придумывает гармонию и всё музыкальное наполнение ещё несуществующей песни. И в зависимости от того, насколько он внедряется в музыкальную часть, он может считаться не только аранжировщиком, но и автором.
Итак, сначала создаётся «минус», инструментальная фонограмма. Именно она и называется словом «бит», а её создатель – «битмейкером». И только потом на этот бит придумывается песня. У америкосов даже есть отдельная профессия – «топлайнеры». Люди, которые придумывают разные отрывки мелодий со словами, набрасывают разные идеи на бит. А уже продюсер произведения из этих кусочков комбинирует новую песню. Он же фактически и является её автором.
По такому рецепту создано большинство американских топовых хитов. Именно по этой схеме работает вся мировая рэп индустрия. Сначала есть некий бит (готовая аранжировка и её фонограмма по сути ещё несуществующего произведения) и на неё сверху что-то придумывается. Теперь вы знаете, как это называется. Это техника «Track-And-Hook».
#продюсирование
Сколько по вашему мнению минимально времени необходимо от этапа "запись вокала и бэк-вокала" до мастеринга готовой фонограммы?
Часто сталкиваюсь с тем, что даже опытные казалось бы артисты не отдают себе отчёт в том, что есть объективные минимальные сроки, обусловленные чисто инженерно и технически. Ну невозможно кликать мышкой быстрее. Мы не говорим про режим "и так сойдёт", а чтобы хотя бы инженерно грамотно всё сделать. И даже не говорим про "фишечки как у мадонны" 😂
Даже если отбросить вообще всё и заниматься только одной песней, не читая новости и не выкладывая ничего в ленты (заметили, как периодически тихо в лентах), всё равно минимальный срок 7-8 дней и никак не меньше. А если просят уложиться в пять? Или в три? А если надо было вчера? 😂
Автоматика не поможет, даже волшебный ReVoice лишь немного сэкономит время ценой качества. Думать некогда, глаза видят, уши слышат, руки делают. Творчество? Вы серьёзно? В таком режиме внимательное отношение, творчество и новые идеи абсолютно невозможны 😂😂😂
Мы в таком режиме делали теле проекты. Там оправдан конвейер, работа на опыте и автопилоте, режим "куда несёт, туда и едем". Но делать в таком порядке материал в массы? Это как минимум неуважение к своим слушателям.
Согласен, можно тупо дать автотюн на все дорожки и склеить с минусом от аранжировщика, на который записывали вокал. Но можно ли считать такой продукт студийным? Это уже какое-то "хоум видео" получается 😂, а я совсем не такой работе обучаю ребят в марафонах и такой процесс не приемлю.
Так сколько времени необходимо от этапа "запись вокала и бэк-вокала" до мастеринга готовой фонограммы?
#вокал #бэквокал #запись
Часто сталкиваюсь с тем, что даже опытные казалось бы артисты не отдают себе отчёт в том, что есть объективные минимальные сроки, обусловленные чисто инженерно и технически. Ну невозможно кликать мышкой быстрее. Мы не говорим про режим "и так сойдёт", а чтобы хотя бы инженерно грамотно всё сделать. И даже не говорим про "фишечки как у мадонны" 😂
Даже если отбросить вообще всё и заниматься только одной песней, не читая новости и не выкладывая ничего в ленты (заметили, как периодически тихо в лентах), всё равно минимальный срок 7-8 дней и никак не меньше. А если просят уложиться в пять? Или в три? А если надо было вчера? 😂
Автоматика не поможет, даже волшебный ReVoice лишь немного сэкономит время ценой качества. Думать некогда, глаза видят, уши слышат, руки делают. Творчество? Вы серьёзно? В таком режиме внимательное отношение, творчество и новые идеи абсолютно невозможны 😂😂😂
Мы в таком режиме делали теле проекты. Там оправдан конвейер, работа на опыте и автопилоте, режим "куда несёт, туда и едем". Но делать в таком порядке материал в массы? Это как минимум неуважение к своим слушателям.
Согласен, можно тупо дать автотюн на все дорожки и склеить с минусом от аранжировщика, на который записывали вокал. Но можно ли считать такой продукт студийным? Это уже какое-то "хоум видео" получается 😂, а я совсем не такой работе обучаю ребят в марафонах и такой процесс не приемлю.
Так сколько времени необходимо от этапа "запись вокала и бэк-вокала" до мастеринга готовой фонограммы?
#вокал #бэквокал #запись
Артисты, радио и сети: кто кому чего и на каких условиях
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, как и любых действительно крупных интернет площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
https://telegra.ph/artists-radio-nwks-12-28
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, как и любых действительно крупных интернет площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться.
https://telegra.ph/artists-radio-nwks-12-28
Telegraph
Артисты, радио и сети: кто кому чего и на каких условиях
Взаимоотношения артистов и крупных радио станций и телеканалов, как и любых действительно популярных интернет площадок с многомиллионными охватами не так просты, как могут показаться. Давайте разбираться. Что такое крупное радио для артиста? ✅ Прежде всего…
Режиссура звука: начало
Термин «звукорежиссура» известен многим. Но что это такое и кто там чего режиссирует? Начнём с истоков, с больших аналоговых студий звукозаписи. Это как раз те самые «тёплые ламповые» 60е/70е/80е. Времена, когда волшебство создания, режиссуры и продюсирования звука стало возможным и развивалось стремительно.
https://telegra.ph/analog-studios-02-15
Термин «звукорежиссура» известен многим. Но что это такое и кто там чего режиссирует? Начнём с истоков, с больших аналоговых студий звукозаписи. Это как раз те самые «тёплые ламповые» 60е/70е/80е. Времена, когда волшебство создания, режиссуры и продюсирования звука стало возможным и развивалось стремительно.
https://telegra.ph/analog-studios-02-15
Telegraph
Режиссура звука: начало
Термин «звукорежиссура» известен многим. Но что это такое и кто там чего режиссирует? Начнём с истоков, с больших аналоговых студий звукозаписи. Это как раз те самые «тёплые ламповые» 60е/70е/80е. Времена, когда волшебство создания, режиссуры и продюсирования…
На основном канале ART MUSIC CENTER активности больше. Времени на статьи требуется много, поэтому не получается делать их в той мере, как хочется.
Заходите: https://t.me/artmusiccenter
Общий чат: https://t.me/+-amN2UT5qN1iNGU6
Заходите: https://t.me/artmusiccenter
Общий чат: https://t.me/+-amN2UT5qN1iNGU6