​​Первая симфония Шостаковича.

Дипломная работа юного (19), но очень одаренного выпускника Ленинградской консерватории.

Первое исполнение было организовано Александром Глазуновым, в то время директором консерватории. Он всячески поддерживал юного музыканта, видя в нём огромное дарование.

Из воспоминаний матери Шостаковича:
«Попытаюсь описать вам наши волнения в связи с исполнением Митиной симфонии. Всю зиму мы жили ожиданием этого события. Митя считал дни и часы. Наступил день концерта. Митя не спал всю ночь. В половине девятого мы приехали в филармонию. К девяти часам зал был полон. Что я почувствовала, увидев дирижера Николая Малько, готового поднять свою палочку, невозможно передать. Могу только сказать, что иногда бывает трудно пережить даже великое счастье… Все прошло блестяще — великолепный оркестр, превосходное исполнение… Но самый большой успех выпал на Митину долю. По окончании симфонии Митю вызывали ещё и ещё. Когда наш юный композитор, казавшийся совсем мальчиком, появился на эстраде, бурные восторги публики перешли в овацию…»

Сегодня я предлагаю вам послушать вторую, очень яркую, искромётную, часть симфонии, открывшей всему миру (уже через 5 лет ей дирижировал сам Артуро Тосканини) гений Дмитрия Дмитриевича.

Понять музыку

Заметки об инструментовке. Михаил Иванович Глинка.

В 1852 году Глинка продиктовал Серову (композитору, музыкальному критику) свои мысли по поводу всех инструментов симфонического оркестра. Получилось всего шесть страниц. Их и опубликовали (в 1856).

Конечно же, нельзя воспринимать эти заметки как полноценное учебное пособие. А вот в качестве дополнительной подсказки, почему бы и нет? К тому же инструменты там описаны очень остроумно. Настолько остроумно, что некоторые фразы сразу же впечатываются в память.

К примеру, о гобое: «Мягкая октава гобоя — от а до а. Выше — крик; ниже — гусь».

Или вот о струнных инструментах: «Их главный характер — движение. Чем больше движения, змеиных извивов дано смычкам, тем лучше оркестровка… Нет никакой надобности следовать общепринятой рутине, чтобы первые скрипки были выше вторых, вторые выше альтов, альты выше виолончелей. Напротив, чем больше будут сплетаться и расплетаться эти змеиные инструменты, тем ближе будут к своему натуральному характеру, тем лучше и выполнят свою роль в оркестре».

"Заметки" написаны очень ярко, ёмко и предельно понятно. Если вдруг кто-то захочет прочитать все шесть страничек полностью – жмите сюда.

Понять музыку

Утренняя пробежка. Morning running.

Делюсь с вами ещё одним своим произведением из предстоящего осеннего альбома.

Весь альбом вы сможете послушать на всех площадках уже 31 августа.

Понять музыку

​​Оркестр. Почему так называется?

Само слово «орхестра» (“orchestra”) древнегреческого происхождения. Первоначальное его значение – «место для плясок».

Орхестра в античном древнегреческом театре, как говорит нам Википедия, это круглая (затем полукруглая) площадка для выступлений актёров, хора и отдельных музыкантов. Находилась она прямо перед зрительскими местами.

А как же она вообще появилась? Ещё немного Википедии: «Первая круглая орхестра появилась у подножия афинского Акрополя. На ней выступали хоры — пели и танцевали дифирамбы в честь бога Диониса. Когда дифирамб трансформировался в трагедию, театр унаследовал орхестру как сценическую площадку для актёров и хора».

Гораздо позже, театры, строившиеся в эпоху Возрождения (с её преклонением перед античностью) унаследовали свои формы от античных театров. А сама орхестра постепенно трансформировалась в оркестровую яму, а также дала название находившемуся в ней коллективу музыкантов – оркестру.

Понять музыку

Великие пианисты. Кто у кого учился?

Вот вам интересная схема. Почти каждый на ней – величайший пианист своего времени.

А кто из них отец-основатель фортепианной школы? От кого идут все линии?

Правильно, от Карла Черни. А вы не хотите играть его этюдов. Ещё было бы полезно вспомнить, у кого учился сам Черни. А учился он, ни много ни мало, у Бетховена!

Такая вот преемственность поколений.

Понять музыку

Как музыканту реагировать на критику?

Если совет или замечание конструктивное (даётся какая-то конкретная рекомендация, а не просто «это плохо») – можно и прислушаться, спросить, что именно не понравилось, почему должно быть по-другому и узнать, какие конкретные действия нужно предпринять, чтобы сделать лучше. Ещё нужно понимать, связана ли претензия с какими-то вкусовыми вопросами. Ведь вкусы у всех разные!

Если же критика неконструктивна (необоснованные, ничем немотивированные замечания, советы) – можно смело не слушать. Может быть у человека сегодня настроение плохое! Может быть, проблемы накопились. Вы здесь не при чём, поэтому не переживайте. Можете дать ему выговориться. А можете сразу же после его замечания улыбнуться и от души поблагодарить за совет.

Чего точно не нужно делать, так это принимать слова такого «советчика» всерьёз. Пропустите их мимо себя. Поймите, что он говорит их только из-за своей внутренней неуверенности, неудовлетворённости. Плавно избавьтесь от его общества, пускай себе идёт и выплёскивает недовольство на кого-нибудь другого.

Понять музыку

Вокализ.

Вокальное произведение без слов. Мелодическая линия распевается, чаще всего, на какой-либо гласный звук или слог. Вокализы, в большинстве своём, являются упражнениями, можно сказать, этюдами на развитие вокальной техники.

Типичные особенности жанра согласно Википедии: «лиричность, минорность, певучесть, легкость запоминания гласных звуков и слогов».

Написать вокализ - задача не из простых. Тут не скрыться за обилием тембров и гармоний. Да, есть инструментальное сопровождение, но оно сведено к минимуму. Всё внимание слушателя сосредоточено на мелодии. И только на ней.

Один из самых известных вокализов принадлежит Рахманинову. Сегодня мы его и послушаем. Точнее, переслушаем. Я уверен, что вы где-то его уже слышали.

Понять музыку

Из письма Бетховена органисту Фрейденбергу.

«Когда у Вашего ученика по фортепианной игре прилично поставлены пальцы, когда он не сбивается с такта и правильно берет ноты, обратите все Ваше внимание на стиль игры, не останавливайте его на мелких ошибках, укажите ему на них только после того, как он сыграет всю пьесу. Такой метод создает музыканта, что, в конце концов, и является основной целью музыкального искусства…»

Понять музыку

Детская сюита для баяна.

Да, для баяна! Причём от композитора, некогда совершившего революцию в баянной музыке.

Аккомпанемент в ней всегда был схематичным – бас-аккорд. Это связано с устройством самого инструмента. А если композитору вдруг хотелось несхематичного аккомпанемента – он просто выбирал другой инструмент и писал музыку уже для него. Никому даже не приходило в голову что-то менять. Все относились к этому как к должному.

Но Владислав Золотарёв очень любил свой инструмент. И хотел писать именно для него.

«Детская сюита №1» (1966) и «Партита» (1967) совершили настоящий переворот в баянной музыке. А сам Золотарёв стал достаточно известным композитором, правда, в узких кругах. Поверьте мне, все музыканты-народники его знают и очень уважают.

Сегодня я хотел бы поделиться с вами его первой «Детской сюитой». Написанная для детей, очень простая музыка удивила меня своей «искренностью», если так можно сказать. Предельно понятные, но при этом очень яркие, захватывающие воображение образы.

В общем, послушайте хотя бы минуту, и там уже сами всё поймёте.

Понять музыку

​​Треугольник.

Уверен, вы слышали об этом музыкальном инструменте. Возможно, даже знаете шутку про то, насколько трудно приходится исполнителям партии треугольника. Настолько сложны их партии! Для непосвящённых: задача исполнителя – в нужное время бить палочкой по треугольнику. Всё.

Из-за такой «простоты использования» все, почему-то, воспринимают этот инструмент как какое-то, даже не второстепенное, третьестепенное дополнение. Для украшения, как говорят некоторые.

Однако они забывают, или не знают, что введение треугольника в оркестровую ткань может произвести просто фантастический эффект. Тремоло (приём игры - многократное быстрое повторение одного звука) треугольника поверх туттийных аккордов (когда их играет весь оркестр) добавляет всему звучанию яркости и блеска, заполняя диапазон высоких частот и, тем самым, значительно усиливая весь оркестр в восприятии слушателей. Кстати, именно благодаря высоким частотам треугольник никогда не теряется в общем звучании, а всегда прорезается чуть ли не на первый план.

Казалось бы, теперь секрет в наших руках. Берём и добавляем треугольник во все кульминации! Слушатели будут поражены величием нашего оркестра! Но нет. Магия здесь как раз именно в том, чтобы приберечь этот козырь для действительно важных моментов. Если разбрасываться им по пустякам, слушатель привыкнет, и эффекта, который мог бы быть, уже не получится. Да и постоянный звон по поводу и без повода со временем приведёт аудиторию к раздражению. В общем, нужно знать не только секреты, но и то, как правильно их следует применять.

Ну а на этом наше небольшое обсуждение маленького, но очень значимого музыкального инструмента заканчивается. Попробуйте обратить внимание на то, как он используется, когда в следующий раз будете слушать оркестровую музыку.

Понять музыку

Прокофьев — Мясковскому. О киномузыке.

"Пора бы Вам решиться: фильмовая работа занятная, доходная и не требует творческого перенапряжения, а Алма-Ата приятный город и при деньгах сытный. Я, кроме фильмов, пишу небольшую драматическую кантатку и выпросил у Москвы заказ на сонату для флейты и фортепиано. Несвоевременно, но приятно."

Понять музыку

20th Century Studios. Заставка.

Думаю, что это самые известные фанфары в мире. И вы точно их слышали!

Эта музыка была написана в 1933 году. 87 лет назад! Альфредом Ньюманом, одним из самых известных на тот момент кинокомпозиторов. Кстати, основавшим целую семейную династию.

К примеру, его сын, Томас Ньюман, писал музыку к таким фильмам, как «ВАЛЛ-И», «1917», «Зелёная миля», «Красота по-американски», «В поисках Немо», «Побег из Шоушенка» и т. д. Знакомые современному зрителю названия, да? Не то, что знакомые, это всё культовые фильмы.

В общем, дети продолжают дело отца, а вы теперь знаете, кем и когда была написана музыка к одной из самых узнаваемых заставок.

Понять музыку | Отправить другу

Уроки игры на фортепиано от Саймона Бернштейна.

Эх! Если бы эти видео были обязательными к просмотру для всех пианистов-первокурсников. Да и не только первокурсников. Во всех колледжах и, что греха таить, в некоторых консерваториях. Было бы у нас с вами гораздо больше интересных исполнений. А всё почему?

Да потому, что любое обучение должно начинаться с освоения азов. Системного освоения! А не «там кое-что прочитал», «здесь кое-что узнал», а тут – полный пробел в знаниях. Вы сами знаете, какие педагоги бывают. Либо ничего не дают, всё приходится самим изучать, либо такие вещи заставляют делать, что поражаешься, как это у них в голове возникло. Один из примеров – вертеть языком во рту во время исполнения. А ведь это реальная история. Действительно хороших – единицы. И все, кто в тусовке – это понимают.

В общем, в этой серии всего 4 видео. Но они обладают таким коэффициентом полезности, что хорошо было бы даже их пересматривать время от времени. Они на английском языке, но, как ни странно, русские субтитры сделаны абсолютно прекрасно. Как будто их специально переводили. Так что включайте их и вперёд!

По частям:
1 | 2 | 3 | 4

Думаю, что даже в музыкальной школе было бы полезно их показывать. В старших классах, конечно.

В общем, советую посмотреть всем. Если вы не пианист (а жаль, конечно, что вы не пианист) – можно посмотреть только первую часть. Она очень полезна для общего развития. А потом уже самостоятельно решить, смотреть дальше или нет. Я с огромным удовольствием посмотрел всё.

Понять музыку | Отправить другу

​​Трансцендентные этюды.

Какие? Трансцендентные. Проще говоря, этюды высшего исполнительского мастерства. Ещё проще говоря, очень-очень сложные этюды.

Маленькое предисловие для непосвящённых: этюд (от франц. – изучение) – инструментальная пьеса, как правило, небольшая, основанная на частом применении какого-либо трудного приёма исполнения и предназначенная для усовершенствования техники исполнителя и инструмента.

Вернёмся к нашей теме. Трансцендентные этюды были написаны Ференцом Листом. Помните, у кого он учился?

В 15 лет Лист задумал написать «Этюды для фортепиано в виде 48 упражнений» во всех тональностях. Однако сочинил только 12. Сама музыка больше напоминала чисто технические упражнения в стиле этюдов его учителя Карла Черни.

Однако уже через 12 лет, Лист решается переработать их. Значительно усложняет и добавляет масштабности. Редакция выходит под названием «Большие этюды» (1838). Но на этом история не заканчивается.

Ещё через 13 лет, Лист снова перерабатывает этюды, концентрируясь в этот раз на образной составляющей и убирая «излишние» виртуозные моменты. В этой редакции он также даёт этюдам названия: «Дикая охота», «Метель», «Мазепа», «Блуждающие огни» и т. д. Последняя, третья редакция выходит под названием «Études d'exécution transcendante» («Этюды высшего исполнительского мастерства»).

Далеко не каждый пианист может их сыграть. А уж если речь идёт об исполнении всего цикла подряд – остаются, буквально, единицы. В общем, как я и говорил, они очень и очень сложные. А чтобы вы и сами могли в этом убедиться – предлагаю послушать «Дикую охоту», один из моих любимых этюдов (под номером 8 в этом цикле).

Понять музыку | Отправить другу

Вертикальное развитие музыки.

Музыка может развиваться горизонтально и вертикально. Горизонтальное развитие подразумевает работу над всеми составляющими музыки одновременно: мелодия, гармония, фактура, ритм и т. д.

Вертикальное – несколько проще. Этот способ напоминает работу со слоями. Какой-то музыкальный фрагмент ложится в основу всей пьесы и постоянно повторяется (остинато). А при каждом новом повторении к нему, раз за разом, добавляется новый слой.

Прекрасным примером такого развития является композиция Ханса Циммера «Time» из саундтрека к фильму «Начало». Очень известная, можно сказать, популярная музыка.

Послушайте самостоятельно, каждые 8 аккордов добавляется новый слой.

На самом деле, владение этим приёмом не вызывает особых сложностей у композиторов. Некоторые даже сначала пишут финальный «слоёный пирог» (кульминацию), затем много раз копируют-вставляют его, убирая слой за слоем, пока не дойдут до места, где остаётся только один слой. Это и будет началом композиции.

Конечно же, гораздо интереснее развивать музыку горизонтальным способом. Но это и сложнее для композитора и менее доступно для современного слушателя. Такую музыку он воспринимает как очень сложную, перегруженную из-за своей привычки к бесконечным повторениям одного и того же материала в популярной музыке и других лёгких жанрах. Ну, не будем о грустном.

Слушая Циммера, постарайтесь отследить вертикальное развитие. Оно там как на ладони.

Понять музыку | Отправить другу

Бетховену не понравилось учиться у Гайдна.

А Гайдну – учить Бетховена. Цитирую Википедию:

«Приехав в Вену, Бетховен начал занятия с Гайдном. Впоследствии Людвиг утверждал, что тот ничему его не научил; занятия быстро разочаровали и ученика, и учителя. Бетховен считал, что Гайдн был недостаточно внимателен к его стараниям; а Гайдна пугали не только смелые по тем временам взгляды Людвига, но и довольно мрачные мелодии, что в те годы было малораспространённым.

Однажды Гайдн написал Бетховену: «Ваши вещи прекрасные, это даже чудесные вещи, но то тут, то там в них встречается нечто странное, мрачное, так как Вы сами немного угрюмы и странны; а стиль музыканта — это всегда он сам».

Вскоре Гайдн уехал в Англию и передал своего ученика известному педагогу и теоретику Альбрехтсбергеру. В конце концов, Бетховен сам выбрал себе наставника — Антонио Сальери».

Моцарт, кстати, отзывался о Бетховене гораздо приятнее:

«В 1787 году Бетховен посетил Вену. Прослушав импровизацию Бетховена, Моцарт воскликнул: «Он всех заставит говорить о себе!»

Такие вот взаимоотношения были между великими композиторами одной эпохи.

Понять музыку | Отправить другу

Я родился в 1891 году. Четыре года назад умер Бородин, пять лет назад – Лист, восемь – Вагнер, десять – Мусоргский. Чайковскому осталось два с половиной года жизни; он кончил пятую симфонию, но не начал шестой. Римский–Корсаков недавно сочинил «Шехеразаду» и собирался приводить в порядок «Бориса Годунова». Дебюсси было двадцать девять лет, Глазунову – двадцать шесть, Скрябину – девятнадцать, Рахманинову – восемнадцать, Равелю – шестнадцать, Мясковскому – десять, Стравинскому – девять, Хиндемит не родился совсем. В России царствовал Александр III, Ленину был двадцать один год, Сталину – одиннадцать.

Из «Автобиографии» Прокофьева.

Понять музыку | Отправить другу

Как я чуть не бросил музыку.

Мой первый преподаватель (в колледже) был ещё не набравшимся опыта выпускником консерватории. Видимо, в начале своей карьеры он решил проверить все свои теории относительно «создания из студента гениального пианиста».

Чем мы только не занимались: параллельно игре, а я тогда готовил программу сольного концерта, читал книги, стараясь не отвлекаться на исполнение. Представляете? Помню, прочитал тогда пару психологических бестселлеров. Сидел себе и читал, параллельно исполняя всю программу подряд. Ужас, никакой работы над музыкой. Никакой работы в процессе выступления. Просто гнал от начала до конца.

Чем ещё мы занимались? Помню, дышал в такт музыке. Крутил языком во рту, тоже, по-моему, в такт музыке. И много чего ещё. Вот так вот, по очереди проверяли теорию за теорией, пока я не ушёл.

Нужно всё же отдать ему должное: я получил базовые знания, хорошо прокачал технику. Но на этом, пожалуй, всё.

Уже на втором курсе я понял, что мы никак не работаем над самой музыкой. Проще говоря, мы не превращали сыгранные ноты в музыку. А вы думали, что достаточно просто сыграть ноты в нужном порядке?

К третьему курсу мои сомнения окрепли. И тут он неожиданно решил, что на сольном концерте частью программы будут 15 двухголосных инвенций Баха, которые я до этого играл на первом курсе. И объяснять, почему и для чего их нужно играть сейчас, на третьем курсе, не захотел. В общем, это была финальная точка в наших отношениях преподавателя и ученика.

Из-за него моя любовь к музыке, которая, поверьте, была очень сильной, едва ли полностью не угасла. Но мне очень повезло, и следующий преподаватель оказался самым талантливым и опытным в том месте, где я учился. И всю свою музыкальность я смог раскрыть только благодаря ему.

В общем, ничего более важного, чем «найти хорошего преподавателя с первого раза», посоветовать не могу. Но помните, что везёт не всем. В такой ситуации не нужно бояться, нужно просто пойти и поменять педагога, как бы неловко вам не было.

Понять музыку | Отправить другу

Техника непрерывного дыхания.

Также известная как циклическое или циркулярное дыхание. Один из важнейших навыков исполнителей на духовых инструментах.

Нужно делать два действия одновременно: вдыхать носом и, движениями щёк и языка, выдувать воздух из ротовой полости. Постоянный поток воздуха заставляет непрерывно звучать и сам инструмент.

Хотите посмотреть, как это происходит? Вот специальное видео для вас. Полторы минуты непрерывного звука, даже чуть больше.

Понять музыку | Отправить другу

Кармен-сюита.

Майя Плисецкая, будучи ведущей балериной Большого театра, танцевала практически все главные женские роли. Но чего-то ей не хватало. Она очень хотела воплотить на сцене образ Кармен, но опера Бизе – это всё же опера, а не балет.

Сначала она обратилась с этой идеей к Шостаковичу, затем к Хачатуряну. Они аккуратно сводили просьбу на нет. А кому захочется соревноваться с музыкой Бизе? Я бы даже сказал, с его всеми признанным шедевром.

В конце концов, Майя обратилась к своему мужу Родиону Щедрину. Уверен, что она делала это и раньше, просто у него всё не хватало времени. Щедрин не стал писать полноценный балет, а решил сделать транскрипцию музыки Бизе. И сделал! Всего за 20 дней. Транскрипцию для струнных и ударных инструментов.

Как всегда бывает, премьера прошла без особенных оваций, однако позже музыка стала всемирно известной. Небольшой, но очень яркий фрагмент из неё я вам и предлагаю сегодня послушать.

Понять музыку | Отправить другу